赵雷的《成都》 为什么感动了千万人 赵雷，这个1986年出生于北京市，中国内地民谣男歌手，几年前因为一首《成都》原创歌曲突然爆红大江南北。因为恰遇短视频的火爆，让《成都》爆发式增长，人气爆棚。每一句歌词，都是那么的有画面感，感觉推开自家小院的窗户，眼前全是成都的烟火气。一个歌手，在一个可以随性的状态，居然可以做到“你会挽着我的衣袖，我会把手揣进裤兜，走到玉林路的尽头，坐在小酒馆的门口”的优哉游哉享受成都的幸福生活。在《成都》的完整歌词里，渗透了浓浓的烟火味，这是一座美丽的公园城市，背后还有巍峨的雪山，是最有烟火味的人间天堂。当你在小酒馆喝完一轮崇阳小酒， 微醺中哼着城市小调“成都，带不走的，只有你，和我在成都的街头走一走，直到所有的灯都熄灭了也不停留”，你的感觉一定是：这座城市安静地醉了，似乎只我一人独醒？随着原创歌曲《成都》的火爆，不同版本的吉他曲《成都》同样火遍吉他圈。 17吉他网上《成都》曲谱不同版本近百首，而且分不同的调式，难度，还有指弹及弹唱版，供不同需要的吉他自学者学习。 学吉他，查吉他谱，就上17吉他网。

吉他弹奏教程起风了怎么办 起风了是一首由周杰伦演唱的经典歌曲，这首歌在吉他爱好者中非常受欢迎。无论是初学吉他者还是有一定基础的吉他爱好者，都可以通过学习和演奏这首歌来提高自己的技艺。下面将为大家介绍一些学习吉他弹奏《起风了》的教程和技巧，希望对各位吉他爱好者有所帮助。在学习吉他弹奏《起风了》之前，首先需要了解一些基本的吉他知识。对于初学者来说，学习弦的基本音高和正确的换弦方法非常重要。另外，熟悉和弦的结构和标记也是学习吉他的基础。对于已经有一定基础的吉他爱好者来说，则需要加强对和弦的熟练掌握和掌握指法的技巧。《起风了》这首歌的和弦结构相对简单，适合初学者练习。歌曲使用的和弦包括C大调中的C、G、Am、F等常用和弦。对于初学者来说，可以先逐个练习这些和弦的弹奏，熟悉和弦的指法和过渡。然后再通过模仿原曲弹奏，逐渐提高演奏的准确度和流畅度。我们来讲解一下具体的弹奏技巧。对于C和G这两个和弦，可以采用弦跳的方式弹奏，即将左手按住的和弦形状保持不变，右手则用拇指弹低音弦，其余手指弹高音弦，形成明确的低音和高音的对比。对于Am和F这两个和弦，可以采用扫弦的方式弹奏，即右手的手指在吉他的弦上轻轻划过，形成连续的音符。在弹奏《起风了》时，注意奏出清晰的音符和节奏感。可以通过练习和弦的转换和手指的协调来提高演奏的准确度和稳定性。也可以尝试将伴奏和原唱进行结合，加入一些吉他掌中的旋律演奏，增加音乐的层次感和表现力。除了基本的和弦和演奏技巧外，还可以根据自己的实际情况进行一些个性化的演奏改编。例如可以加入一些弹奏技巧如滑音、颤音、颤音等，或者尝试改变演奏的速度和节奏，使演奏更具个人风格。也可以尝试通过弹唱结合的方式演奏这首歌，增加表演的互动性。在学习吉他弹奏《起风了》时，持之以恒地进行练习非常重要。可以每天花一些时间进行练习，逐渐提高演奏的水平。同时，也可以利用一些在线教学资源和吉他教学视频来学习和借鉴其他吉他爱好者的演奏技巧和经验。学习吉他弹奏《起风了》需要掌握基本的和弦指法和换弦技巧。通过持续的练习和熟练掌握和弦的过渡和指法，能够更好地演奏这首经典歌曲。同时，也可以根据个人的喜好和实际情况进行演奏改编，增加音乐的个性和表现力。希望以上的教程和技巧对于学习吉他弹奏《起风了》的各位有所帮助。通过不断地学习和练习，相信你能够演奏出一段动听的旋律。加油！

学民谣吉他基础知识 初学吉他的朋友,如果没有正确的引导和朋友间的切磋交流,要想入门和提高,是比较困难的，那么学习学民谣吉他基础知识有很多种的教学方法，下面和小编一起来看看学民谣吉他基础知识都有哪些，希望对你有帮助!学民谣吉他基础知识一1、时值时值是音乐中非常重要的一个组成单位，它控制着音符发音的长短，计算单位是拍。按照一定并准确的时值演奏的音符才能演奏出美妙的音乐。2、吉他上的记谱方法：六线谱六线谱是世界上通用的一种专为吉他设计的记谱方法，学吉他就一定要学会六线谱。六线谱的基本结构是由六根间隔相等的线组成，这六根线分别代表吉他上的六根弦，最下面的一条线，代表吉他的第六根弦，然后依次是由上到下看谱，倒数第二根线代表第五根弦，下面的依次类推。六线谱：六线谱是把吉他的六根弦对应地划出六条平行的横线来表示两手演奏的位置和动作(即指法)，不记录音的高低。六线谱对吉他常用的演奏方式(独奏、分解伴奏和扫弦节奏)分别用如下方式记录：独奏(旋律)记谱：在六条线上写上阿拉伯数字六线谱中的数字表示吉他的品格，写在线上的数字表示左手按第几品，数字所在的线即右手应弹的弦。分解和弦伴奏记谱：在六线谱上画X六线谱上方一般都有左手按和弦的指法图或标记表示。x表示右手拨弦的顺序，即分解节奏，第一小节中第一拍可记做6 3 2 第二拍记作6 1 2 3，第三四拍重复一二拍。这是一个两拍的节奏，即6 3 2 6 1 2 3。在这个分解节奏中出现了三音和四音，x打在同一竖行则表示同时弹响相应的弦。扫弦节奏记谱：在六条线上画、等符号六线谱上方也一般都有关于左手指法的提示。第一小节第一个箭头表示向下扫5 4弦，第五个表示向上扫1 2 3弦，也就是说，箭头的方向决定了扫弦的方向，而箭头所压过的弦即表示所要扫的弦。学民谣吉他基础知识二所有风格的音乐都是由众多不同时值的音符组成的，他们是全音、二分音符、四分音符八分音符、十六分音符、三十二分音符、六十四分音符、八分付点音符、十六分付点音符、切分音符及一些组合音符等等。想要学习好吉他，我们首先要学习各种音符及节奏在六线谱上的表示方法。(1) 六线谱上音的表示方法六线谱是一种非常通俗易懂的吉他记谱方法,六条线上的数字，分别代表这根弦上相应的品上的音。如图：最上面一条线上的0、 3、 12、18，表示吉他一弦上的空弦、第三品、第十二品、第十八品的音符，其他线上的数字依次类推。(2) 六线谱上节奏的表示方法节奏技巧不同于其他的演奏技巧，他要根据不同的节奏，来扫规定和弦中六根线的不同区域，而且扫弦的方向也要根据不同的节奏变化。在六线谱中的扫弦方法，是用不同方向、不同长度的箭头表示，不同方向，不同长度的箭头按不同的时值来演奏，可变化多端，节奏丰富。(3) 拍的概念WWw.J961.cOm拍是时值的计算单位，我们在学习时值的时候，最重要的是掌握平稳的拍速，拍速就是在演奏乐曲时候，每分钟弹多少的音。不同的乐曲有不同的拍速，我们要严格的按照谱中规定的拍速来演奏，才能与乐队一起来演奏音乐。如果你在演奏的时候，时快时慢，别人无法与你同步演奏，所以练习好拍速对于每一位演奏者来说，是非常重要的。我们要经过严格训练，把自己变成一个极其准确的节拍器。(4) 拍的表示方法一拍是由前半拍加后半拍组成的，时值中最长的基本单位是全音符，他是由四个这样的一拍组成。二分音符是由两个拍组成，四分音符是由一个拍组成，八分音符是由半拍组成，十六分音符是由四分之一拍组成，三十二分音符是由八分之一拍组成，其他更快的音符同理类推。学民谣吉他基础知识三1、 琴弦：如图从右往左依次为一弦至六弦，最细的琴弦为一弦，最粗的琴弦为六弦2、 弦钮：用于调整弦的音高。3、 指板：位于琴颈表面，并延伸至音孔处，指板上凸起的金属细圆柱称为品柱，也叫品丝。品柱之间的部分称为品格或音品。4、 品位记号：如图品标，指板上部分品格上有标记，称为品位记号。所有民谣吉他的品位标记均一致，一般在三、五、七品、九品、十二品这几个位置有标记，方便于快速找到需要弹奏的音品。5、 护板：保护琴箱面板，有些吉他弹奏技巧需要打板，避免弹奏时面板被划伤。6、弦栓：又叫弦钉，是用来固定琴弦的!j961.COm编辑推荐古典吉他基础知识1、古典吉他各部位名称2、古典吉他的琴弦----尼龙弦如果说吉他象人的身体一样是共鸣腔的话，那么琴弦就是吉他的声带。吉他能不能发出优美动听的声音琴弦起着至关重要的作用。古典吉他使用的是古典吉他专用的尼龙弦。古典吉他以前使用的是用动物肠衣制成的肠弦，称羊肠弦或猫肠弦。肠弦的均衡性、张力、音量音准均不稳定，易受天气变化和温湿度影响，容易磨损和断裂，而且价格昂贵，不易制作。二十世纪中期在伟大的吉他大师塞戈维亚的倡导下，美国吉他制作家奥古斯汀于1947年研制出世界上第一批尼龙琴弦。此后，古典吉他尼龙弦在大师塞戈维亚的率先使用和推崇下，很快完全取代了肠弦，得到了全世界的普遍使用。尼龙弦的发明与使用是古典吉他发展史上的又一次革命，为古典吉他在世界范围内的进一步普及和发展带来了深远的影响。尼龙弦的高音三弦是由尼龙拉制而成，一般为无色透明，晶莹透亮。优质琴弦往往透明、光滑、柔软，劣质琴弦由于使用劣质尼龙往往灰暗发白，粗硬不易弯折。低音三弦里面是无数根很细的尼龙纤维，外面缠绕着金属缠丝。初学者常会把尼龙弦的低音弦与吉他钢弦混淆，它们外观相同，但是只要检查一下琴弦的末端就能区别开来，尼龙弦中间是尼龙纤维，而钢弦则是钢丝。优质的尼龙低音弦缠丝均匀，银色镀层发亮，同时又柔软易于弯折，劣质的尼龙低音弦缠丝松散，松紧不一，甚至用手就能感觉出来琴弦不圆或粗细不均。由于缠丝松散往往形成不规则扭曲而不是自然卷曲，并且镀层发暗、发黄容易磨掉或脱落。琴弦粗硬不易弯曲。琴弦的好坏不但影响音准和音色，对于演奏的舒适与方便，即手感也会有很大的影响。请尽可能使用优质琴弦。著名的古典吉他尼龙弦品牌有美国的DAddario（达达里奥），Augustine（奥古斯丁），Aranjnez（阿兰胡埃斯）和LaBella（拉贝拉），法国的Sararez（萨瓦列斯）等。国内目前尚无可推荐的品牌，但一般的初学者，如使用不分古典、民谣的普及琴，可使用较便宜的红棉牌尼龙弦（每套约15元），如果学习者使用质量较好的学习用琴，如Concerto（协奏）牌吉他，不论是普及琴CG-11或是更高档的练习琴CG-16、17、18，都应使用优质尼龙弦，国外优质尼龙弦价格不菲，但是同牌子的低标号的弦往往能便宜一些，如能买到名牌厂家的散装弦则会更便宜。请大家选择琴弦时尽量购买名牌厂家的产品，因为市面上常有一些印有英文封套的杂牌琴弦出售，这种琴弦常常音量、音准欠佳，手感不好，而且寿命很短，买这种琴弦尽管便宜一点，但损害听力，弹奏不适，影响学习的乐趣。因此，还不如买较贵的进口名牌琴弦，其音色、音准及手感等方面表现俱佳，使用寿命更长也更合算。名牌崃遥缤迹喝吡兴筭8-1，达达里奥g8-2,奥古斯丁g8-3,g8-4学习者应特别注意，琴弦都是有一定的使用寿命的，使用到一定程度的琴弦由于磨损与长时间拉伸，肯定会出现不同程度的音不准、音色变差、声音发闷（尤其低音弦更甚）、手感不适、和声不协调等情形，所以千万不能等到琴弦生锈或弹断了再换。琴弦的寿命还取决于琴弦本身的特性、演奏者每天弹琴时间的多少、吉他本身张力的大小甚至还取决于演奏者的技术与右手指甲的抛光程度和环境、气候、季节和温湿度状况。一般来说，一套琴弦连续使用一两个月就该换新弦了。还应特别注意的是，吉他是一个十分精密的受力体，张力的细微变化都会给吉他带来影响，而且越好的吉他越敏感。一把合格的吉他在设计制作时已经考虑了琴弦的张力，所以当我们换好琴弦调至标准音高后，就不用经常松弦，如一两月至半年不弹也不用完全松掉，只需松掉一两根琴弦或每根弦各降低半音即可。当然若半年以上不弹就要松弦。同样的道理，三合板吉他以外的高级吉他在换弦时不应该全部卸下再换弦，而是应该一根卸下调好音后再换下一根，否则，剧烈的张力变化会给名贵的吉他带来不可弥补的损害。最后要说明的是，名牌琴弦都有不同的型号，这些不同型号的琴弦有着不同的张力，其特性和用途也不同。为了从外表上加以区分，便有了黄色、黑色、红色等不同颜色的尼龙弦。对于演奏家来说，同一把吉他要选择不同的琴弦用以表现不同时期、不同作曲家的作品。总之，作为吉他声带的琴弦是你自始至终需要关注的。3、古典吉他尼龙弦的装弦法古典吉他尼龙弦的装弦方法与民谣琴或其他吉他不同，正确的装弦不但牢固而且不易跑弦。而错误的装弦常会导致滑脱，跑弦等问题。尼龙弦装弦时是先装琴马与弦桥端，再装旋钮端，与卸弦顺序正好相反。装弦顺序如下，先将相应的琴弦从封套中取出，请注意封套上的音名与弦序号以防止拿错，将琴弦的一端从琴马的装弦孔中插入，从另一端穿出，末端留出4-5厘米以用来结弦。一般琴马处结弦的方法有如下几种：图Ａ所示方法十分简便，但是如琴弦较细或琴马边缘有磨损使棱不够锐利时容易滑脱。图Ｂ、Ｃ是常见的结弦法，把Ａ中的琴弦绕一圈压在弦下就形成了Ｂ，而绕两圈则形成了Ｃ，往往高音弦细、表面光滑所以需要绕两圈才能比较结实，有时①弦还需结三圈才行。图Ｄ的方法非常牢固结实，但由于琴弦头上翘往往需要依次把弦头一个个压在后面的弦下，所以比较烦琐不太常用。不论用哪种方法，琴马处结弦的关键，都是要将弦压在琴马的棱以下，才能在弦绷紧时用巨大的压力将弦牢牢压住，防止滑脱。低音缠弦摩擦力很大，一般很少滑脱，高音弦如果太容易滑脱时可将弦末端用火熔成小球以防止滑脱。旋钮端的系弦法有如下两种Ａ、把从旋钮孔穿出的弦压在弦下后拧紧旋钮即可。Ｂ与Ａ相比，多打了一个结可使琴弦有两个点都被牢牢压住，更为牢固可靠。旋钮端系弦时要注意几点①古典吉他尼龙弦不能象钢弦吉他那样把琴弦插进旋钮孔后拧紧旋钮即可。而一定要把琴弦头部分压在琴弦之下才行。②转动旋钮时向上向外旋转为上紧，向内向下为放松，不要弄混。③琴马一端系好弦后把琴弦拉紧再系旋钮一端，可使调音时容易很多，节省时间和精力。琴马一端剩余的琴弦可用剪刀或指甲刀剪短至不挨着面板以防止杂音；旋钮一端长出的琴弦不必剪短，以留意外断弦或特殊情况时之用，为使琴头整洁美观，多余的琴弦可缠绕在旋钮轴上或单绕成一个小圆圈。吉他最基础知识学习吉他就要掌握一些最基础的知识，那么这些最基础的知识你们知道哪些呢?下面和小编一起去了解一下吧，希望对你有帮助!吉他最基础知识一：音及音高音是由于物体的振动而产生的。在自然界中能为我们人的听觉所感受的音是非常多的，但并不是所有的音都可以作为音乐的材料。在音乐中所使用的音，是人们在长期的生产斗争和阶级斗争中为了表现自己的生活和思想感情而特意挑选出来的。这些音被组成为一个固定的体系，用来表现音乐思想和塑造音乐形象。音有高低、强弱、长短、音色等四种性质。 音的高低是由于物体在一定时间内折振动次数(频率)而决定的。振动次数多，音则高;振动次数少，音则低。音的长短是由于音的延续时间的不同而决定的。音的延续时间长，音则长;音的延续时间短，音则短。音的强弱是由于振幅(音的振动范围的幅度)的大小而决定的。振幅大，音则强;振幅小，音则弱。 音色则由于发音体的性质、形状及其泛音的多少等不同。音的以上四种性质，在音乐表现中都是非常重要的，但音的高低和长短则具有更为重大的意义。试以《社会主义好》这首歌为例，不管你用人声来演唱或用乐器来演奏，用小声唱或是大声唱，虽然音的强弱及音色都有了变化，仍然很容易辨认出这支旋律。但是，假如将这首歌的音高或音值加以改变的话，则音乐形象就会立即受到严重的破坏。因此，不管创作也好，演奏演唱也好，对音高和音值应加以特别的注意。由于音的振动状态的规则与不规则，音被分为乐音与噪音两类。音乐中所使用的主要是乐音，但噪音也是音乐表现中不可缺少的组成部分。在我国民族音乐里，噪音的使用具有相当丰富的表现能力。如在戏曲音乐中，打击乐器在其他艺术表现手段的配合下，在塑造人物形象，表现各种思想情感方面，其作用是异常明显的，这是世界音乐文化中非常具有特色的一部分，是值得我们很好地研究和学习的。我们平时所听到的某一个音，都不只是一个音在响，而是许多个音的结合，这种声音叫做复合音。复合音的产生是由于发音体(以弦为例)不仅全段在振动，它的各部分(二分之一、三分之一、四分之一等)也分别的同时在振动。由发音体全段振动而产生的音叫做基音，也就是最易听见的声音，由发音体各部分振动而产生的音叫做泛音。这些音是我们听觉所不易听出来的。吉他最基础知识二：乐音体系在音乐中使用的、有固定音高的音的总和，叫做乐音体系。 乐音体系中的音，按照上行或下行次序排列起来，叫做音列。在钢琴上可以明显地看出乐音体系中所使用的音和音列。现在最大的钢琴包括有八十八个音高不同的音。除此之外的音在音乐中差不多是不用的。乐音体系中的各音叫做音级。音级有基本音级和变化音级两种。 乐音体系中，七个具有独立名称的音级叫做基本音级。钢琴上白键所发出的音是与基本音级相符合的。基本音级的名称是用字母和唱名两种方式来标记的。 钢琴上五十二个白键循环重复地使用七个基本音级名称。 两个相邻的具有同样名称的音叫做八度。升高或降低基本音级而得来的音，叫做变化音级。将基本音级升高半音用升或#来标明;降低半音用降或b来标明;升高全音用重升或来标明;降低全音用重降或bb来标明。在德国体系中，用加字尾的办法来标明变化音级：is(升)，es(降)，isis(重升)，eses(重降)。但降E不用Ees而用es;降A不用Aes而用as;降h不用hes而用b。吉他最基础知识三：音的分组前面已经讲过，钢琴上五十二个白键循环重复地使用七个基本音级名称，因此，在音列中便产生了许多同名的音，为了区分音名相同而音高不同的各音，我们将音列分成许多个组。在音列中央的的一组叫做小字一组，它的音级标记用小写字母并在右上方加数字1来表示，如c1d1e1等。比小字一组高的组顺次定名为：小字二组、小字三组、小字四组、小字五组。 小字二组的标记用小写字母并在右上方加数字2来表示，如c2d2e2等。其他各组依次类推。比小字一组低的组，依次定名为小组、大字组、大字一组及大字二组。 小字组各音的标记用不带数字的小写字母来表示，如cde等。大字组用不带数字的大写字母来标记，如CDE等。 大字一组用大写字母并在右下方加数字1来标明，如C1D1E1等。大字二组用大写字母并在右下方加数字2来标明，如A2B2等。音域有总的音域和个别的人声或乐器的音域两种。总的音域是指音列的总范围，即从它的最低音到最高音(C2-c5)间的距离而言。个别的人声或乐器的音域是指在整个音域中所能达到的那一部分，如钢琴的音域是A2-c5。音区是音域中的一部分，有高音区、中音区、低音区三种。在整个音域中，小字组、小字一组和小字二组属于中音区。小字三组、小字四组和五组属高音区，大字组、大字一组和大字二组属低音区。各种人声和各种乐器的音区划分，往往是不相符合的。如男低音的高音区是女低音的低音区等。各音区的特性音色在音乐表现中，有着重大的作用。高音区一般具有清脆、嘹亮、尖锐的特性;而低音区则往往给人以浑厚、笨重之感。吉他最基础知识四：谱 号、五 线 谱、音 律谱 号前面已经讲过，在五线谱上音的位置愈高，音也愈高，反之音的位置愈低，音也愈低，但到底高多少?低多少?却无法确定。在五线谱上要确定音的高低，必须用谱号来标明。这种谱号记在五线谱的某一条线上，便使这条线具有了固定的音级名称和高度，同时也确定了其他各线上或间内的音级名称和高度。通常用的谱号有三种：G谱号 表示小字一组的g，记在五线谱的第二线上，叫高音谱号;另外有记在第一线上的，叫古法国式高音谱号。F谱号表示小字组的f，记在五线谱的第四线上，叫低音谱号;另外还有记在第五线上的，叫倍低音谱号。C谱号 表示小字一组的c，可记在五线谱的任何一线上。目前被采用的C谱号有C三线谱号(中音谱号)为中音提琴所用，有时也长号所用。C四线谱号(次中音谱号)为大提琴、大管和长号所用。其他C谱号一般较少应用。使用许多谱号的目的是为了避免过多的加线，以使写谱和读谱更加方便。 各种谱号可以单独使用，也可以连接起来使用，如高、低音谱号所组成的大谱表便是。五 线 谱用来记载音符的五条平行横线叫做五线谱。五线谱的五条线和由五条线所形成的间，都自下而上计算的。假使音乐作品是写在数行五线谱上，那么，这数行五线谱还要用连谱号连结起来。连谱号包括起线(连结数行五线谱的垂直线)和括线(连结数行五线谱的括弧)两个组成部分。括线分花的和直的两种。花括线为钢琴、风琴、手风琴、竖琴、扬琴、琵琶等乐器记谱使用。直括线为合奏、合唱、乐队记谱用。在总谱中用直括线来连接同为乐器，把它们分成完全的或不完全的乐器组。有时在直括线之外还加上辅助括线(花的或直的)来连接同种乐器。在总谱中，独唱独奏声部如果只包括一两行五线谱的话，左边只画一条起线，而不加括线。为了标记过高或过低的音，在五线谱的上面或下面还要加上许多短线，这些短线叫做加线，在五线谱上面的叫上加线，下面的叫下加线。由于加线而产生的间，叫做加间，在五线谱上面的加间叫上加间，下面的叫下加间。加线和加间的计算方法是：上加线和上加间，由下向上计算，下加线和下加间由上向下计算。音 律乐音体系中各音的绝对准确高度及其相互关系叫做音律。音律是在长期的音乐实践发展中形成的，并成为确定调式音高的基础。在历史发展过程中，曾采用过各种各样的方法来确 定乐音体系中各音的高度，其中主要的、为大家所熟知的有纯律、五度相生律和十二平均律三种。目前被世界各国所广泛采用的是十二平均律。但纯律和五 度相生律在音乐生活中仍继续发生着影响并具有重大的意义。民谣吉他教程 民谣吉他伴奏编配的基础知识这次的民谣吉他教程，来给大家说说民谣吉他伴奏编配的基础知识。民谣吉他教程 民谣吉他伴奏编配的基础知识一、大小调的理解编配吉他伴奏，首先要明确歌曲是大调式呢还小调式，才能确定歌曲的基本情绪，这是一个大方向;好比去一个地方，先要搞清楚大致方向。通俗地说，按唱名来讲，以1、3、5 为主干音的曲子属大调歌曲，以2、4、6为主干音的曲子属小调歌曲。(所谓主干音，是指曲子中起支撑旋律的主导作用、出现频率相对较高的一组音符)一般来讲，大调式的歌曲具有雄壮、开朗的特性，典型的如我国国歌;小调式的曲子具有委婉、优雅、哀伤的特性，典型地如《莫斯科郊外的晚上》、《橄榄树》等曲子。 大调式的歌曲和小调式的歌曲在吉他和弦的选用上有不同的要求。二、和弦基本常识吉他是一种和声乐器，和弦的运用在吉他音乐中有举足重轻的地位，尤其是在民谣吉他中，和弦配置的好坏直接关系到吉他伴奏的效果。所以从某种意义上讲，民谣编配其实就是和弦的配置。因此，有必要先了解一些和弦的基本常识。1、什么是和弦照一定度数关系排列起来的一组音，称为和弦。和弦中的各音之间是一般三度关系，但也有不按三度关系的。不同的和弦具有不同的色彩属性，可以达到不同的声音效果，这使得和弦的配置成为音乐理论中十分重要的一项内容。和弦一般是三和弦，其从低到高三个音分别称为根音、三音、五音。如果是七和弦的话，就多了个七音。和弦的不同功能属性是由组成和弦的各音之音的关系决定的。2、和弦的分类及功能(一)按音程分1、三和弦：由三个音组成，各音之间是三度关系。又可分为大三和弦，其第一、三音之间是大三度，三、五音之间是小三度，如C和弦：1、3、5;小三和弦，三个音之间均为小三度，如Am：2、七和弦：由四个音组成，各音之间也是三度关系。如C7：1、3、5、7。还可细分为大七和弦、小七和弦等，不再详述。3、九和弦：在七和弦基础上再叠加一个三度音。用得不多，不再详述。(二)按功能分这种分法直接关系到歌曲编配，故加以详细说明(为便于说明，均以大家接触最多的C调为例)：1、主和弦三和弦的一种，只有过是依其功能命名。是在和弦体系中起主导作用的和弦。它是和曲子的主干音(参见：主干音)紧密相关的，确定整个曲子的基调。如以C大调为例，其主和弦即C和弦：1、3、5;而A小调的主和弦为Am和弦。2、属和弦和弦的一种，从其功能来看，对主和弦起附属作用，故名属和弦。其根音是主和弦根音的上行纯四度(四度音中只有一个半音程，这样的音程称为纯四度，因其音响效果是最和谐的，如1到4，在其1、2、3、4四度音程中，只有3、4间是半音)。如C调而言，主音是1，其上行纯四度是5,即G，则属和弦为G和弦：。属和弦有倾向主和弦的特性，这在和弦配置中十分有用，在下面的配置方法中会进一步讲解。3、属七和弦在属和弦的顶部再叠加一个小三度音即成属七和弦。如G7和弦：。属七和弦比属和弦具更加强烈的倾向主和弦的特性。4、下属和弦也是三和弦的一种。其根音是主和弦根音的下行纯四度关系。对C大调而言，下属和弦为F和弦：。5、副属和弦是指除大小三和弦和及属七和弦之外，并且由自然音阶中的音构成的和弦。如C调的F7和弦：。在不太重要的地方用副属和弦代替主和弦，会有意想不到的独特效果。6、离调和弦此种和弦中含有自然音阶的升降音。如C调的E和弦：3、#5、7，其中#5音是升降音。离调和弦可以大大丰富曲子的色彩。三、和弦之间的基本关系从上节对和弦的介绍中，大家可能已经看出和弦之间是有相互依存关系的，这正是和弦配置的最根本基础。下面就和大家总结一下和弦之间的关系：1、四度倾向性从和声学上讲，和弦之间是有倾向关系的，主和弦倾向于下属和弦，属和弦倾向行主和弦。仍以C调为例，C倾向于F，G倾向C，那么在和弦配置中我们可以采用C--F，G--C的联接，这种进行是很顺的，听起来很舒服。其本质原因是由于根音的倾向性。C的根音是1，F的根音是4，二者是纯四度关系，1倾向4，则C倾向F。可以这么说，所有和弦都倾向以其根音上方纯四度为根音的那个和弦。那么规律性就马上出来了：A--D，E7--A，A7--D等等。2、三度倾向性同四度倾向性类似，三度也存在倾向性，但这种倾向性比四度倾向性要弱很多。如C--Em，Dm--F等等。正是和弦间的这种倾向性，以及倾向性的强弱的不同使的歌曲的和弦编配有了起伏的变化，使的曲子的和弦行进体现出运动性，不致于单调。需要说明的是倾向性并不是绝对的，在具体编配中往往有打破规律的做法，这要视具体情况而定。3、和弦基本体系相互之间有倾向性的和弦构成了一个和弦体系。比如C大调的和弦体系是以C和弦、G和弦、F和弦为主要骨架的，这三个和弦就可以完成对C大调调歌曲的主要支撑，其中C为主和弦，G为属和弦，F为下属和弦;同样，Am和弦、Em和弦和Dm三个弦构成了A小调的和弦骨架。对于一首歌曲而言，仅用这三个和弦就完全可承担全部的和弦编配任务!当初Gman初学吉他弹唱时，经常是这样三个和弦一配到底，效果还不错呢。当然，要将歌曲编配得更为丰富，还需要其它和弦的配合，但掌握了这三个和弦的运用，和弦配置的基本功就会了，简单吧?四、和弦配置的基本方法1、确定调式调性，把握歌曲基本情绪拿到一首歌曲，首先从头到尾看一遍，把它唱会(不要告诉我你不识谱!)。当然，如果你已经会唱这首歌曲了，那可就省事多了。看看歌曲是什么调，是不是在你的音域范围之内，如果不是，将它调整到适合你自己的调，从而确定歌曲的调性，即是C调呢还是G调呢或者其它什么调，这是最基本的工作;然后，看看歌曲是大调式的还是小调式的，全曲的情绪是温柔委婉的，还是高亢激烈的。这样，你对全曲就有了一个大概的印象。2、配好曲子和乐句的开始和中止处接着来看歌曲的开始和终止。开始和终止处一般应配上主和弦，因为主和弦最稳定，可以起到明确的开始、结束作用。比如C大调应配C和弦，A小调应配Am和弦。然后来看每个乐句的起始和终止处。一个乐句可以是完整的一句歌词，也可以是情绪的一个小段，我们完全可以将其看成是一段微型面完整的歌曲，因此在它的开始和结束处要有较为明确的表示，但因其只是整首歌曲的一部分，这种表示应比整首歌曲的起、止处稍弱，所以可以配一些半终止式的和弦，即前面讲过的副和弦，当然配主和弦也是可以的。这样，歌曲的基本骨架就搭好了。3、确定每小节主要音，配上相应和弦下面从歌曲的第一小节开始，看看该小节里面哪几个音最多，哪几个音的时值最长，找出含有这几音最多的和弦作为该小节的和弦。比如对歌曲《九百九十九朵玫瑰》第一小节：该小节1和6就占了音数的一半，且加起来的时值最长，那么1和6是主要音，如果是C调的话，则可以配上Am和弦：，即A小调的主和弦。要说明的一点是，确定和弦时，时值的长度要优先于音数的多少，这个道理是显面易见的。比如这样一个小节：|1--75|，7和5占了两个音，是否该配G和弦：呢?不是的，因为从时值上看仍然是1占得时间长，所以应配以含1的和弦，如C和弦：1、3、5等。按照这个基本原则可以初步为所有小节确定和弦。4、用和弦的倾向性优化和弦进行通过上面两步，歌曲和弦的大致面貌已经出来了。但还不够，我们还要用和弦的倾向性来优化和弦的进行。首先，可以在全曲和乐句的终止的前使用属七和弦，以达到更加明确的终止效果。在歌曲的其它部位的主和弦前也可以用上属和弦和属七和弦。以C大调为例，在C前用上G或G7，可以达到完美的终止效果。以上几步工作，其实就是将前面讲过的和弦基本体系运用到歌曲中去，使之能充分撑起整个歌曲的骨架，并且将各小节的血肉充实起来，完成整首歌曲的编配。5、用副属和弦和离调和弦做修饰以上几步的基础上我们还可以根据歌曲的具体情况，进一步用副属和弦和离调和弦进一步美化和声。比如在A弦前可以尝试使用E或E7和弦，很可能会有非常美妙的音响效果。但并不是所有歌曲都可以用副属和弦和离调和弦来修饰的，搞不好的话会有画蛇添足之嫌，要慎用。吉他的基础知识基本的乐理对于刚开始接触吉他的初学者非常重要，如果不懂乐理就不能更好的学习吉他，所下面的内容是学习吉他不可缺少的部分。一、 乐曲的基本组成一首完整的乐曲是由一些固定的音乐单元组成，分清这些音乐单元，对于学习乐理是非常有好处的。一首完整的曲子，由很多不同时值的音符组成不同的小节，再由这些小节组成不同的乐句，由不同的乐句组成不同的段落，由段落组成完整的乐曲。关于这些不同的组成单位，我会在以后慢慢讲解。1、时值时值是音乐中非常重要的组成单位，它控制着音符发音的长短，按照一定时值演奏的音符才能奏出美妙动听的音乐。一个人在演奏一首乐曲时，即使音符弹得非常正确，如果音符的时值不正确，那么它的音乐也是非常糟糕的，所以正确联系好不同时值的音符，对于我们初学者是极其重要的。我们给予一个时值的定义：时值就是控制音符长短的单位，他的计算单位是：拍我们目前的记谱方法有三种：五线谱、六线谱、简谱等。在这三种不同的记谱方法中，它们表示时值长短的方法略有不同，但大体相似，他们都是以五线谱为基础形成的。2、运用在吉他上的记谱方法：六线谱六线谱是世界上通用的一种专为吉他设计的记谱方法，我们在学习吉他时，接触最多的也是他。六线谱的基本结构是由六根间隔相等的线组成，这六根线分别代表吉他上的六根弦，最下面的一条线，代表吉他的第六根弦，注意，是第六，不是第一，这个要反过来理解的，然后依次是又上到下看谱，倒数第二根线代表第五根弦，下面的依次类推。在六线谱上方有不同的英文字母表示不同的和弦，还有一些特殊的符号，表示一些特色音的演奏方法，这方面的内容会在学习这些技巧时候详细讲解。3、具体时值的表示方法所有风格的音乐都是由众多不同时值的音符组成,他们是全音符,二分音符,四分音符,八分音符,十六分音符,三十二分音符,六十四分音符,二分付点音符,八分付点音符,十六分付点音符,切分音符,及一些组合音符等,这些不同的音符,以后再慢慢介绍.想要学习好吉他上,各种技巧的时值表示方法,我们首先要学习各种音符及节奏在六线谱上的表示方法.(1) 六线谱上音的表示方法六线谱是一种非常通俗易懂的吉他记谱方法,六条线上的数字，分别代表这根弦上相应的品上的音。如图：最上面一条线上的0、 3、 12、18，表示吉他一弦上的空弦、第三品、第十二品、第十八品的音符，其他线上的数字依次类推。(2) 六线谱上节奏的表示方法节奏技巧不同于其他的演奏技巧，他要根据不同的节奏，来扫规定和弦中六根线的不同区域，而且扫弦的方向也要根据不同的节奏变化。在六线谱中的扫弦方法，是用不同方向、不同长度的箭头表示，图中的第一个箭头表示拨片从六弦扫到一弦。第二个箭头表示拨片，从第一弦扫到六弦。第三个箭头表示拨片，从六弦扫到四弦。第四个箭头表示拨片，从一弦扫到四弦。这样，四个不同方向，不同长度的箭头按不同的时值来演奏，可变化多端，节奏丰富。(3) 拍的概念拍是时值的计算单位，我们在学习时值的时候，最重要的是掌握平稳的拍速，拍速就是在演奏乐曲时候，每分钟弹多少的音。不同的乐曲有不同的拍速，我们要严格的按照谱中规定的拍速来演奏，才能与乐队一起来演奏音乐。如果你在演奏的时候，时快时慢，别人无法与你同步演奏，所以练习好拍速对于每一位演奏者来说，是非常重要的。我们要经过严格训练，把自己变成一个极其准确的节拍器。(4) 拍的表示方法拍是用下图的形式来表示的。一拍是由前半拍加后半拍组成的，时值中最长的基本单位是全音符，他是由四个这样的一拍组成。二分音符是由两个拍组成，四分音符是由一个拍组成，八分音符是由半拍组成，十六分音符是由四分之一拍组成，三十二分音符是由八分之一拍组成，其他更快的音符同理类推。音名，顾名思义，既为谓音的名称。我们把钢琴（键盘）上每七个一组的白键，分别用英文字母：C、D、E、F、G、A、B命名，就叫做音名，最中间的白键为C音，往右一个为D音，再往右一个为E音，依次类推，七个音重复（只限于白键）。其中，C音到D音的音程为一个全音，D到E为一个全音的音程，下面依次为：E-F为半音、B-G为半音、A-B为全音。举个例子：在C调里面，1=C，意思是C调的1的音名是C，2的音名是D，那么从C音到D音在同一个八度里面，D比C升高了多少呢，我们说，D比C音升高了一度。在音乐体系中，虽然有着一百多个音高低不同的音，但音名只有这七个基本音，又称做本位音。升音将基本音升高半音程，叫做升音（声音？汗！: ）。用在表示特定音名的字母左上角记“#”来表示。如：#C、#E。。。。。这里只能表示在前面，不能表示在左上面，汗！降音将基本音降低半音，叫做降音，用在表示特定音名的字母坐上角记“b”来表示。变化音阶：变化音阶是指包含升、降记号的音阶，它是在自然音阶的每个全音距之间加一个升、降半音。#1 = b2 , #2 = b3 这是同音，但不同名称。音符和唱名记录音乐的方式很多，如五线谱、简谱、六线谱等。例如，在简谱中，记录音的高低和长短的符号，就叫做音符，它是由7个阿拉伯数字或缀以其他符号构成的。而记录拟稿的基本符号，只是用七个阿拉伯数字来表示。这七个数字各表示一个音名，其读法就是该音名的唱名：简谱 1 2 3 4 5 6 7 1音名 C D E F G A B C唱名 Do Re Mi Fa Sol La Ti Do注意：在这个音阶中 3——4 相隔半音，7——1 也相隔半音，其余相邻两音都相差全音，这也是吉它乐理中一个极重要的公式。在吉它指板上，半音是相邻两格之间的距离。民谣歌曲编配的基础知识民谣歌曲编配的基础知识创作是很难的，说难也不是很难，关键是要学好，从基础学起，那么初学者想要学习民谣歌曲就要掌握更多的吉他知识了，下面和小编一起去了解一下吧?希望对你有帮助!民谣歌曲编配的基础知识一：怎样理解大小调编配吉它伴奏，首先要明确歌曲是大调式呢还小调式，才能确定歌曲的基本情绪，这是一个大方向;好比去一个地方，先要搞清楚大致方向，往南呢还是往北，然后才能选择具体的路线，确定坐车呢还是坐飞机。通俗地说，按唱名来讲，以1、3、5 为主干音的曲子属大调歌曲，以2、4、6为主干音的曲子属小调歌曲。(所谓主干音，是指曲子中起支撑旋律的主导作用、出现频率相对较高的一组音符)一般来讲，大调式的歌曲具有雄壮、开郎的特性，典型的如我国国歌;小调式的曲子具有委婉、优雅、哀伤的特性，典型地如《莫斯科郊外的晚上》、《橄榄树》等到曲子。 大调式的歌曲和小调式的歌曲在吉它和弦的选用上有不同的要求。民谣歌曲编配的基础知识二：和弦基本常识吉它是一种和声乐器，和弦的运用在吉它音乐中有举足重轻的地位，尤其是在民谣吉它中，和弦配置的好坏直接关系到吉它伴奏的效果。所以从某种意义上讲，民谣编配其实就是和弦的配置。因此，有必要先了解一些和弦的基本常识。一、什么是和弦照一定度数关系排列起来的一组音，称为和弦。和弦中的各音之间是一般三度关系，但也有不按三度关系的。不同的和弦具有不同的色彩属性，可以达到不同的声音效果，这使得和弦的配置成为音乐理论中十分重要的一项内容。和弦一般是三和弦，其从低到高三个音分别称为根音、三音、五音。如果是七和弦的话，就多了个七音。和弦的不同功能属性是由组成和弦的各音之音的关系决定的。二、和弦的分类及功能(一)按音程分1、三和弦：由三个音组成，各音之间是三度关系。又可分为大三和弦，其第一、三音之间是大三度，三、五音之间是小三度，如C和弦：1、3、5;小三和弦，三个音之间均为小三度，如Am：2、七和弦：由四个音组成，各音之间也是三度关系。如C7：1、3、5、7。还可细分为大七和弦、小七和弦等，不再详述。3、九和弦：在七和弦基础上再叠加一个三度音。用得不多，不再详述。(二)按功能分这种分法直接关系到歌曲编配，故加以详细说明(为便于说明，均以大家接触最多的C调为例)：1、主和弦三和弦的一种，只有过是依其功能命名。是在和弦体系中起主导作用的和弦。它是和曲子的主干音(参见：主干音)紧密相关的，确定整个曲子的基调。如以C大调为例，其主和弦即C和弦：1、3、5;而A小调的主和弦为Am和弦。2、属和弦和弦的一种，从其功能来看，对主和弦起附属作用，故名属和弦。其根音是主和弦根音的上行纯四度(四度音中只有一个半音程，这样的音程称为纯四度，因其音响效果是最和谐的，如1到4，在其1、2、3、4四度音程中，只有3、4间是半音)。如C调而言，主音是1，其上行纯四度是5,即G，则属和弦为G和弦：。属和弦有倾向主和弦的特性，这在和弦配置中十分有用，在下面的配置方法中会进一步讲解。3、属七和弦在属和弦的顶部再叠加一个小三度音即成属七和弦。如G7和弦：。属七和弦比属和弦具更加强烈的倾向主和弦的特性。4、下属和弦也是三和弦的一种。其根音是主和弦根音的下行纯四度关系。对C大调而言，下属和弦为F和弦：。5、副属和弦是指除大小三和弦和及属七和弦之外，并且由自然音阶中的音构成的和弦。如C调的F7和弦：。在不太重要的地方用副属和弦代替主和弦，会有意想不到的独特效果。6、离调和弦此种和弦中含有自然音阶的升降音。如C调的E和弦：3、#5、7，其中#5音是升降音。离调和弦可以大大丰富曲子的色彩。民谣歌曲编配的基础知识三：和弦之间的基本关系从上节对和弦的介绍中，大家可能已经看出和弦之间是有相互依存关系的，这正是和弦配置的最根本基础。下面就和大家总结一下和弦之间的关系：一、四度倾向性从和声学上讲，和弦之间是有倾向关系的，主和弦倾向于下属和弦，属和弦倾向行主和弦。仍以C调为例，C倾向于F，G倾向C，那么在和弦配置中我们可以采用C--F，G--C的联接，这种进行是很顺的，听起来很舒服。其本质原因是由于根音的倾向性。C的根音是1，F的根音是4，二者是纯四度关系，1倾向4，则C倾向F。可以这么说，所有和弦都倾向以其根音上方纯四度为根音的那个和弦。那么规律性就马上出来了：A--D，E7--A，A7--D等等。二、三度倾向性同四度倾向性类似，三度也存在倾向性，但这种倾向性比四度倾向性要弱很多。如C--Em，Dm--F等等。正是和弦间的这种倾向性，以及倾向性的强弱的不同使的歌曲的和弦编配有了起伏的变化，使的曲子的和弦行进体现出运动性，不致于单调。需要说明的是倾向性并不是绝对的，在具体编配中往往有打破规律的做法，这要视具体情况而定。三、和弦基本体系相互之间有倾向性的和弦构成了一个和弦体系。比如C大调的和弦体系是以C和弦、G和弦、F和弦为主要骨架的，这三个和弦就可以完成对C大调调歌曲的主要支撑，其中C为主和弦，G为属和弦，F为下属和弦;同样，Am和弦、Em和弦和Dm三个弦构成了A小调的和弦骨架。对于一首歌曲而言，仅用这三个和弦就完全可承担全部的和弦编配任务!当初Gman初学吉它弹唱时，经常是这样三个和弦一配到底，效果还不错呢。当然，要将歌曲编配得更为丰富，还需要其它和弦的配合，但掌握了这三个和弦的运用，和弦配置的基本功就会了，简单吧?民谣歌曲编配的基础知识四：和弦配置的基本方法一、确定调式调性，把握歌曲基本情绪拿到一首歌曲，首先从头到尾看一遍，把它唱会(不要告诉我你不识谱!)。当然，如果你已经会唱这首歌曲了，那可就省事多了。看看歌曲是什么调，是不是在你的音域范围之内，如果不是，将它调整到适合你自己的调，从而确定歌曲的调性，即是C调呢还是G调呢或者其它什么调，这是最基本的工作;然后，看看歌曲是大调式的还是小调式的，全曲的情绪是温柔委婉的，还是高亢激烈的。这样，你对全曲就有了一个大概的印象。二、配好曲子和乐句的开始和中止处接着来看歌曲的开始和终止。开始和终止处一般应配上主和弦，因为主和弦最稳定，可以起到明确的开始、结束作用。比如C大调应配C和弦，A小调应配Am和弦。然后来看每个乐句的起始和终止处。一个乐句可以是完整的一句歌词，也可以是情绪的一个小段，我们完全可以将其看成是一段微型面完整的歌曲，因此在它的开始和结束处要有较为明确的表示，但因其只是整首歌曲的一部分，这种表示应比整首歌曲的起、止处稍弱，所以可以配一些半终止式的和弦，即前面讲过的副和弦，当然配主和弦也是可以的。这样，歌曲的基本骨架就搭好了。三、确定每小节主要音，配上相应和弦下面从歌曲的第一小节开始，看看该小节里面哪几个音最多，哪几个音的时值最长，找出含有这几音最多的和弦作为该小节的和弦。比如对歌曲《九百九十九朵玫瑰》第一小节：该小节1和6就占了音数的一半，且加起来的时值最长，那么1和6是主要音，如果是C调的话，则可以配上Am和弦：，即A小调的主和弦。要说明的一点是，确定和弦时，时值的长度要优先于音数的多少，这个道理是显面易见的。比如这样一个小节：|1--75|，7和5占了两个音，是否该配G和弦：呢?不是的，因为从时值上看仍然是1占得时间长，所以应配以含1的和弦，如C和弦：1、3、5等。按照这个基本原则可以初步为所有小节确定和弦。四、用和弦的倾向性优化和弦进行通过上面两步，歌曲和弦的大致面貌已经出来了。但还不够，我们还要用和弦的倾向性来优化和弦的进行。首先，可以在全曲和乐句的终止的前使用属七和弦，以达到更加明确的终止效果。在歌曲的其它部位的主和弦前也可以用上属和弦和属七和弦。以C大调为例，在C前用上G或G7，可以达到完美的终止效果。以上几步工作，其实就是将前面讲过的和弦基本体系运用到歌曲中去，使之能充分撑起整个歌曲的骨架，并且将各小节的血肉充实起来，完成整首歌曲的编配。看了民谣歌曲编配的基础知识的人还看：1.民谣吉他教程2.c调民谣歌曲大全3.比较好听的民谣歌曲曲谱4.2017哪些民谣歌曲好听的歌曲5.c大调好听的民谣歌曲6.2017好听的民谣歌曲排行榜0基础自学吉他基础知识很多人问，0基础自学吉他可以吗?怎么学?要学吉他的话，基本的乐理对于刚开始接触吉他的初学者非常重要，如果不懂乐理就不能更好的学习吉他，所以下面是小编为大家整理的0基础自学吉他基础知识，希望大家喜欢。0基础自学吉他基础知识一、 乐曲的基本组成一首完整的乐曲是由一些固定的音乐单元组成，分清这些音乐单元，对于学习乐理是非常有好处的。一首完整的曲子，由很多不同时值的音符组成不同的小节，再由这些小节组成不同的乐句，由不同的乐句组成不同的段落，由段落组成完整的乐曲。1、时值时值是音乐中非常重要的组成单位，它控制着音符发音的长短，按照一定时值演奏的音符才能奏出美妙动听的音乐。一个人在演奏一首乐曲时，即使音符弹得非常正确，如果音符的时值不正确，那么它的音乐也是非常糟糕的，所以正确联系好不同时值的音符，对于我们初学者是极其重要的。我们给予一个时值的定义：时值就是控制音符长短的单位，他的计算单位是：拍我们目前的记谱方法有三种：五线谱、六线谱、简谱等。在这三种不同的记谱方法中，它们表示时值长短的方法略有不同，但大体相似，他们都是以五线谱为基础形成的。2、运用在吉他上的记谱方法：六线谱六线谱是世界上通用的一种专为吉他设计的记谱方法，我们在学习吉他时，接触最多的也是他。六线谱的基本结构是由六根间隔相等的线组成，这六根线分别代表吉他上的六根弦，最下面的一条线，代表吉他的第六根弦，注意，是第六，不是第一，这个要反过来理解的，然后依次是又上到下看谱，倒数第二根线代表第五根弦，下面的依次类推。六线谱:六线谱是把吉他的六根弦对应地划出六条平行的横线来表示两手演奏的位置和动作(即指法)，而不是记录的音的高低，但它与简谱或五线谱结合对照起来使用时非常方便，既能表示音高，又能表示指法。六线谱对吉他常用的演奏方式(独奏、分解伴奏和漫弹节奏)分别用如下方式记录：独奏(旋律)记谱：在六条线上写上阿拉伯数字。六线谱中的数字表示吉他的品格，写在线上的数字表示左手按第几品，数字所在的线即右手应弹的弦。分解和弦伴奏记谱：在六线上画X，此时六线谱上方往往有关于左手按和弦的指法图或标记表示。那么你就用左手按好和弦，X表示用右手指弹响其所在的弦。x表示右手拨弦的顺序，即分解节奏，第一小节中第一拍可记做6 3 2 第二拍记作6 1 2 3，第三四拍重复一二拍。这是一个两拍的节奏，即6 3 2 6 1 2 3.在这个分解节奏中出现了三音和四音，x打在同一竖行则表示同时弹响相应的弦。扫弦节奏记谱：在六条线上画、等符号，此时六线谱上方也往往有关于左手指法的提示。第一小节第一个箭头表示向下扫5 4弦，第五个表示向上扫1 2 3弦，也就是说，箭头的方向决定了扫弦的方向，而箭头所压过的弦即表示所要扫的弦。有时候，上述几种记谱法会在同一首六线谱中出现3.具体时值的表示方法所有风格的音乐都是由众多不同时值的音符组成,他们是全音符,二分音符,四分音符,八分音符,十六分音符,三十二分音符,六十四分音符,八分付点音符,十六分付点音符,切分音符,及一些组合音符等,这些不同的音符,以后再慢慢介绍.想要学习好吉他上,各种技巧的时值表示方法,我们首先要学习各种音符及节奏在六线谱上的表示方法.(1) 六线谱上音的表示方法六线谱是一种非常通俗易懂的吉他记谱方法,六条线上的数字，分别代表这根弦上相应的品上的音。如图：最上面一条线上的0、 3、 12、18，表示吉他一弦上的空弦、第三品、第十二品、第十八品的音符，其他线上的数字依次类推。(2) 六线谱上节奏的表示方法节奏技巧不同于其他的演奏技巧，他要根据不同的节奏，来扫规定和弦中六根线的不同区域，而且扫弦的方向也要根据不同的节奏变化。在六线谱中的扫弦方法，是用不同方向、不同长度的箭头表示，不同方向，不同长度的箭头按不同的时值来演奏，可变化多端，节奏丰富。(3) 拍的概念拍是时值的计算单位，我们在学习时值的时候，最重要的是掌握平稳的拍速，拍速就是在演奏乐曲时候，每分钟弹多少的音。不同的乐曲有不同的拍速，我们要严格的按照谱中规定的拍速来演奏，才能与乐队一起来演奏音乐。如果你在演奏的时候，时快时慢，别人无法与你同步演奏，所以练习好拍速对于每一位演奏者来说，是非常重要的。我们要经过严格训练，把自己变成一个极其准确的节拍器。(4) 拍的表示方法一拍是由前半拍加后半拍组成的，时值中最长的基本单位是全音符，他是由四个这样的一拍组成。二分音符是由两个拍组成，四分音符是由一个拍组成，八分音符是由半拍组成，十六分音符是由四分之一拍组成，三十二分音符是由八分之一拍组成，其他更快的音符同理类推。二、音名和唱名音名，顾名思义，既为谓音的名称。我们把钢琴(键盘)上每七个一组的白键，分别用英文字母：C、D、E、F、G、A、B命名，就叫做音名，最中间的白键为C音，往右一个为D音，再往右一个为E音，依次类推，七个音重复(只限于白键)。其中，C音到D音的音程为一个全音，D到E为一个全音的音程，下面依次为：E-F为半音、B-G为半音、A-B为全音。举个例子：在C调里面，1=C，意思是C调的1的音名是C，2的音名是D，那么从C音到D音在同一个八度里面，D比C升高了多少呢，我们说，D比C音升高了一度。在音乐体系中，虽然有着一百多个音高低不同的音，但音名只有这七个基本音，又称做本位音。升音将基本音升高半音程，叫做升音(声音?汗!: )。用在表示特定音名的字母左上角记#来表示。如：#C、#E。。。。。这里只能表示在前面，不能表示在左上面，汗!降音将基本音降低半音，叫做降音，用在表示特定音名的字母坐上角记b来表示。变化音阶：变化音阶是指包含升、降记号的音阶，它是在自然音阶的每个全音距之间加一个升、降半音。#1 = b2 , #2 = b3 这是同音，但不同名称。音符和唱名记录音乐的方式很多，如五线谱、简谱、六线谱等。例如，在简谱中，记录音的高低和长短的符号，就叫做音符，它是由7个阿拉伯数字或缀以其他符号构成的。而记录拟稿的基本符号，只是用七个阿拉伯数字来表示。这七个数字各表示一个音名，其读法就是该音名的唱名：简谱 1 2 3 4 5 6 7 1音名 C D E F G A B C唱名 Do Re Mi Fa Sol La Ti Do注意：在这个音阶中 34 相隔半音，71 也相隔半音，其余相邻两音都相差全音，这也是吉它乐理中一个极重要的公式。在吉它指板上，半音是相邻两格之间的距离。三、大调与关系小调调式：按照一定关系连接在一起的许多音(一般不超过7个)，组成一个体系，并以一个音为主音，这个体系就叫做调式。比如：C大调，就是以C音为主音，按照大调的排列规则组成的一个调式，它的排列规则就是： 1 2 3 4 5 6 7 1C D E F G A B C全音 全音 半音 全音 全音 全音 半音那么C Lydian调式，就是以C音为主音，按照Lydian调式排列规则组成的一个调式，1 2 3 #4 5 6 7 1C D E #F G A B C全音 全音 全音 半音 全音 全音 半音其实说白了，就是同样以C音为主音，但是按照不同(各自规定的规则排列)的全音、半音的排列方式，这样我们就得到了两个不同的调式，一个C大调，一个是C Lydian调式。这就是同主音关系调。每个大调都与其上行六度(或者下行三度)的小调互为关系调，它们所使用的音阶相同。关系大调----关系小调C=======AmD=======BmE=======#CmF=======DmG=======EmA=======#FmbB======Gm四、和弦知识概述这里指的和弦通常指同时响出三个或三个以上不同高度的音，音名的排列有C、D、E、F、G、A 和 B七个音其中任何一个音都可以作主音(即根音)加上其上三度音和上五度音，便构成最基本的三和弦，分述如下：C ：1 3 5D ：2 4 6E ：3 5 7F ：4 6 1G ：5 7 2A ：6 1 3B ：7 2 4以上七和弦均由相隔三度的三个音组成，所以称为三度和弦，这七个三和弦便是一切和弦的根基。三和弦上述七个基础的三和弦，从音程上来说，可分出三种不同性质的三和弦1、大三和弦主音至三度音共有四个半音;主音至五度音共有七个半音。上面七个三和弦中的 C、F、G 便是。2、小三和弦主音至三度音共有三个半音;主音至五度音共有七个半音。上面七个三和弦中的 D、E、A 便是。为了区别，写成 Dm、Em、Am 。3、减三和弦主音至三度音共有四个半音;主音至三度音共有七个半音。上面七个三和弦中的 B 便是。写成 B- 。七和弦由于上面的七个三和弦不够用，因此，在各三和弦的上方，加上一个三度音，便够成下列七个七和弦：C7 ：1 3 5 7Dm7 ：2 4 6 1Em7 ：3 5 7 2F7 ：4 6 1 3G7 ：5 7 2 4Am7 ：6 1 3 5B-7 ：7 2 4 6七个七和弦中，在音名排列第五个音 G、即属音作主音所成的七和弦，是上述七和弦中最常用的一个，既属七和弦 G7 。因 G7 的四个组成音：5 7 2 4 已包含了 G 和弦的 5 7 2。因此，在和声手法上，大调歌曲用 C、F、G7 这三个和弦，便可以伴奏一般简单的大调歌曲。这里值得一提的就是，要弹出准确的音，或者说，要学习吉他，第一步要学会调弦，吉他音不准的话，怎么学也有问题。吉他调音的问题吉他调音弹吉他的朋友每天必做的事情之一，有关调弦的方法，大致可以有以下几种：(1) 使用音笛或电子校音器，直接对六根琴弦的空弦音进行校准，这种方法理论上是应该没有误差的，但是对于音笛来说，通常其制造误差较大;(2) 对于经验丰富的演奏者，可以直接通过耳朵的听觉将6根琴弦调准，不但要保证各弦之间的音程关系正确，同时还要保证音高与标准音高基本相同，这对于一般爱好者来说，由于没有专门的训练，难度较大;(3) 通过音叉、钢琴、口琴等具有固定音高的乐器，将吉他上某一个音先定好，然后根据音程关系对各弦进行校准。可以说第三种方法是最常用的，也是肯定会用到的，因为第一种方法对于需要特殊调弦的乐曲就显得不适用了，需要我们手动进行调弦。那么，就第三种方法来说，又有实音调弦和泛音调弦两种方法。实音调弦就是直接利用琴弦之间的音程关系进行调弦，因为同一个音我们可以在不同的琴弦上找到，那么只要通过调整使得这两个音的音高相同，那么就实现了琴弦的校准，为了方便起见，我们通常使用高音琴弦的空弦音与低音琴弦的某把位的音进行校准。下面给出了对应关系：6弦5品 = 5弦空弦5弦5品 = 4弦空弦4弦5品 = 3弦空弦3弦4品 = 2弦空弦2弦5品 = 1弦空弦通常，这在学习吉他的初期就会学到。另外，我们还经常会用到的是泛音调弦法。其主要是利用相临琴弦上不同把位相同音高的泛音来实现调弦。下面给出了如下对应关系：6弦5品 = 5弦7品5弦5品 = 4弦7品4弦5品 = 3弦7品2弦5品 = 1弦7品5弦7品 = 1弦空弦6弦5品 = 1弦空弦由于2弦与3弦之间的大三度关系，因此不能够再用3弦的5品与2弦的7品相校音，而需要通过其他弦的校音来过度。对于通常遇到的特殊调弦情况，如果是6弦需要调整为D，那么可以使用6弦的7品实音与5弦的空弦进行校音，或是使用6弦的12品泛音与4弦空弦校音。5弦调整为G的情况则使用5弦的7品实音与4弦的空弦进行校音，或是使用5弦的12品泛音与3弦空弦校音。那么，下面我们要讨论的问题是，对于实音和泛音调弦，到底哪一种调弦的方法最为准确?通常我们见到的情况是，初学吉他的朋友一般是使用实音调弦，而有一定基础的朋友则是使用泛音调弦法，而且演奏家在进行调弦时也是采用泛音调弦的方式，那么应该来说，泛音调弦是使用得比较广泛的，而其得到的音高也是准确的。。简谱:所谓简谱，是指一种简易的记谱法。有字母简谱和数字简谱两种。一般所称的科谱，系指数字简谱。数字简谱以可动唱名法为基础，用1、2、3、4、5、6、7代表音阶中的7个基本音级，读音为do、re、mi、fa、sol、la、si，休止以O表示。电吉他基础知识教学本教程的目标是教授为歌曲配和弦，分析流行音乐中和弦的使用及规律，那么学习电吉他基础知识有很多种的教学方法，下面和小编一起来看看电吉他基础知识教学方法都有哪些，希望对你有帮助!电吉他基础知识教学(一)本教程的目标是教授为歌曲配和弦，分析流行音乐中和弦的使用及规律。作曲是无法教授的，但配和弦是可以教授的，而且它会对你的作曲有很大帮助。事实上，真正的作曲应当是和弦与旋律一起写出的。(REMEMBER)任何一首歌曲如果采用不同的和弦，即使旋律一样，听起来感受绝不一样。本教程主要针对流行音乐，(其实流行乐中的许多手法完全是古典的)采用字母标记和弦手法，比较直观。学过电子琴或吉他的朋友门可能会感到比较亲切。接下来我们就要进入正题了，如果您对音乐实在不太了解，可能会感到有一个真空带，后面的课程是面向有一定基础的朋友的。有的东西是一言难尽的，只有靠各位努力了。第一章 和弦新论传统和声学把所有的和弦都归为三度关系来解释，并且力求和声进行的完美和规范。但是现代流行音乐特别是爵士音乐的和声已经高度复杂化和自由化，三度叠置虽然仍是和弦构成的基本原则，但已不是重要的解释手段。这年头可以这样说：把几个音合在一起发音就构成和弦。和声的进行是否规范属于次要问题，平行五，八度的错误基本上不予考虑。唯一的准则是：听起来是否舒服，到位。爵士音乐中复杂的加音和弦几乎使你分不清和弦的功能性，布鲁斯和弦同名大小调搅和在一起，莫名其妙的模进进行很难用经典的和声理论来解释。我们现在就进入现代和弦的奇妙世界。第二章 和弦标记本教程采用字母和弦标记法来表示和弦。这是流行音乐中通用的标记法，把它和级数标记法结合使用会感到很方便，能使你很透彻地领悟到不同调的和弦的相互微妙的关系，好象你的脑子里就有一张和弦表。下面我们就来熟悉这个标记法。1。大三和弦：根音与三音是大三度，三音与五音是小三度，用根音的大写英文字母音名来表示，如DO，MI，SOL和弦用C表示，FA，LA，DO和弦用F表示，降MI，SOL，降SI就用Eb表示，升FA，升LA，升DOL用F#表示。2。小三和弦：根音与三音是小三度，三音与五音是大三度，用根音的大写英文字母音名加上小写m表示，如RE，FA，LA和弦用Dm表示，MI，SOL，SI和弦用Em表示，降MI，降SOL，降SI用Ebm表示。3。增三和弦：根音与三音，三音与五音都是大三度，用根音的大写英文字母音名加上aug或加一个+。如DO，MI，升SOL和弦表示为Caug或C+，FA，LA，升DO和弦表示为Faug或F+。4。减三和弦：根音与三音，三音与五音都是小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim或一个-。如RE，FA，降LA，表示为Ddim或D-，升DO，MI，SOL表示为#Cdim或#C-。5。大小七和弦：在大三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上7即可，如SOL，SI，RE，FA和弦用G7表示，LA，S升DOL，MI，SOL用A7表示。6。大大七和弦：在大三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上Maj7表示，如DO，MI，SOL，SI和弦表示为Cmaj7,降SI，RE，FA，LA和弦表示为Bbmaj7.7。小小七和弦：在小三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上m7表示。如LA，DO，MI，SOL和弦表示为Am7,RE，FA，LA，DO和弦表示为Dm7.8。小大七和弦：在小三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上mM7表示，如DO，降MI，SOL，SI和弦表示为CmM7,LA，DO，MI，升SOL表示为AmM7.9。减七和弦：在减三和弦的基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim7表示，如SI，RE，FA，降LA和弦表示为Bdim7,LA，DO，降MI，降SOL表示为Adim7.10。半减七和弦：在减三和弦的基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上m7-5表示，如SI，RE，FA，LA和弦表示为Bm7-5,升FA，LA，DO，ME和弦表示为#Fm7-5.11。加音和弦：它是指在一个以三度关系为基础的和弦上加上其它音，如加入六度音，九度音，四度音等，标记法为将这个加音的度数写于原和弦的右边，如DO，MI，SOL，LA和弦可标为C6，(LA是基于C和弦的加音)，FA，LA，DO，SOL和弦可标为F9。但要注意的是，加四音和弦的写法有规定，要写sus4，并且要省去原和弦的三音，否则三音和四度音一起响会很尖锐。如DO，FA，SOL和弦标记为Csus4.(C和弦省三音加四度音)。加音以6，9，4度为多数。另外，有更复杂的理论把加音与多音和弦分开来，如FA，LA，DO，SOL和弦应标为Fadd9,而标为F9会被认为是FA，LA，DO，MI，SOL和弦。不过这只是理论而已，一般情况下用简单的加音标记法就可以让别人明白你的意思。12。指定和弦根音：就是在演奏该和弦是，不弹它本身的根音而根据标记弹奏。如C/G，表示演奏该和弦时把G音置于最低音。Dm/G表示演奏Dm时把G音置于最低音。也可以用On*表示同样意思，如F9OnD,实际演奏的是RE，FA，LA，DO，SOL。很明显，这种标记法可以用来表示和弦的转位。电吉他基础知识教学(二)流行音乐中一般只讲大调的和弦而很少把小调单独作为一种调式重新定义和弦，因为流行音乐中关系大小调和弦共用的现象十分普遍，如果用经典和声学解释会颠来倒去搞不清。下面我们用C大调来举例。基本和弦共7个:C,Dm,Em,F,G,Am,Bdim.分别是1，2，3，4，5，6，7级和弦。1，4，5称正三和弦，2，3，6称副三和弦。7级和弦在流行音乐中极为少用。1级和弦也称...... 第三章 各级和弦的功能流行音乐中一般只讲大调的和弦而很少把小调单独作为一种调式重新定义和弦，因为流行音乐中关系大小调和弦共用的现象十分普遍，如果用经典和声学解释会颠来倒去搞不清。下面我们用C大调来举例。基本和弦共7个:C,Dm,Em,F,G,Am,Bdim.分别是1，2，3，4，5，6，7级和弦。1，4，5称正三和弦，2，3，6称副三和弦。7级和弦在流行音乐中极为少用。1级和弦也称主和弦，4级和弦也下属和弦，5级和弦也称属和弦。接下来是每个和弦的属性，很重要哦!C，即1级和弦，是用来明确调性的。一般大调的歌曲都以它开始，也以它结束。不过在曲子的中间可以尽量少用主和弦，否则老是给人以终止感，乐曲的进行也会很硬。Dm,即2级和弦，是一个很柔和的和弦，它的最重要用途就是放在属和弦即5级和弦之前。而5级和弦则自然要回到1级和弦，所以很容易就形成了2-5-1的进行。这是一个极其常用的进行。Em,即3级和弦，也是一个十分柔和的和弦。音乐的进行中有了她马上就会变得柔美而略带忧伤。1-3-4的进行，也即在C大调中的C-Em-F是一个很常用的进行。乐曲中本来用1级和弦的地方有时可以考虑换成3级和弦，音乐立即就不强硬了。港台音乐中这种手法很常用。F,即4级和弦，大调中的又一正三和弦，属于骨干和弦之一。它十分明亮，让人感觉心胸开阔，有一种一下子飞起来的感觉。我们听到的美国乡村乐和描写西部大草原和大峡谷的歌曲都使用4级和弦来表现。1级和弦后面跟4级与跟3级和弦是绝对不同的。G,即5级和弦，大调中的第三个正三和弦，任何一首歌曲都不可缺少。它起着对主和弦支撑的作用。乐曲的终止感就是由5-1这样的进行产生的。当然现代流行音乐特别是欧美音乐中不使用5-1终止的歌曲也很多，这正是流行音乐的特色，但5级和弦作为音乐的骨架和弦仍然不可动摇。Am,即6级和弦，一个中性的和弦，如果把它作为主和弦那就是小调了。歌曲肯定会变得忧郁，悲伤。如果6级和弦出现在大调中的某些部分，那它起到的就是连接不同和弦的作用。6级和弦象一座桥，它前面可以接几乎所有的和弦，后面也是如此。它可以是和弦的进行连贯，不呆板。1-6-4-5是极为常用的进行，事实上就用这四个和弦就可以写歌了。Bdim,即7级和弦，在流行音乐中很少用。因为它是减三和弦，有一种向里收缩的紧张感，一般只在某些特定进行中使用，或是为了根音的流动而使用。在了解了上述和弦的属性之后，大家就可以尝试为歌曲配和弦了。不过这是一个长期探索和实践的过程，能否配出基本正确的和弦不是寥寥文字可以教会的，也不是本教程的目标，我们的目标是配置出更好更优美的和弦，我们不该停留在对与不对的层次上。就我个人经验而说，如果你能做到以下几点，那你就向编曲大师跨出了关键一步：1，能在一遍内听出歌曲的基本调内和弦(即1，2，3，4，5，6，7级和弦)2，对歌曲常用的离调和弦比较敏感，一般也应当在1到2遍内分辨出其离调和弦。3，看乐谱上的和弦可以想象出其音响效果，如果别人演奏错误，能马上察觉。4，看一条单旋律，不用任何乐器，在心里能为它配和弦。我们现在的流行音乐体系是纯西方的，旋律与和声地位同等重要。如果对和声不进行系统的研究，是难以制作出优秀的现代音乐作品的。电吉他基础知识教学(三)接下来我们要为歌曲配置更优美的和弦，使音乐更流畅。这就要用到各种变化和弦。关于变化和弦在经典和声学里有复杂的一套理论，这些理论是有实际意义的，但是对于那些没有系统学习过和声学的人来说，如果一开始就被灌输有关离调的系列理论，恐怕没有多少人可以正确理解。所以在本教程中，我采用了一种比较直观的说法，关于离调和弦等内容的正确涵义会在以后写明。注：所有和弦转位都沿用传......第四章 各级变化和弦接下来我们要为歌曲配置更优美的和弦，使音乐更流畅。这就要用到各种变化和弦。关于变化和弦在经典和声学里有复杂的一套理论，这些理论是有实际意义的，但是对于那些没有系统学习过和声学的人来说，如果一开始就被灌输有关离调的系列理论，恐怕没有多少人可以正确理解。所以在本教程中，我采用了一种比较直观的说法，关于离调和弦等内容的正确涵义会在以后写明。注：所有和弦转位都沿用传统名称，第一转位称六和弦，第二转位称四六和弦。1，主四六和弦(K46和弦)这是一个在古典音乐中很常用的和弦，但它在流行音乐中仍然有很重要的作用。它的形式是主和弦的第二转位，以C大调举例就是C/G和弦，即5-1-3和弦。这种和弦的特点是，虽然算是主和弦，但因为它以SOL为根音，所以一点也不稳定，有着极强的向属和弦去的倾向。试验一下，如果一首大调歌曲结束时贝司手不弹DO音而弹SOL音，你肯定会感觉很奇怪，你会觉得这首歌曲根本就没有结束。这充分体现了主四六和弦的不稳定性。因此在编曲时我们可以充分利用这一点，如果有一首歌曲的结尾是C-G7-C(这可是很常用的结尾哦)我们就可以改为C/G-G7-C。由于C/G(主四六和弦)倾向与属和弦G7，而属和弦G7又倾向于主和弦，这样从C/G开始一系列的和弦都顺着它的倾向性行进，音乐就变得流畅了。在古典音乐中，C/G-G7-C的进行是最经典的终止式。2，二级六和弦二级六和弦是二级和弦的第一转位，在C大调中是Dm/F。它的构成音是FA，LA，RE。大家会发现它与F和弦(四级和弦)只差一个音，前者是FA，LA，RE，后者是FA，LA，DO。所以，二级六和弦实际上可以看成是四级和弦的一个替代品，也就是说某些地方本来用的是四级和弦，现在就可以用二级六和弦代替，C大调中就是用Dm/F代替F和弦。二级六和弦保持了二级和弦柔和的特性，不象四级和弦那么硬，也没有强烈的飞起来的感觉，所以如果你想要使1-4级的进行不要那么强硬，但又要保证有1-4级进行的和声效果，你就可以用二级六和弦代替四级和弦。如果大家听过电影《红河谷》的主题曲，它的第二个和弦就是二级六和弦，而这个地方的和弦功能和听上去的感觉实际上是四级的，这就对了!这就是二级六和弦要达到的效果。3，大二级和弦这实际上是一个离调和弦，不过在这里我不从这个角度去说明问题。大二级和弦就是升高三音的二级和弦，在C大调里是2，#4，6和弦。它的特点就是强烈倾向于属和弦(五级和弦)，也就是在C大调里构成D-G的进行。在前面介绍二级和弦时我曾提到二级和弦最重要的用途是置于5级和弦前面，所以我们可以这样认为大二级和弦是增强了小二级和弦向属和弦的倾向性。在C大调中就是用D-G7代替Dm-G7。在歌曲的适当位置使用这种代替手段效果是十分好的。但是要注意，歌曲的旋律音如果是FA(首调)则不能这样代替，因为这会构成与和弦#4的小二度冲突，十分尖锐刺耳。邓丽君的许多歌曲及那个年代的许多歌曲(如《今宵多珍重》)都会在属和弦前使用大二级和弦，大家可以去仔细地分辨一下。另外，和所有的离调和弦一样，大二级和弦也可以扩展成七和弦，C大调里是D7和弦，2，#4，6，1。它的和弦性质和D和弦是一样的，只不过音响更丰富些。4，大三级和弦这也是一个离调和弦。在C大调里是E和弦，3-#5-7。是由三级和弦Em升高三音形成。它倾向于六级和弦Am.也就是在C大调里构成E-Am的进行。它实际上也是Em到Am进行的强化。和前面一样，我们可以用E-Am代替Em到Am，但仍要注意，如果旋律音是SOL，就不能这样代替，因为SOL会与和弦里的#5冲突。有一首老歌叫《我家在那里》就使用了大三级和弦。有首圣诞歌曲就连续使用了大二级和弦和大三级和弦。另外，和所有的离调和弦一样，大三级和弦也可以扩展成七和弦，C大调里是E7和弦，3-#5-7-2。它的和弦性质和E和弦是一样的。5，大六级和弦这也是一个离调和弦。而且这是一个很常用的和弦，它的离调感十分远，所以能制造出很动听的效果。在C大调中是A或A7和弦(和其他离调和弦一样，它可以扩展成七和弦)它强烈倾向于二级Dm和弦，这样就在C大调中形成A(A7)-Dm的进行。这可是一个非常漂亮的进行，它不仅可以代替Am到Dm的进行，还可以代替其他和弦到Dm的进行。只要你的旋律中带有6，#1，3，5中的任何一个或多个音，你就可以使用这个进行。它是用来强调和声在音乐中作用的最好例子。看一下： 3 - 4 | 2 - - | 这个例子，如果你想在第二小节配置Dm和弦，那么前一小节用什么好呢?Am可以，Em也可以，但它们都不是最好的，试过用A(A7)吗?那将会是一种新鲜的感觉。这种和弦手法在流行音乐中被广泛应用，邓丽君的歌曲《爱的箴言》就使用了该和弦，著名的圣诞歌曲全曲多次使用该和弦。这个和弦十分有色彩，恰当的使用肯定可以使你配置的歌曲和弦及伴奏比原来丰富得多。当然仍旧要注意，不要在旋律音为DO时使用该和弦，因为它会与和弦的#1音冲突。6，一级七和弦这也是一个离调和弦。一级七和弦在C大调里就是C7和弦，1-3-5-b7,看清楚了，这是一个大小七和弦，是降SI而不是还原SI，在其他调里可不要搞错了。它的用处就是置于四级和弦前面，一级七和弦有强烈的倾向于四级和弦的特性，又由于它本身属于主和弦系列，所以如果我们使用了一级到四级的和弦进行，就可以在这两个和弦当中[已过滤词语]一个一级七和弦，形成C-C7-F的自然进行。有一首英文老歌就使用了该和弦。7，小四级和弦大调中，四级和弦应当是大三和弦，但有时侯我们也会使用它的降三音形式，就形成了小四级。它的最有效作用是置于四级和主和弦之间，也就是在C大调形成F-Fm-C的进行，小四级当然是一个小三和弦，它的加入会使音乐突然变得忧伤，所以它不但可以置于四级和主和弦之间，而且可以直接加在乐曲中的某个部分。著名的(雪绒花)在最后结尾时，就使用了小四级和弦。很多港台流行歌曲也使用小四级来表现忧伤与失落。8，五级增三和弦这个和弦不算很常用。它升高原来五级和弦的五音，变成增三和弦。在C大调中是Gaug(G+)，这个和弦的用处是当一个乐句结束在属和弦上时，可以用五级增三和弦来代替五级和弦，增加意尤未尽的气氛，然后音乐稍作停留便又从主和弦开始，这种手段在爵士音乐中有着较多的应用。电吉他教程基础知识学习电吉他有很多的基础知识需要掌握，那么这些基础知识你们知道多少呢?下面和小编一起去了解一下吧，希望对你有帮助!电吉他教程和弦新论传统和声学把所有的和弦都归为三度关系来解释，并且力求和声进行的完美和规范。但是现代流行音乐特别是爵士音乐的和声已经高度复杂化和自由化，三度叠置虽然仍是和弦构成的基本原则，但已不是重要的解释手段。这年头可以这样说：把几个音合在一起发音就构成和弦。和声的进行是否规范属于次要问题，平行五，八度的错误基本上不予考虑。唯一的准则是：听起来是否舒服，到位。爵士音乐中复杂的加音和弦几乎使你分不清和弦的功能性，布鲁斯和弦同名大小调搅和在一起，莫名其妙的模进进行很难用经典的和声理论来解释。我们现在就进入现代和弦的奇妙世界。电吉他教程和弦标记本教程采用字母和弦标记法来表示和弦。这是流行音乐中通用的标记法，把它和级数标记法结合使用会感到很方便，能使你很透彻地领悟到不同调的和弦的相互微妙的关系，好象你的脑子里就有一张和弦表。下面我们就来熟悉这个标记法。1。大三和弦：根音与三音是大三度，三音与五音是小三度，用根音的大写英文字母音名来表示，如DO，MI，SOL和弦用C表示，FA，LA，DO和弦用F表示，降MI，SOL，降SI就用Eb表示，升FA，升LA，升DOL用F#表示。2。小三和弦：根音与三音是小三度，三音与五音是大三度，用根音的大写英文字母音名加上小写m表示，如RE，FA，LA和弦用Dm表示，MI，SOL，SI和弦用Em表示，降MI，降SOL，降SI用Ebm表示。3。增三和弦：根音与三音，三音与五音都是大三度，用根音的大写英文字母音名加上aug或加一个+。如DO，MI，升SOL和弦表示为Caug或C+，FA，LA，升DO和弦表示为Faug或F+。4。减三和弦：根音与三音，三音与五音都是小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim或一个-。如RE，FA，降LA，表示为Ddim或D-，升DO，MI，SOL表示为#Cdim或#C-。5。大小七和弦：在大三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上7即可，如SOL，SI，RE，FA和弦用G7表示，LA，S升DOL，MI，SOL用A7表示。6。大大七和弦：在大三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上Maj7表示，如DO，MI，SOL，SI和弦表示为Cmaj7,降SI，RE，FA，LA和弦表示为Bbmaj7.7。小小七和弦：在小三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上m7表示。如LA，DO，MI，SOL和弦表示为Am7,RE，FA，LA，DO和弦表示为Dm7.8。小大七和弦：在小三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上mM7表示，如DO，降MI，SOL，SI和弦表示为CmM7,LA，DO，MI，升SOL表示为AmM7.9。减七和弦：在减三和弦的基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim7表示，如SI，RE，FA，降LA和弦表示为Bdim7,LA，DO，降MI，降SOL表示为Adim7.10。半减七和弦：在减三和弦的基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上m7-5表示，如SI，RE，FA，LA和弦表示为Bm7-5,升FA，LA，DO，ME和弦表示为

吉他教学——基本乐理知识之发声吐字方法“以气振声” 传统的戏曲是前辈艺术家们精心创造和千锤百炼的综合性艺术。象河北梆子、评剧以及其它一些地方戏曲和京剧，在声腔上虽不属同系，尖团等的讲求不同，但大多是以唱、念、做、打四位一体的综合性的演出形式。唱、做、念、打，内行人把这四个字称为“四功”，其中把唱排在“四功”的首位，足见其对戏曲的重要性。因此前辈艺术家们对发声经过反复实践，积累了丰富的训练经验，由于剧种有别或行当的不同，而在表现手段上有所差异，在嗓音的运用上也存有区别。但在发声、吐字、行腔、气息的运用上，以及对轻、重、缓、急、抑、扬、顿、挫等方面的要求都是大同小异的。戏曲的唱念都是属于声乐学，要求尽善尽美，悦耳动听。通过前辈的传授，个人体会其目的，主要是为感动人。要表现出剧中人的思想感情，不但要音色美，而且要字音准确，让听众字字入耳才能引入入胜。所谓“悦耳容易动人难”的道理就在于此。要想解决这个难题，必须寻求对嗓音的训练方法，就今天的探索而言，就气、声、字、音、情五个字予以阐述。连起来讲是：以气振声，以声立字，以字导音，以音传情，以情动人。下边将以上诸条以个人体会加以阐明。以气振声大家都知道，“气乃声之源”，欲发声必先具(储存)气，无气则声不鸣。因此需要明了气息的来源于呼吸系统的有机配合，必要时还需借助于腹部诸内脏的帮助。在演唱前需要储备气息的时候，气息由鼻腔吸入，经过喉腔气管，支气管在交换气息的肺部储存，肺部因储气而扩张，横隔膜因受到压迫而下垂，腹部诸内脏也随之被迫下降，致使小腹凸起。在唱腔的开始和行腔延续的过程中，气息也同时逐渐外呼，肺也随之收缩，横隔膜腾起，小腹(即内行人称谓的“丹田”气息，“丹田”在腹部正中线脐下针灸穴位“气海”“关元”等部位)收缩，促使腹部诸内脏上升，支撑横隔膜拱挤肺部以增加其收缩力来供给唱腔沿续时所需要的气息。无论唱段或唱腔长短，都要得到呼吸系统这样反复的有机配合。内行人管这种配合简称为“气口”，要求运用“气口”必须得当，储存气息时不要为恐怕声嘶力竭而吸气过快，引起端肩鼓腹影响人物形象的美感。明朝沈宠绥所著的《度曲须知》文献中写道偷气、取气、换气、歇气，就气等五种在演唱时依照唱腔长短及感情的需要，灵活运用气息的方法。要想在唱腔上轻重缓急运用得力就必须找对“气口”，只要找对“气口”才能唱出感情所需要的力度，从而达到应有的艺术效果。在“京剧唱腔十忌”中有“忌横气”一条，苏移同志对此条解释说“横气就是演员在演唱中不会使用气口，或精神过于紧张，把气横在胸部而不能运用自如地演唱。气口运用不好，还会导致声带的过度疲劳”。可见“气口”对演唱的重要作用了。发声是人类的本能，但音质有优劣之分，平常人们称为嗓子好坏，嗓子的好坏对平常人是无关紧要的，而对于演员来说则是极其重要的条件。故内行人管嗓子叫作“本钱”。那么以气振声与嗓子的好坏又是什么关系呢？关系是相当密切的。在人的呼吸系统喉部中间有两片象皮筋儿一样弹性很强V形的带状器官，叫作声带。吸气时，两片声带自然分离，让声门张开，通常呼气时也是这样，当需要发出声音时两片声带相适闭守宋接受呼出气息的吹击，这时声带就在吹击的振动下发出声音。并在喉头肌肉和呼出气息缓急的密切配合下，使声带宽、窄、长、短、薄、厚等张力得到适度的调节时，便可发出强、弱、高、低不同声音的变化。因此古代以“莺声燕语““虎啸龙吟”“声如洪钟”“响遏行云”“绕梁三日”“珠圆玉润“等夸张美化词语，来形容声乐的雄壮和美妙。但古书上对发声时所表现的毛病也给予了指正和警戒，如《度曲须知》所讲：“曲品尤宜端庄，不可合眼摇头，咂唇歪口，囊鼻仰首，咳嗽，又或高低轻重添减太多，所谓撒钱声(按古钱为铜质撒落时能发出声音)，拉锯声“。以上所指多是在发声时形体上表现出来的毛病而损伤形象的美感以及告戒不要流于没有旋律的自然主义腔调，同时也指出了技巧上的要求。如“不可高低轻重添减太多”，所谓“高”是冒调，“低”是塌调，“轻”是唱的飘忽无力，“重”则失去抑、扬、顿、挫的控制能力，“添”指的是乱加闲散字或坠板，“减”是指丢板，使节奏失去平稳。这些都是在演唱时要特别注意的。声带受到气息的振动便发出声音，每个人都是如此的。但是声带的形状和人的面貌一样，无一相同。女性的声带生成就比男性的声带短而窄，所以女声比男声高而细。但同样是男性或同样是女性，也因声带的宽窄、长短、薄厚的不同，所以发出的声音也是不一样的。在童年时期，男女的声带区别不大，声音也没有明显的差别。这个期间就是通常所说的“童音”。随着身体的发育，大致到十四、五岁之后，二十岁以前为“变声期”，内行人叫“倒仓”。在这个期间内，不论男女的声带都要起些变化，尤其是男性变化更加明显。这是因为声带的变宽，变厚而引起的嘶哑，甚至连说话也感到困难。但也有些人却变化不大，所以“倒仓”的时间也比较短。在旧社会的科班里，有的师傅不了解这是生理上的客观规律，埋怨学生们是因为不健康的心理所造成。故而在学生们“倒仓”期间反而催促他们多喊多唱，并说这样便能喊出个“铁嗓子”来。这种理论没有科学根据。按生理情况来说，这样恐怕是有百害而无一益的。即或有个别人能喊出来，也是极其特殊的现象，大多数人因声带劳累致伤不能开口演唱而改行，造成终生遗憾。所以在变声期间，要有规律的安排好生活，不要过多地使用嗓子还是益多害少的。就是声音变好之后人与人之间的嗓音也还是有高低宽窄之分。当然这里有音质的不同和运用“气口”上的方法问题，这就需要在训练上下功夫，也可在同台之间选择音高相近的进行合作。这样既不强人所难，也可避免造成人才上的荒废。J961.com扩展阅读基本乐理知识——发声练习声乐艺术是一门技术性和实践性非常强的学科，仅凭理论知识和文学资料去进行学习是非常困难的，它主要是通过正确的发声训练和不断的歌曲演唱来逐步完成的。每位歌唱者必须通过发声练习的途径，掌握科学的歌唱发声的基本方法，使歌声美妙动人。一、歌唱发声练习的目的和要求 歌唱发声练习的目的，简要地说，就是将歌曲演唱中对声音所需求的各种技术环节，通过有规律、有步骤的发声练习，逐步提高歌唱发声的生理机能，调节各歌唱器官的协作运动，养成良好的歌唱状态，使歌唱发声的技术成为歌唱表现的有力手段，为达到声情并茂的演唱服务。 我们练声的目的是要调整巩固科学的发声状态，把良好的歌唱状态保持到歌唱中去，改变平时生活中自然的发声习惯，使之成为符合歌唱发声的习惯和状态，所以必须明确我们练声的目的，而不是简单的“开开声”而已。 歌唱发声练习要求每个歌唱者首先要了解和熟记歌唱发声器官的生理部位及其功能，掌握歌唱发声的基本原理，全面理解其精神实质，通过反复的练声及歌唱实践来消化和验证其歌唱规律。因此在发声训练过程中应注意以下几点要求： 1）每位歌唱者一定要充分理解和运用气息发声和气息控制的方法（即横隔膜的呼吸方法），因为在整个声乐功能系列中，歌唱呼吸是最重要的一环，是整个歌唱建筑的基础，因此必须明确呼吸的重要性，重视练好歌唱呼吸的基本功。 2）打开喉咙，稳定喉头，是歌唱基本功训练的核心，这是歌唱者声乐技巧能否顺利发展的关键之一，很多歌唱者声音上的毛病，多是由于歌唱时喉头不找开、不稳定造成的，而正确的喉头位置是协调呼吸器官的运动，获得稳定、流畅声音效果的关键。 3）要恰当地运用好歌唱的共鸣，要使声音传得远，充满剧场，且圆润，优美动听，这是要经过专门训练的，对于初学者来说，是比较难掌握的课题。由于共鸣训练常常与其它发声基础要求分不开，因此要求歌唱者通过母音的转换，稳定喉头打开口腔，调节气息等手段，把声音振响在鼻咽腔以上的高位置头腔共鸣点上，来增大音量，扩展音域，美化音色，统一声区，使高、中、低三个声区的声音协调一致，天衣无缝，走动自如灵活。 4）正确的发声要与正确的咬字、吐字相结合。通过字、声结合的练习来提高唇、齿、舌的灵活运动能力，使之更完美而生动地表现歌曲和情感和内容。 5）在歌唱发声时，还要注意对音准、节奏的训练，通过发声练习，逐步掌握连、顿、强、弱等全面的歌唱发声技巧，丰富歌曲的表现手段，增强歌曲演唱能力。 6）在每次练习时，都要保持正确的歌唱姿势，正确的歌唱姿势是进入良好歌唱状态的前提。 7）在练声、唱歌前，一定要摒除一切杂念，稳定情绪，要有非常好的心理状态，要有良好的歌唱欲望，要充满信心、放松自如地进入歌唱状态，否则是唱不好歌的。 8）从开始练声起，就要同音乐结合起来，即练声也要有良好的乐感。音程、音阶一方面是肌肉、音准、气息、共鸣等方面的技术练习，同时它们又都是乐曲的组成部分，要给它们以音乐的活力和生命。因此练声一开始，要求每个歌唱者把音程、音阶、练声乐句也唱得悦耳、动听。以上我们可以领悟到，在歌唱发声的过程中，呼吸、共鸣、吐字、表现缺一不行，它们是相互联系、相互促进、相辅相成的，这就是我们所要求的“整体歌唱”的涵义。 二、歌唱发声练习的步骤 歌唱发声基本功的练习，一般按音域进展的规律，可分为三个阶段进行。 第一阶段以中声区训练为基础，掌握基本的发声方法，调节和锻炼肌肉以适应歌唱技术的需要。无论哪一个声部，都应该从中声区开始训练。练中声区的音相对巩固后再逐步扩大音域，要知道声乐学习要从基础入手，中声区是歌唱嗓音发展的基础，基础必须打得扎实，要记住“欲速则不达”的道理。 第二阶段是中声区的基础上，适当扩展音域，加强气息与共鸣的配合训练，练好过渡声区（即换声区的训练），为进入头声区的训练打好基础。第二阶段的练习是关键的一环，需要花费的时间相对也比较长，但千万要有耐心和信心，不要急于唱高音，要沉得住气，等这段音域巩固后，再进入高声区的练习。 第三阶段即高声区的练习可以在比较巩固上两个阶段的基础上加强音量音高的训练，进一步扩大音域，做较复杂的发声练习，使各声种达到理想的音高范围。这了阶级的练习要特别注意高、中、低三个声区的统一，音的过渡不要发生裂痕和疙瘩，重点是加强头声区的训练，获取高位置的头腔共鸣，从而达到统一声区的目标。这样我们歌唱发声的乐器基本制造完毕，可以唱一般难度较大的歌曲了。 三、歌唱发声练习的起音 发声练习开始的时候，必然会遇到如何起第一个音的问题，我们称它为歌唱时的“起音”或“起声”。歌唱的起声可分为激起声、软起声、舒起声。 1、激起声 是当吸气完毕后，胸腔保持不动，声带先自然闭合，然后，再以恰当的气息冲击声带使之振动发声，这样发出来的声音结实有力，我们在发声训练如顿音、跳音的练习中常常使用，也用这种方法纠正声带漏气的毛病。此时与之相应的呼吸方法往往采用急吸急呼。 2、软起声 软起声是声带在开始闭合的动作时，气息也同时往外送，开声门与气息振动声带同时进行。这种方法气息的冲击力比较“激起声”要柔和，发出的声音比较平稳、舒展。我们发声训练中也常常在练连音和长音中采用，同时也用“软起声”的发音方法来纠正喉音的毛病，与之相应的呼吸方法往往采用缓吸缓呼法。 3、舒起声 舒起声是声门先开，然后气息再振动声带，它的特点是先出气而后发声，像叹气一样。在劳动号子中，常常用到这种起声法。在发声训练中，这种方法可用来纠正声音过于僵硬的毛病，在通俗唱法中使用较多，较口语化。总之，歌唱的起音首先要精神饱满，全身协调，根据不同类型的练声曲例来确定起音的方法，注意起音的音量不要过分强，以舒适的mf或mp音量为合适。 四、歌唱发声练习曲 练习曲的练习，是发声歌唱的重要的基础训练。练声曲可以用各个母音或混合母音或子母音混合音，也可以用音阶的音名１２３４５６７等等来练唱，也可以在练声曲上安排歌词来练习叫带词练习。发声练习过程中，是以声音效果和发声器官肌肉适度的标准去调整发声器官的机能和状态的，每个人的发声器官的构造、嗓音条件、声音类型、发声习惯各不相同，因此，并不是每一种类型的练习都必须唱，而是有计划、有针对性地进行选择练习，而且不同的学习阶段，选择的发声练习也是不同的，但一般情况下，开始的练习总是选择元音和比较平稳的音阶开始练声。一般来说选择“o”或者“u”之类的比较圆润的元音开始着手练习，因为这些元音容易形成需要的空间，比较容易保持喉咙打开的基本状态，也比较容易形成喉咙空间的状态。但这也不是绝对的，唱歌者应根据自己的感觉找到最适合自己的母音来练习。我们在练习中要多动脑子，善于思考，千万不能一个劲地傻唱。 1、“哼鸣”的基本练习 一般在开始练声时，先练练“M”是有益的，因为发这个音容易达到高位置和靠前、明亮、集中的效果。练习哼鸣时首先上下唇自然地闭上、口腔内部要打开，好象闭口打哈欠的感觉，感到声音向高位、额窦、鼻窦处扩展，但切勿把声音堵塞在鼻腔里，否则会发出鼻音。 2、母音的练习 除进行哼鸣练习外，更多地是进行母音的练习，如a，i，o，u，e等单母音练习，也可用混合母音练习如ma，me，mi，mo，mu等等。 3、连音练习 人们常说：“不会连贯就不会歌唱。”歌唱声音的主要表现力就在于声音的连贯优美，只有连贯的声音才能唱出动人的旋律线来。为了使声音有更多的连贯性，可以将练习的音域相对拉宽些，练习也可以随之难度更大些。 4、顿音练习 顿音唱法又称为断音唱法。要求唱得清晰，短促，灵活，富有弹性，集中感强。练习时要注意一字一音的灵活性和一字一音的连贯性。 5、连音和顿音结合的练习 在基本掌握了连音和顿音唱法的基础上，可以加连音、顿音结合在一起的练习，这样有利于歌唱状态的统一，顿音好象是一个“点”，连音像是一条“线”，这样以点带线，便声音的位置统一，并保持气息均匀流畅。 6、保持共鸣位置不变的练习 在“哼鸣”练习中我们已经讲了找共鸣位置最好的办法就是体会“哼鸣”感觉，如果这个共鸣焦点找准了，那么其它所有的音都应该向这个哼鸣位置靠拢，这样才能达到歌唱的高位置，使声音上下统一。 7、声音灵活性的练习 这种练习主要是为了适应歌曲演唱中快速、流动的要求，以达到更积极的身体、喉咙、气息的配合。 8、结合字声练习（带词练习） 要求根据词意富有想象，有意境，有画面，语气有表现，声音有乐感，有感情地去唱。力求做到字准腔圆，以情带声，声情并茂，慢慢地向歌唱歌曲作品过渡。 9、练声注意事项 1）要注意保护好自己的嗓子，适当地练唱，发声练习的时间，初学时20分钟一次为宜，以后逐渐地加至半小时或一小时，坚持每天练习最重要，绝对避免用全音量来练习。大声地乱唱，容易使歌唱器官受损。 2）在没有能力唱高音之前，切勿作高音练习，经常唱一组你最满意的音，选择曲目更要谨慎，不要唱不适合自己的曲目。 3）每次练习应有新鲜感，精神集中，感兴趣地练习。 4）练习时要多用慢的、短的乐句作为最初的练习。 声乐训练特别需要时间，奇迹是没有的。“百分之十的智慧，百分之九十的努力。”2022吉他教学——基本乐理知识——发声练习声乐艺术是一门技术性和实践性非常强的学科，仅凭理论知识和文学资料去进行学习是非常困难的，它主要是通过正确的发声训练和不断的歌曲演唱来逐步完成的。每位歌唱者必须通过发声练习的途径，掌握科学的歌唱发声的基本方法，使歌声美妙动人。一、歌唱发声练习的目的和要求歌唱发声练习的目的，简要地说，就是将歌曲演唱中对声音所需求的各种技术环节，通过有规律、有步骤的发声练习，逐步提高歌唱发声的生理机能，调节各歌唱器官的协作运动，养成良好的歌唱状态，使歌唱发声的技术成为歌唱表现的有力手段，为达到声情并茂的演唱服务。我们练声的目的是要调整巩固科学的发声状态，把良好的歌唱状态保持到歌唱中去，改变平时生活中自然的发声习惯，使之成为符合歌唱发声的习惯和状态，所以必须明确我们练声的目的，而不是简单的“开开声”而已。歌唱发声练习要求每个歌唱者首先要了解和熟记歌唱发声器官的生理部位及其功能，掌握歌唱发声的基本原理，全面理解其精神实质，通过反复的练声及歌唱实践来消化和验证其歌唱规律。因此在发声训练过程中应注意以下几点要求：1）每位歌唱者一定要充分理解和运用气息发声和气息控制的方法（即横隔膜的呼吸方法），因为在整个声乐功能系列中，歌唱呼吸是最重要的一环，是整个歌唱建筑的基础，因此必须明确呼吸的重要性，重视练好歌唱呼吸的基本功。2）打开喉咙，稳定喉头，是歌唱基本功训练的核心，这是歌唱者声乐技巧能否顺利发展的关键之一，很多歌唱者声音上的毛病，多是由于歌唱时喉头不找开、不稳定造成的，而正确的喉头位置是协调呼吸器官的运动，获得稳定、流畅声音效果的关键。3）要恰当地运用好歌唱的共鸣，要使声音传得远，充满剧场，且圆润，优美动听，这是要经过专门训练的，对于初学者来说，是比较难掌握的课题。由于共鸣训练常常与其它发声基础要求分不开，因此要求歌唱者通过母音的转换，稳定喉头打开口腔，调节气息等手段，把声音振响在鼻咽腔以上的高位置头腔共鸣点上，来增大音量，扩展音域，美化音色，统一声区，使高、中、低三个声区的声音协调一致，天衣无缝，走动自如灵活。4）正确的发声要与正确的咬字、吐字相结合。通过字、声结合的练习来提高唇、齿、舌的灵活运动能力，使之更完美而生动地表现歌曲和情感和内容。5）在歌唱发声时，还要注意对音准、节奏的训练，通过发声练习，逐步掌握连、顿、强、弱等全面的歌唱发声技巧，丰富歌曲的表现手段，增强歌曲演唱能力。6）在每次练习时，都要保持正确的歌唱姿势，正确的歌唱姿势是进入良好歌唱状态的前提。7）在练声、唱歌前，一定要摒除一切杂念，稳定情绪，要有非常好的心理状态，要有良好的歌唱欲望，要充满信心、放松自如地进入歌唱状态，否则是唱不好歌的。8）从开始练声起，就要同音乐结合起来，即练声也要有良好的乐感。音程、音阶一方面是肌肉、音准、气息、共鸣等方面的技术练习，同时它们又都是乐曲的组成部分，要给它们以音乐的活力和生命。因此练声一开始，要求每个歌唱者把音程、音阶、练声乐句也唱得悦耳、动听。以上我们可以领悟到，在歌唱发声的过程中，呼吸、共鸣、吐字、表现缺一不行，它们是相互联系、相互促进、相辅相成的，这就是我们所要求的“整体歌唱”的涵义。二、歌唱发声练习的步骤歌唱发声基本功的练习，一般按音域进展的规律，可分为三个阶段进行。第一阶段以中声区训练为基础，掌握基本的发声方法，调节和锻炼肌肉以适应歌唱技术的需要。无论哪一个声部，都应该从中声区开始训练。练中声区的音相对巩固后再逐步扩大音域，要知道声乐学习要从基础入手，中声区是歌唱嗓音发展的基础，基础必须打得扎实，要记住“欲速则不达”的道理。第二阶段是中声区的基础上，适当扩展音域，加强气息与共鸣的配合训练，练好过渡声区（即换声区的训练），为进入头声区的训练打好基础。第二阶段的练习是关键的一环，需要花费的时间相对也比较长，但千万要有耐心和信心，不要急于唱高音，要沉得住气，等这段音域巩固后，再进入高声区的练习。第三阶段即高声区的练习可以在比较巩固上两个阶段的基础上加强音量音高的训练，进一步扩大音域，做较复杂的发声练习，使各声种达到理想的音高范围。这了阶级的练习要特别注意高、中、低三个声区的统一，音的过渡不要发生裂痕和疙瘩，重点是加强头声区的训练，获取高位置的头腔共鸣，从而达到统一声区的目标。这样我们歌唱发声的乐器基本制造完毕，可以唱一般难度较大的歌曲了。三、歌唱发声练习的起音发声练习开始的时候，必然会遇到如何起第一个音的问题，我们称它为歌唱时的“起音”或“起声”。歌唱的起声可分为激起声、软起声、舒起声。1、激起声是当吸气完毕后，胸腔保持不动，声带先自然闭合，然后，再以恰当的气息冲击声带使之振动发声，这样发出来的声音结实有力，我们在发声训练如顿音、跳音的练习中常常使用，也用这种方法纠正声带漏气的毛病。此时与之相应的呼吸方法往往采用急吸急呼。2、软起声软起声是声带在开始闭合的动作时，气息也同时往外送，开声门与气息振动声带同时进行。这种方法气息的冲击力比较“激起声”要柔和，发出的声音比较平稳、舒展。我们发声训练中也常常在练连音和长音中采用，同时也用“软起声”的发音方法来纠正喉音的毛病，与之相应的呼吸方法往往采用缓吸缓呼法。3、舒起声舒起声是声门先开，然后气息再振动声带，它的特点是先出气而后发声，像叹气一样。在劳动号子中，常常用到这种起声法。在发声训练中，这种方法可用来纠正声音过于僵硬的毛病，在通俗唱法中使用较多，较口语化。总之，歌唱的起音首先要精神饱满，全身协调，根据不同类型的练声曲例来确定起音的方法，注意起音的音量不要过分强，以舒适的mf或mp音量为合适。四、歌唱发声练习曲练习曲的练习，是发声歌唱的重要的基础训练。练声曲可以用各个母音或混合母音或子母音混合音，也可以用音阶的音名１２３４５６７等等来练唱，也可以在练声曲上安排歌词来练习叫带词练习。发声练习过程中，是以声音效果和发声器官肌肉适度的标准去调整发声器官的机能和状态的，每个人的发声器官的构造、嗓音条件、声音类型、发声习惯各不相同，因此，并不是每一种类型的练习都必须唱，而是有计划、有针对性地进行选择练习，而且不同的学习阶段，选择的发声练习也是不同的，但一般情况下，开始的练习总是选择元音和比较平稳的音阶开始练声。一般来说选择“o”或者“u”之类的比较圆润的元音开始着手练习，因为这些元音容易形成需要的空间，比较容易保持喉咙打开的基本状态，也比较容易形成喉咙空间的状态。但这也不是绝对的，唱歌者应根据自己的感觉找到最适合自己的母音来练习。我们在练习中要多动脑子，善于思考，千万不能一个劲地傻唱。1、“哼鸣”的基本练习一般在开始练声时，先练练“M”是有益的，因为发这个音容易达到高位置和靠前、明亮、集中的效果。练习哼鸣时首先上下唇自然地闭上、口腔内部要打开，好象闭口打哈欠的感觉，感到声音向高位、额窦、鼻窦处扩展，但切勿把声音堵塞在鼻腔里，否则会发出鼻音。2、母音的练习除进行哼鸣练习外，更多地是进行母音的练习，如a，i，o，u，e等单母音练习，也可用混合母音练习如ma，me，mi，mo，mu等等。3、连音练习人们常说：“不会连贯就不会歌唱。”歌唱声音的主要表现力就在于声音的连贯优美，只有连贯的声音才能唱出动人的旋律线来。为了使声音有更多的连贯性，可以将练习的音域相对拉宽些，练习也可以随之难度更大些。4、顿音练习顿音唱法又称为断音唱法。要求唱得清晰，短促，灵活，富有弹性，集中感强。练习时要注意一字一音的灵活性和一字一音的连贯性。5、连音和顿音结合的练习在基本掌握了连音和顿音唱法的基础上，可以加连音、顿音结合在一起的练习，这样有利于歌唱状态的统一，顿音好象是一个“点”，连音像是一条“线”，这样以点带线，便声音的位置统一，并保持气息均匀流畅。6、保持共鸣位置不变的练习在“哼鸣”练习中我们已经讲了找共鸣位置最好的办法就是体会“哼鸣”感觉，如果这个共鸣焦点找准了，那么其它所有的音都应该向这个哼鸣位置靠拢，这样才能达到歌唱的高位置，使声音上下统一。7、声音灵活性的练习这种练习主要是为了适应歌曲演唱中快速、流动的要求，以达到更积极的身体、喉咙、气息的配合。8、结合字声练习（带词练习）要求根据词意富有想象，有意境，有画面，语气有表现，声音有乐感，有感情地去唱。力求做到字准腔圆，以情带声，声情并茂，慢慢地向歌唱歌曲作品过渡。9、练声注意事项1）要注意保护好自己的嗓子，适当地练唱，发声练习的时间，初学时20分钟一次为宜，以后逐渐地加至半小时或一小时，坚持每天练习最重要，绝对避免用全音量来练习。大声地乱唱，容易使歌唱器官受损。2）在没有能力唱高音之前，切勿作高音练习，经常唱一组你最满意的音，选择曲目更要谨慎，不要唱不适合自己的曲目。3）每次练习应有新鲜感，精神集中，感兴趣地练习。4）练习时要多用慢的、短的乐句作为最初的练习。声乐训练特别需要时间，奇迹是没有的。“百分之十的智慧，百分之九十的努力。”2022吉他教学——基本乐理知识之呼吸问题纠正方法（一）漏气吸气后，控制气息的能力较差，往往在出声前气漏掉，或气声同时呼出，造成“沙音”或气不够用。纠正的方法：加强气息控制，加强咬字，避免漏气。（二）用通常说话的呼吸唱歌这是“白声”、“喊声”、“憋唱”的根。这种唱法，遇到困难的乐句或高音区，喉部、咽部及颈部肌肉就会用力帮忙，而出现脖粗脸红的紧张状态。纠正的方法：加强锻炼，控制气息的能力，把劲下移两肋和腹肌，不要追求音量，可用小声闭口哼唱寻找混合共鸣，避开紧张。（三）呼吸量小而不积极表现为声音虚弱、漂浮、过分单薄、细、没有共鸣等。喉部用力时则表现“咩咩声”。纠正的方法：加强“吸气”的深度，控制“呼气”时（即加强收腹提气的力量与吸气控制力量的对抗，）体会气声结合，声音的结实变化，理解气息的作用，必要时，专门训练大音量的方法，锻炼“呼气”的力量。（四）呼吸“僵”原因是控制呼吸的力量和动作死板，如：控制呼吸力量过大，肌肉失去弹性，不能灵活的适应歌曲旋律的变化，通常表现为只能延长音程跳动不大的连贯性曲调，不能唱节奏性强，速度轻快，音程跳动较大的旋律，或虽然能唱，但不能突出，常把一首朝气蓬勃的歌曲唱得死气沉沉，无精打采。纠正的方法：加强跳音，华彩乐句和速度快、节奏性强的歌曲练习加以解决。总之，气息不正确的原因，往往是呼吸器官不积极工作，造成其他器官的用力帮忙，使下颚僵硬，颈部紧张，或控制不适当，使气息失去灵活弹性，都是不利于唱歌的。因此，无论任何时候，任何情况之下，只要是歌曲，就不能漫不经心地随便唱，就是发一个简单的音，也要作到情绪饱满，有目的地体会歌曲与呼吸的关系，和气息的御用。流畅、自如、圆滑、优美的歌声来自正确的呼吸方法和对呼吸的控制作用，正确的呼吸是自然、舒畅、均匀、不紧张、不僵硬的。基本乐理知识——如何为词谱曲？说到作曲，那是一门很高的学问。世界之所以没有出现两首相同的曲子是因为每个作曲家都不尽相同！因为他们的性格、审美观、生活阅历、时代背景和作曲风格的各异使音乐绎放出五彩缤纷的魅力。这里我只是跟大家浅谈一下，我们拿到一首好的词（或诗歌）后如果为词谱曲，为美妙的诗韵写上优美的旋律！1、读词，领会词义和思想感情我们先把词读几遍，从中体会词意的思想感情。（词的情感也就是曲的情感）同时我们也在词的情感间确立了歌曲的调性（比如大小调等）和音乐风格。2、分析词的结构（词的结构划分决定曲的曲式结构）同时在词句中划分节奏。说到词的节奏划分也就是为词设计节奏。这一点是要靠我们平时多练、多研究、积累了经验后，我们才能设计得更好。3、设计音乐主题音乐主题是音乐的呈现部分。在大型的乐曲里，有时是一个乐段都是音乐主题。而在我们的流行歌曲里面，一般歌曲的前一个乐句作为歌曲的主题！音乐主题就像一颗种子，它的好坏优劣决定着它是否能成长成大树。所以一首好的歌曲都是一个好的主题发展出来的！所以写好音乐主题很关键！一定要力求精辟！4、发展主题完成音乐我们设计好了音乐主题后，我们就根据这个主题去发展，最后成为一首完整的音乐！那我们如果去发展呢！ 在作曲的基本法里有（起、承、转、合） 所谓“起”就是我们所说的呈现的音乐主题 所谓“承”就是承接的意思，也就是说，歌曲的第二乐句承接了（“起”就是主题的乐句）在作曲技术上称为（重复）有时是变化重复。重复手法是作曲技法里最主要的发展手法，这也是比较常用的一种手法。所谓“转”也就是转变，它的乐句和前两个乐句产生了强大的对比，曲风的变化使人耳目一新，从而使原来的主题乐句扩大了发展的空间，使音乐不断向前发展！这就是（对比法）也是常用的手法之一，（它的对比是，跟前两乐句间，节节奏的对比，音乐高的对比等等）其实音乐就是在不断地重复和对比中进行的。即有冲突又有统一。所谓“合”就是合在一块，也就是概括总结的意思！这一句总结了前三句的曲风！它的做法是：有时是再现了“承”的部分（让人加深对主题曲的印象）、有时是把“承”和“转”设计合在一起成为“合”使歌曲完整统一。（起、承、转、合）作为作曲的基本法，指导着音乐的创作与发展！它不但是乐句与乐句间的发展手法，同时也是乐段与乐段间甚至是乐章与乐章间的发展手法！2022吉他教学——基本乐理知识——如何为词谱曲？说到作曲，那是一门很高的学问。世界之所以没有出现两首相同的曲子是因为每个作曲家都不尽相同！因为他们的性格、审美观、生活阅历、时代背景和作曲风格的各异使音乐绎放出五彩缤纷的魅力。这里我只是跟大家浅谈一下，我们拿到一首好的词（或诗歌）后如果为词谱曲，为美妙的诗韵写上优美的旋律！1、读词，领会词义和思想感情我们先把词读几遍，从中体会词意的思想感情。（词的情感也就是曲的情感）同时我们也在词的情感间确立了歌曲的调性（比如大小调等）和音乐风格。2、分析词的结构（词的结构划分决定曲的曲式结构）同时在词句中划分节奏。说到词的节奏划分也就是为词设计节奏。这一点是要靠我们平时多练、多研究、积累了经验后，我们才能设计得更好。3、设计音乐主题音乐主题是音乐的呈现部分。在大型的乐曲里，有时是一个乐段都是音乐主题。而在我们的流行歌曲里面，一般歌曲的前一个乐句作为歌曲的主题！音乐主题就像一颗种子，它的好坏优劣决定着它是否能成长成大树。所以一首好的歌曲都是一个好的主题发展出来的！所以写好音乐主题很关键！一定要力求精辟！4、发展主题完成音乐我们设计好了音乐主题后，我们就根据这个主题去发展，最后成为一首完整的音乐！那我们如果去发展呢！在作曲的基本法里有（起、承、转、合）所谓“起”就是我们所说的呈现的音乐主题所谓“承”就是承接的意思，也就是说，歌曲的第二乐句承接了（“起”就是主题的乐句）在作曲技术上称为（重复）有时是变化重复。重复手法是作曲技法里最主要的发展手法，这也是比较常用的一种手法。所谓“转”也就是转变，它的乐句和前两个乐句产生了强大的对比，曲风的变化使人耳目一新，从而使原来的主题乐句扩大了发展的空间，使音乐不断向前发展！这就是（对比法）也是常用的手法之一，（它的对比是，跟前两乐句间，节节奏的对比，音乐高的对比等等）其实音乐就是在不断地重复和对比中进行的。即有冲突又有统一。所谓“合”就是合在一块，也就是概括总结的意思！这一句总结了前三句的曲风！它的做法是：有时是再现了“承”的部分（让人加深对主题曲的印象）、有时是把“承”和“转”设计合在一起成为“合”使歌曲完整统一。（起、承、转、合）作为作曲的基本法，指导着音乐的创作与发展！它不但是乐句与乐句间的发展手法，同时也是乐段与乐段间甚至是乐章与乐章间的发展手法！吉他教学方法——吉他琴弦的基本知识1. 好的吉他琴弦应该具有好的音质、定弦快、音高稳定、良好的可演奏性（手指有安全感，琴弦反应敏锐）以及长的寿命（如果你一天弹琴2小时，那么琴弦应该大约可使用3个月）。2. 不同品牌或是同一品牌不同型号的琴弦，通常是厂商们试图在上述5个方面追求更高可能性的结果，或者是他们试图在某个特定方面有不同表现（如明亮或柔美的声音等等）。他们通过调整琴弦的组成材料（增减低音弦中银的含量或是高音弦中碳的含量等等）以及工艺流程来实现他们的目标。琴弦的制造并不是一个精密科学，每个牌子的琴弦都有它独一无二的特性，也都有好和不尽人意的地方。没有任何一家厂商生产的琴弦是最好的或是完美的。3. 听取别人的意见是个很好的主意，但是要注意，不同的人在评价琴弦时会有不同的标准。比如说，一个乐器制作家一般会比较偏爱没有太多特色的琴弦（既不要太明亮也不要太柔美），这样才可以突出吉他本身的特性。而一个演奏者则常常有自己特定的声音选择（如朴实的低音、明亮的高音等等）。而这些喜好并不具有绝对的美学标准，它取决于吉他本身以及演奏者的风格。因此，一套中规中矩的琴弦并不一定是最好的选择。4. 琴弦的张力是一个大的方面，有很多可说的东西，张力对于琴弦来说是必须的，我们依靠对张力的调张使琴弦达到不同的音高，一般说来：（1）张力的等级一般分为超低、低、中等、高、超高五个级别。（2）一条弦上的张力等级取决于厂商所确定的标准长度（比如达达里奥是648毫米，如果琴弦装到吉他上后，使用长度超过了648毫米，那么就会需要更高的张力，如果少于648毫米，那么需要的张力就会比较小，因此，在考虑琴弦张力时，不要忘了不同的标准长度。（3）张力越高的琴弦越粗。（4）琴弦越粗，声音越柔美圆润。（5）材料越硬声音越明亮（如碳高音弦）。（6）张力越低按弦越舒适，但也增加了打品的可能性（当然，打品的问题主要还是看吉他本身）。（7）张力越大并不意味着音量越大。张力较高的琴弦会振动得更加猛烈，但是这种振动的形式在音量方面并不起主要作用。吉他本身，尤其是它的内部构架在这方面扮演着重要得多的角色。举一个典型的例子：一套超高张力的琴弦很可能由于给面板施加了太大的压力而使面板开始阻碍声音的发出。（8）在考虑使用超高张力琴弦时，一定要先向您的吉他的制造商核实一下您的琴对于琴弦张力的承受能力。很多制作家都不会推荐您在他们的吉他上使用超高张力琴弦。（9）大多数演奏者都会对中等张力、高张力或者中等和高张力混用的琴弦感到舒适。我不推荐大家使用低张力或超低张力的琴弦，因为它的声音之薄肯定超出了大多数演奏者的想象。吉他技巧之推弦的基本方法与基础知识讲解众多吉他小技巧中，推弦应该是相对比较简单的，但很多初学者在吉他入门之前仍然对此表示非常困难，在吉他教学的过程中，常常会尝试着推，但都不能有很好的效果，那么推弦究竟是怎么一回事，请接着往下看。1、杂音推弦时的杂音怎么解决?可以用右手消音，你可以用食指貼住其他線來推弦。最好右手锁定，用右手手掌护住，还有左手也要注意，垂直点，我最早练琴的时候也是。2、应用范围木吉他推弦一般在哪几跟弦上进行?调到标准音，最多能推多少度?一般来说，1、2、3弦往上推;4、5、6弦往下拉。民谣如要使用推弦，在标准音律上只能推小2度。如果实在急需用推弦，则可把所有弦下调至bB调，便可以最多推小3度。如果急需用大3度推弦，则可把所有弦下调至A调。3、适用手指早期的很多吉他手用小指推弦，但90年代的大部分吉他手用3指代替。用3指推弦更容易上手，可以减轻小指的负担。遇到双音推弦，应该用2指和3指!而不用3、4指。要彻底放弃小指推弦。如何推弦——推弦的时候应该是手腕发力的，如果用手指发力肯定不对，最起码的后果是严重磨品。书上面的图解比较详细，按它的说明练，应该没有问题的。平时没事的时候可以用左手搭在自己的右手腕上找找感觉。手腕基本上是向右转动，注意是平行而不是垂直，手指与手腕垂直，这样在手腕转动时，手指就自然将弦推过去了，千万不能手指发力，否则很容易钻到下一跟弦的下面去，这样的结果很容易把品磨坏不说，出来的音色就特别容易“脏”，不好制音，还是按照标准的工作来吧。推弦这东西和吉它其他的技巧差不多，就是找感觉，练着练着只要找到感觉了，以后就觉得越来越顺。高难乐理知识的基础以及记谱方法浅谈学习一切高难乐理知识的基础，很多学员在吉他教学课上可能经常会听老师讲到，但是那种还未吉他入门的学员们，大多数都不会重视乐理的学习，以至于最后都恶补这一课。那么乐理知识的基础，首先一定要把12345671大调自然音阶唱的非常准确，非常熟练。无论去练习唱什么调的音阶都是可以的。只要这个做到了，其他的乐理知识就自然而然的可以理解了，甚至可以不用去学就能够水到渠成的。唱准音阶12345671，这个是最最基础，最最简单，但却是最最重要的。如果这个做不到，那么其他的一切将成为空想。相信大家都应该很喜欢唱歌。也非常喜欢听歌。有的人唱歌很好。但是不会记谱。也不知道如何去记谱。现在我简单说一说如何培养记谱的能力。1、首先，不光要能唱准歌曲的歌词和曲调。而且你们要有意识的去改为唱歌曲的旋律。也就是12345671这些音符，而不是唱歌词，这一点你们无论如何必须首先尝试着去做到。马上就去找到你们手上现有的最喜欢的两首歌的谱子吧。我想，对你们来说，背会两首歌曲的旋律，对你们来说，应该是不难的。要相信自己，现在就这样去做，每天都这样训练自己。实际上，如果你们的乐感真的很好的话，熟练并准确的背下两首歌的旋律，其他的歌就可以触类旁通了。熟练了之后，你们就可以很轻易的做到，听到一首新歌，就可以马上准确无误的唱出它的旋律了。这是你们第一步必须做到的。2、还有就是，你们可以借助乐器。用吉他或者BASS。你们要熟练的掌握最最基础的右手伴奏的指法。例如：5323 1323 (数字表示的是第几弦)。或者是：X321, 其中X表示根音所在的弦，适用于2/4拍，4/4拍。还有就是： X32123，适用于3/4拍，6/8拍，9/4拍，12/8拍! 第一下拨弦X，要根据根音的不同的情况，适当在6.5.4弦中调整。当然也可以用最简单的一下一上的均匀的扫弦节奏来确定旋律中各个音符出现的位置以及它们的时值。因为，这些伴奏指法非常简单，容易掌握。节奏非常容易控制。你们完全可以把每一下都很轻易的就能够弹奏的非常均匀。所以，一首歌，你们只需要感觉出来它的节奏，你就可以套用这些伴奏指法。第一步你们能够做到熟练自如的准确唱出一首新歌的旋律了。你们要先把这些旋律都写到纸上。可以暂时不去理会时值。只要把所有的音符记录下来就可以了。然后，就重点的去听每一个节奏循环处的第一个音。做下标记。也就是根据节拍，为所有的旋律分出若干个小节来。接着，在每一个小节内部，就可以听这些音是落在你们所弹奏的指法中的每一下动作的前面，还是后面，还是正好和你的指法同时相对应的。这样就可以很轻易的就把时值写出来了。3、最后一步，要做最后的修改的。反复听。看看是不是有哪些地方自己记录的不对。改正过来。就大功告成了。这里要多看已经现有的谱子。看这些音符，通常都是怎么样去记录的。记谱的时候，都有哪些常用的符号。比如说：反复和跳跃等符号。记谱的时候，要注意装饰音是如何记录的。看看手上现有的谱子。现学现用吧。当然，还要提到的一点就是，你们要熟练的掌握各种节奏的规律。听到任意一首歌曲(或乐曲)的时候，都能够分辨出来。以下是各种常用节拍的辨别方法。2/4拍，其实是所有的2拍子节奏的规律都是：强，弱; 强, 弱，......如此循环的。3/4拍，其实是所有的3拍子节奏的规律都是：强，弱，弱; 强，弱，弱;......4/4拍，其实是所有的4拍子节奏的规律都是：强，弱，次强，弱;强，弱，次强，弱;......复合拍子，是上面的节拍互相相加得到的。如：7/4拍=3/4拍+4/4拍，或者是： 7/4拍=4/4拍+3/4拍9/4=3/4+3/4+3/4， 12/4=3/4+3/4+3/4+3/45/4=2/4+3/4 or 5/4=3/4+2/4。吉他乐理知识晋级大伙都清楚，想玩吉他就要先去学习乐理，否则基础的乐理都不懂，能看得懂乐谱？一. 声音声音是由物体的震动而产生的，声音有高低，长短，强弱和音色之分。声音由七个基本音组成，C D E F G A B ，這在我们初级乐理知识中有讲过。而這七个基本音在乐音中的循环，重复的使用，形成了若干个音组。音有高低之分。我们平时最常用的是七个基本音１２３４５６７。它们有两个名字，音名和唱名，就好比古时候的人除了有字还要有号一样，字与号不同，但都是指同一个人，比如诸葛亮的字是孔明，号卧龙先生，但不论我提到孔明还是卧龙先生时，你们都知道我指的就是诸葛亮。音名和唱名也就是这样一种关系。１２３４５６７的唱名分别唱作：“Do,Rui,Mi,Fa,So,La,Ti”，音名分别叫做“c,d,e,f,g,a,b”。一般唱名大家都已经记得非常熟了，但对音名却不太熟悉，希望大家一定要记熟。有的人可能会说，这很容易，有什么了不起的，不就是１２３４５６７的音名吗？不就是ABCDEFG吗？：）一定要注意，是cdefgab而不是abcdefg。二. 乐音中声音的长短与强弱1.在乐音中声音的长短分为，全音符（四拍），二分音符（二拍），四分音符（一拍），八分音符（二分之一拍），十六分音符（四分之一拍），三十二分音符（八分之一拍）2.在乐音中声音的强弱可以按照曲子的拍节分类，四分之二拍：强，弱，强，弱四分之三拍：强，弱，弱，强，弱，弱四分之四拍：强，弱，次强，弱八分之六拍：强，弱，弱，次强，弱，弱三. 十二平均律.在音乐中，各个音的绝对准确高度及关系的确定法就是“律制”。目前通用的有三种律制：五度相生律，纯律，和十二平均律。其中十二平均律使用的最广泛。十二平均律是将一个八度音平均分成了十二个均等的音，其中每个音作为音高的最小单位，叫“半音”，两个半音构成了一个“全音”。在钢琴上相邻的两个琴键（包含黑色的键）互为半音。在吉他上相邻的两个品格互为半音，相隔一个品格的为全音。在七个基本音中，除了E，F，B和C之间是半音外，都是全音。四. 变音符号1.在比基本音高半个音时称为升音，表示方法是在音名的左上方写一个升音符号“#”。2.在比基本音低半个音时称为降音，表示方法是在音名的左上方写一个降音符号“b”3.在比基本音高一个全音时称为重升音，表示方法是在音名的左上方写一个重升音符号“*”4.在比基本音低一个全音时称为重降音，表示方法是在音名的左上方写一个重降音符号“bb”5.在已经升高或降低的音的基础上要把升高或降低的音还原成原来的音高称为还原音6.另外在半音相等的情况下，相距全音中间的两个因相等。升降音相等示意图解：五. 记录方法1.六线谱与简谱时值记录方法.2.六线谱与简谱休止符记录方法：3.六线谱与简谱附点休止符记录方法：4.六线谱与简谱附点音符记录方法吉他基础乐理知识学习吉他大家都知道乐理知识是比较重要的，那么就让我们一起去了解一下吉他基础乐理知识吧?下面和小编一起去了解一下吧，希望对你有帮助!吉他乐理知识入门大家都知道，音有高低之分。我们平时最常用的是七个基本音1234567。它们有两个名字，音名和唱名，就好比古时候的人除了有字还要有号一样，字与号不同，但都是指同一个人，比如诸葛亮的字是孔明，号卧龙先生，但不论我提到孔明还是卧龙先生时，你们都知道我指的就是诸葛亮。音名和唱名也就是这样一种关系。1234567的唱名分别唱作：Do,Rui,Mi,Fa,So,La,Ti，音名分别叫做c,d,e,f,g,a,b。一般唱名大家都已经记得非常熟了，但对音名却不太熟悉，希望大家一定要记熟。有的人可能会说，这很容易，有什么了不起的，不就是1234567的音名吗?不就是ABCDEFG吗?：)一定要注意，是cdefgab而不是abcdefg。现场考试：[第一题]请根据下面音的唱名，立即指出他的音名是什么，要快，不能错：1　5　7　2　4　3　2　5　62　7　4　6　3　2　6　1　4[第二题]请根据下面音的音名，立即指出他的唱名是什么，要快，不能错：　C F G A E D F C B G B D C F G A E B D E如果在上面的考试当中，你们很快的回答出来，并且结果完全正确的话，证明你已经把音名和唱名的对应关系找得非常清楚了。你可以接着往下学习。否则，请多背诵多练习几遍，你可以自己随便写上几个音的音名，然后来想它的唱名，然后根据唱名想它的音名，多多练习，就会熟练。熟练以后往下接着看。除了1234567以外，比这7还高的音，就在1上面加一个点来表示;比1还低的音，就在7下面加一个点来表示。这些大家都很明白了，无须我废话。那么有人会问，高音的1，也就是上面加了一个点的1，它的音名是什么呢?国际上是这样规定的，1234567的音名，分别用小写的英文字母abcdefg来表示，叫做小字组。那么比1还低的音呢?也就是下面要加一个点的1234567呢?它们要用大写的英文字母CDEFGAB来表示，叫做大字组。那么下面要加两个点的1234567又如何表示呢?这一组音更低沉，分别用C1,D1,E1,F1,G1,A1,B1表示，就是在大写的英文字母后加上数字1，C1,D1,E1,F1,G1,A1,B1就叫大字一组;继续往下低沉的音，也就是1234567下面要加三个点的，就用C2,D2,E2,F2,G2,A2,B2表示，叫大字二组。依次类推。以上是比1234567低的音(即下面加点的音)的音名表示方法。那么，比1234567高的音(即上面加点的音)音名又如何表示呢?我们刚学了，1234567是cdefgab叫小字组，那么比它高的一组音(上面加一个点)就是c1,d1,e1,f1,g1,a1,b1，叫小字一组;更高的音(上面加两个点)就是c2,d2,e2,f2,g2,a2,b2，叫小字二组，依次类推。今天的课就讲到这里，请大家好好复习，一定要把音名和唱名的对应关系找准。因为我在这里发帖子，不可能在1234567上面或下面加点，所以今后的课中我一律用音名来表示音的高低。如果今天的基础课没有学好，以后的课根本就没法上。所以大家一定要背熟，其实一点都不难。好，同学们再见!吉他乐理和弦知识和弦在音乐里面是个非常重要的概念。初学者可能经常听到这个概念，但究竟是什么意思不明白。那么什么叫和弦呢?我们先从名字上来看看它的内在含义。我本人是这样理解的，所谓和，就是和谐、匹配、融洽、附和的意思;而弦，它表是的是音。和弦就是，几个相互和谐融洽的音放在一起组成的一组音。这是我自己在理解过程中给和弦下的定义，和国内音乐教材上的定义不太一样。有初学者可能会问，那么，为什么要把几个互相和谐融洽的音放在一起呢?为什么一定要组成和弦呢?究竟什么样的音在一起才是和谐融洽的呢?听我慢慢解释。我们人所听到的声音，究其物理实质，是因为空气振动而形成的，振动频率越高，音就越高。有时候，某一振动频率的音和另外一振动频率的音在一起的时候，我们人的耳朵听起来就感觉非常舒服，这是因为在物理原理上，在声学原理上，两种频率产生了谐振，因此彼此相互支持、相互加强、相互映衬了;而有时候，当两个不同振动频率的音在一起的时候，人们听起来就觉得非常刺耳、非常不舒服，这是因为两种频率相互背道而弛、相互对抗相互拆台了。我们既然能从物理学原理中找到音与音之间相互关系是什么样子的，那么下一步就好说了。音乐的本质就是要产生悦耳动听的旋律，我们就应该把那些能产生谐振的音放在一起，而不能把那些相互拆台的音放在一起。经过自然科学家长期的公式演算论证，同时也经过音乐家长期的实践经验的总结，在音乐理论领域专门得出了有关哪些音放在一起可以产生和谐效果的一门理论，在音乐界称作和弦论。和弦论就是研究音与音之间的关系的。每个音都是有自己的属性的，就像每个人都有自己的性格脾气，脾气大性子急的人不能和那种做事慢吞吞的人结婚，否则婚姻就会出问题。音与音之间的组合，就像人和人结婚一样，一定要性格吻合，否则不会美满和谐。说了那么多基础理论，讲了那么多音乐理论史，那么究竟什么样的音组合在一起才能是和谐融洽的、才能构成和弦呢?对于初学者，我们从最简单的和弦讲起。1、3、5这三个音就构成一个和弦。根据我们上面讲到的音的物理性质，1和3和5它们的频率正好是能够和谐匹配的，因此当某一个旋律主音为1时，用3和5来给它配合，就会起到融洽的效果。同样，当主音是3时，用1和5也能够很融洽的来配音;主音是5时，1和3可以起到一样的效果。像1、3、5这样的组合有很多，比如2、4、6，又是一组和弦。我们用一用上一讲里边讲过的知识吧，用音名来表示。常用的和弦有这些：1：c、e、g是一个和弦，就是1、3、5。这种和弦因为它最低的一个音是1(音名c)，所以我们叫C和弦。和弦里边最低的一个音叫做根音。c、e、g是C和弦，C、E、G同样也是，C1、E1、G1也是，c1、e1、g1和c2、e2、g2等等都可以叫做C和弦。因为根据音的实质，C、c、c1、C1、C2等等虽然有高低之分，其实本质上是一个音，这点大家应该不难理解。所以，除了c、e、g构成和弦外，c、E、G和c1、e2、G等等都可以构成和弦，因为这样的组合从本质上讲就是c、e、g。这一点大家应该能理解，不然就没法往后学习了。2：d、f、a是一个和弦，就是2、4、6。该和弦根音是2(音名d)，所以我们叫D和弦。我们可以同样推理出各式各样的D和弦出来，有D、F、A，有D、F、a，有d、F、A，有d2、f1、A1等等，大家自己应该多列举一些出来。3：e、g、b是一个和弦，就是3、5、7。该和弦根音是3(音名e)，所以叫E和弦。我就不列举了，大家自己列举吧。4：f、a、c1是一个和弦，就是中音的4、6和高音的1组合起来。根音4(音名f)，所以叫F和弦。注意，这个和弦与上面三个不太一样，这个和弦一定要某一音域的4和6与高一个音域的1组合。比如：F、A、c就是，F2、A2、C1也是，F1、A1、C也是，f3、a3、c4也是。这点一定要注意。5：g、b、d1是一个和弦，就是中音的5、7和高音的2组合起来。根音5，叫G和弦。注意事项与上面一个相同。6：a、c1、e1，是中音的6和高音的1、3组合。根音6，叫A和弦。7：b、d1、f1，中音7和高音2、4组合。根音7，叫B和弦。今天我们讲了和弦的最最基本的知识。我怕一次讲得太多一些初学的朋友没法理解透，以后再慢慢加深吧。吉他乐理基本知识在前面两讲当中，我们用非常通俗的语言讲解了音乐的一些最基本的知识，讲解了音名和唱名的关系，还了解了非常简单的和弦知识。那些内容都是音乐通用知识，在吉他上当然用得到，在钢琴、小提琴、黑管等任何乐器上都用得到。今天我们来针对吉他这门乐器讲一讲和吉他有关的实用乐理。吉他是弦乐器，一共有六根弦，从最细的弦到最粗的弦分别叫做一弦、二弦、三弦、四弦、五弦、六弦，世界上任何的弦乐器都是从细弦开始起算的。吉他指板上与弦垂直的小金属条叫品，从离琴头最近的开始起算，一品、二品、三品等等等等。吉他是十二平均律乐器。在这里我们就引入了一个非常重要的概念：十二平均律。这个十二平均律在乐理上的地位有多么重要呢I以这么说，音乐上如果没有十二平均律，古典音乐就不成其为古典音乐，那就更加不会有现代音乐了。十二平均律在乐理上的地位，就相当于物理学上牛顿的三大定律，就相当于化学上的元素周期律，这么一说大家该明白了吧?十二平均律是这样定义的：把CDEFGAB七个基本音平均分成十二等份，每一等份叫做一个半音，两个半音就是一个全音，C和D、D和E、F和G、A和B之间都相隔两个半音(即一个全音)，而E和F、B和c之间相隔一个半音。如果用图来形象一些表示，应该是这样的：B1(半音)C(全音)D(全音)E(半音)F(全音)G(全音)A(全音)B(半音)c(全音)d从上面可以形象地看出，从C到c一个循环正好有五个全音和两个半音，正好就是十二个半音，和十二平均律的定义是完全吻合的。有兴趣的朋友可以自己在纸上把钢琴上的88个音都写出来，从大字二组的A2依次写到小字五组的c5，把各个相邻的音之间的关系标出来，只要是E和F及B和c之间就是半音关系，其余任何相邻音之间为全音关系。你会发现，每一个循环都是相隔十二个半音，比如从c1到c2，从D1到D，从f3到f4，等等，都是十二个半音，是完全吻合十二平均律的。那么，十二平均律究竟有什么意义呢?它把我们平时的七个基本音扩充成了十二个，在不改变七个基本音结构的情况下极大地丰富了音的表现力。在实际应用中，在钢琴上，你会注意到，钢琴是有白键和黑键的，白键与黑键之间实际就是半音关系。有的白键与白键之间没有黑键隔开，那么实际上这两个白键之间就是半音关系，也就是说，这两个白键就是E和F或者B和a。在吉他上，任何一根弦相邻的品之间就是半音关系。比如：在C大调中，五弦的三品是C，那么根据十二平均律，C和D之间应该是全音关系，那么从五弦三品往上推两个品，五弦五品的音就应该是D，再根据十二平均律，D和E之间也是全音关系，那么五弦七品的音就是E，而E和F是半音关系，那么五弦八品的音是F，依次类推下去。十二平均律是怎么产生的呢?其实十二平均律在两千多年前的中国有已经有了，那个时候中国的音乐体系就已经非常发达，而且与现在全世界通用的七个基本音的体系相当接近(古中国的律制是宫、商、角、徵、羽、变宫、变徵七个基本音)，基本上是十二平均律。但遗憾的是，古中国人没有把这写进音乐理论中，没有形成一套理论，而是完全用感性来进行创作。十二平均律虽然一直在古中国和欧洲各国音乐领域中流传，但并没有形成文字上的东西。直到中世纪以后，欧洲的数学和物理逐步发达起来了，数学上有了微积分，物理上开始研究简谐振动和波动以后，才为十二平均律提供了完整的科学理论论证。巴赫为十二平均律的推广起了不可磨灭的作用，他率先把十二平均律作为理论写进了音乐教材，欧洲社会根据这一理论完善了几十种乐器，这才为西方近四百年的音乐史上提供了强有力的理论依据和器材支持。文艺复兴以后，特别是到了近现代，中国的音乐大大落后于西方，其原因就是我们对律制没有系统的理论支持，因此一方面在创作上没有理论可以遵循，另一方面也没有能够制造出精密的乐器。从历史的经验教训我们可以看出，虽然文艺是感性的艺术，但是也必须有自然科学的支持，必须有以自然科学为基础的理论来支持，一味依感性和灵感收获是不大的。

吉他调音器多少钱一个合适 吉他调音器，又称为吉他音准器，是一种用于调整吉他弦的音高的设备。它通过检测吉他弦的振动频率，提供准确的音高信息，帮助乐手调整乐器的音准。吉他调音器市场上种类繁多，价格也有明显的差异。合适的吉他调音器价格一般在100元至500元之间，具体价格取决于品牌、型号和功能等因素。吉他调音器的价格由多种因素决定。品牌是决定价格的一个重要因素。像市场上知名的吉他调音器品牌，如KORG、BOSS、TC Electronic、Snark等，它们的产品一般价格偏高一些，而且市场口碑较好，主要原因是品牌的声誉和产品的可靠性。调音器的型号和功能也会对价格产生影响。一般来说，功能更为复杂、操作更为方便的调音器价格会相对较高。同样是吉他调音器，不同的型号和功能也有一定差异。传统的吉他调音器一般采用频率计算的方式进行音高判断，不过由于这种方式无法满足用户的需求，市场上也出现了各种新颖的调音器。例如，某些调音器配备了背光液晶显示屏，可以在暗光环境下使用；某些调音器内置了麦克风，不仅可以调整吉他的音高，还可以用来调整其他乐器的音高；某些调音器还可以通过手机APP连接，实现更多的功能。这些附加功能不仅提高了调音器的使用体验，也给用户带来了更高的价格。吉他调音器的价格还受到市场供需关系的影响。市场上吉他调音器的需求量很大，不同消费者的需求和预算也有所不同，因此市场上价格也有一定的浮动。通常情况下，大品牌的调音器价格会相对稳定，但是有时候也会因为促销或其他因素而出现降价。同时，一些新进品牌或者功能相对简单的调音器价格较为亲民，供应量也十分充足。吉他资讯网小编认为，合适的吉他调音器价格一般在100元至500元之间，具体价格取决于品牌、型号和功能等因素。乐手可以根据自己的需要和预算来选择适合自己的吉他调音器。无论是初学者还是专业乐手，一个准确、可靠、易于操作的吉他调音器对于演奏的准确性和音准的保持都是非常重要的。因此，在购买吉他调音器时，建议乐手在理解自己的需求的基础上，选择一个质量好、价格适中的调音器，以满足自己的演奏需求。

弹不好SOLO?没关系!五个强化​吉他​独奏的方法 吉他Solo可以说是吉他手展露自己的最好的方式之一，但对于许多Solo苦手来说却并非如此。那么如何进行演奏或者编配吉他Solo，并让整首歌曲上升到一个全新的层次呢？这个问题着实困扰着许多吉他手。一段不太优秀的吉他Solo会让歌曲显得更加冗长，主要原因并不是你所演奏的音符，而是Solo的结尾。作为一名吉他手在演奏Solo时需要注意演奏段落是处于整首歌曲的哪个段落，过渡段还是副歌？如果你只是单纯的堆积音符，而不考虑音乐的话，演奏还有什么乐趣？所以，是时候丰富一下自己了。你可以跟随下面的几个步骤尝试演奏或者编排Solo，我敢说它们绝对会让你的Solo大幅提升，甚至有可能是你的职业生涯。了解指板上的五声音阶如果脱离小调五声音阶的话，那么很多吉他手可能有点懵。所以大家可以拓宽一下思路，练习下方谱例中的五种不同的音阶。尽管是同一种音阶，但是每个起始音符都不同，这样可以有效帮助你认识指板。找到音符，和弦之间的关系谱例中是一段比较典型的蓝调乐句，使用的和弦为Am7和Dm7。从理论上讲，A小调五声音阶可以完美适用于这两个和弦，但使用不同的音阶会让你听到变化。Am7和弦时使用A小调五声音阶，Dm7和弦时使用D小调五声音阶。Solo与音乐同步这种方式不仅会简化Solo，让你听起来更工整，还可以提醒你音乐当前的进度。这种演奏方式听起来有些随意，但是合理运用则会非常的自然。更有节奏感创造一段酷炫SOLO的最重要因素之一就是在添加音符前来思考节奏。这段乐句就是典型的JohnFrusciante风格，合理运用三连音会让你听来大有不同。速度同样重要流畅快速的演奏同样是Solo中非常重要的环节，比如谱例中的击勾弦式的演奏。这段乐句经常被JoeSatriani使用，听觉上非常的流畅。慢慢练习，注意保证每个音符是清晰的。买吉他关注qq4006735918北京学吉他关注mogubeijing全国学吉他关注mogugc木吉他关注aGuitarCn鼓手关注DrumChina关注本公号好巧，你我都在看！

节拍器对于弹吉他的重要性 我们在弹吉他的时候，尤其是初学者，经常会遇到抢拍或是拖拍的情况，这时节拍器就显得尤为重要了。节拍器是很重要的一个小机器，就连职业乐手和演奏大师在录音或现场都需要这个玩意，何况是我们这种业余小青年。我知道我们版有很多朋友大多练习弹唱，或者加一点指弹。甚至是自学。在下默默看了很多朋友的视频、音频以后发觉，大家普遍节拍有问题：要么明显快，要么明显慢，要么忽快忽慢，甚至可以说没有力度表现。——这好不容录个东西，瞬间就因此变得毫无意义了。以上就暴露出一个弊端——没有使用节拍器的习惯，或者几乎不使用节拍器。你想弹出好听的旋律但若节拍不稳的话，那一切都是白费力气了，更别提去录音、干场子。大家好不容写完作业要么是下了班，所以练琴的时间也很宝贵的，对吧？能让人吸引人注意的，让人随你摆动的，其实首先是节奏而不是旋律，但节拍都不稳，那么神马的都无从谈起。另外你的肩膀是否太紧张？双手是否发抖？手指运行迟钝？弹两三曲下来就感觉不舒服了？——其实这些问题就是节拍不稳的缘故。也许有的人看到这里会问：万一是手指还不够灵活呢？我可以向有这类似问题的朋友解释：因为你还没意识到自己节拍不稳，所以你的整个演奏就没有均匀的呼吸，然后双手和整个脑总会在演奏中无意识的把精力花费在控制节拍上面，导致无法展现你的演奏，一切都表现得较为吃力。如果你从今天开始，有意识的去开着节拍器去演奏或弹唱，有意识的控制自己的节奏，那么当弹吉他变得有呼吸感了，你的双手和肩膀会渐渐放松以后，乐曲的进行就会更加自然和完美。节拍器如何使用？看到这里有人可能会想：把节拍器打开，然后设置好拍子不就行了吗？其实这个问题的答案看你怎么去理解。我的意见是如果你想更加“专业”一点使用节拍器，请继续往下看。在写这篇文章之前，我曾向不同的录音乐手、音乐制作人请教过使用节拍器的问题，他们都不约而同肯定了节拍器的重要性，我得到的答案是：把乐器的声音尽力放大，接着让节拍器的声音刚好盖过音乐。到一个能让你即使在猛烈的演奏中也不会因为听不到节拍器而发生掉拍的程度。我们可以试试用GP5、GP6的节拍器，使用电箱琴的朋友可以将琴接入电脑，带上耳机，这样收到的效果会更好。使用原声民谣的请尽力在相对安静、无人打扰的空间里。那么没有节拍器怎么办呢？很简单，在你能使用节拍器的时候，挪出一只脚跟着节拍器打拍子，然后养成这个习惯了之后，可以使得你的没有节拍器的情况下获得接近节拍器的效果。加上你如果能领悟到呼吸感了的话，那么你的脑里面已经有节拍器了，同时再你的脚打拍子，则会事半功倍。不过请注意：节拍器是随你的音乐终生使用的。即便你的拍子练得足够稳了，但一定不要放弃使用节拍器。节奏的问题绝对要当成一个科目来对待。你不需要担心自己会因为习惯节拍器而变得程序化、机械化，人脑是活的，但你如果实在担心，请主动倒回去参考本文第一点。组着乐队的，或许你会因为有使用节拍器的习惯，能在嘈杂的排练中听出谁的节拍不稳。

现在学乐器晚吗？看他：77岁学​吉他​，80多岁活成励志网红 ... 月入过万、网红、小摊、吉他，这些看似没关联的词，因为他紧密联系在了一起。平遥古城的80多岁武思英大爷，77岁学吉他，现早已成为了励志网红。走在平遥古城县衙街上，一个浑厚的嗓音传来，声音来源处已被游客围得里三层外三层，拨开人群挤进去看到一位耄耋老人，他弹着吉他唱着歌，守着热乎乎的黄煎摊子。不仅弹得一手好吉他，老人还是紧跟时代步伐，智能手机看新闻，微信收款……问及为什么想到弹着吉他卖煎饼，武思英笑说：“一开始没有想太多，没生意的时候，闲着也无聊。年轻人流行弹吉他，我也想试试。”萌生这个想法时，武思英已经77岁了。于是他从古城里一年轻人手里买来了一把吉他，当时花了200块钱。“我很早认识那个年轻人，他家里有好几把吉他，我这把是他那里最旧最便宜的一把，当时也是咬咬牙才买的。”老人说，买吉他那会，他的煎饼生意也不算好，每天最多能只能卖20多元，而这辛苦赚来的钱还要用于平时买菜、做饭、付房租。“可当时我就是看着这个乐器挺喜欢的，以前没弹过，心里就很想试一试看自己能不能学会。”老人年轻的时候在部队呆过，期间曾学过一段时间的手风琴，会识五线谱。自从买了吉他后，每天卖煎饼的间隙，老人总会独自坐在煎饼摊后面，一点一点地摸索着吉他的弹法。“学了2个多月，差不多才能弹完一首完整的曲子，不算很好听吧，但我还是挺高兴的。”也就是从那会起，吉他成了老人每天必然带在身边的“宝贝”。碰上生意不好没有顾客的时候，老人总是安安静静地坐在小凳子上，一个人弹，一个人唱。“我记得有好几次都是因为唱得高兴了，都忘了锅里还做着煎饼，好几锅的煎饼都烤糊了。”“我身上就有一股不服输的劲儿，想做的就一定要做成。我身体还可以，还来得及。”武思英说，年轻时因为要养活家人，忙于生计，没能把音乐的爱好继续下去，现在有了大把时间，他要重拾音乐之梦，“心里还是喜欢音乐，这几天我又买了一把新的吉他，我要继续弹下去。”“只要我还能动，我就坚持做下去。”他说，“人的一生就是要不断奋斗，再晚，都不算晚，再迟，也不算迟。”··········温馨提示·········琴艺学学乐器的一站式平台40+种乐器陪练课，已开设：钢琴吉他小提琴萨克斯长笛单簧管小号二胡古筝非洲鼓小军鼓扬琴琵琶竹笛【免费领乐器陪练体验课】

吉他知识之区别蓝调与爵士 爵士(Jazz),蓝调(blues)对于一般人来说,似乎是那么难分出其不同。以至于三不五时就有人会问“Jazz和Blues怎么分”这类的问题.为何一般人会陷入混淆呢?因为这两者在美国音乐史上是互相影响并融合的而且一般人对於Jazz和Blues的定义都不够清楚.再加上大部分的音乐都是融合了两种以上的音乐类型,以致於对於不熟悉者真是难以分辨.那么如何分辨Jazz与Blues呢?首先我们必须认知到:Jazz和Blues的音乐定义域是不同的.以汽车做比喻,就像手排/自排与四轮驱动/前轮驱动是以不同的定义域来分赖的所以一部车可以同时是自排/四轮驱动,也可以是自排/两轮驱动,也可以是手排/两轮驱动照样:一个音乐他可以是爵士而不是蓝调；也可以是蓝调而不是爵士；也可以是蓝调也是爵士；更可以不是蓝调也不是爵士。接下来为大家简介爵士的认定:A.广义的爵士乐:最广义的爵士乐认定,简单两个字:自由。一个音乐以很自由的方式展现出来,就是爵士。如果有听流行音乐的人,一般歌曲中间偶尔会有一两段Saxsolo基本上那就是很爵士的表现了.广义的爵士,基本上可以包括的范围很广泛。即使是帕格尼尼的小提琴演奏,只要演奏家能很自由的展现出任何东西(任何东西就是任何东西啦,可以是调性的自由运用,音乐要表达的内涵或是演奏家自己要表现出的内涵只要有东西被表现)就可以是Jazz.重金属乐团吉他手来段精彩的吉他solo,也是具有jazz的本质.当然乐曲里有一两段爵士的表现不见得就可以叫做爵士乐.广义来说,爵士乐的定义是没有特别的限制的.所以当一首蓝调音乐以很爵士的手法呈现时,就成为所谓的蓝调爵士在广义的认定下,大概只有1.按谱演奏,100%正确。2.节奏固定,旋律重复无变化，这样的音乐不是爵士了，不过大部分的古典乐属大部分的流行乐属，B.广义的蓝调:蓝调的认定和爵士的有很大的不同。爵士的广义认定可以说是很自由认证的。但是即使是广义的蓝调,都是很技术性的认定什麽是蓝调呢?简单来说,当一首歌以1111-4411-5411这种所谓的12小节蓝调进行作曲,并以蓝调音阶或五声音阶中的音符做旋律,就可称做蓝调当然除了12小节进行,还另外有8,16小节的蓝调进行,同样,也有很多人会使用蓝调音阶外的音做代理.看不懂的也没关系,只要记得(所谓的蓝调,必须有固定的作曲模式,而且能使用的音也只限於几个音符合这两个条件的,就可称做蓝调。所以广义的蓝调认定一句话:以蓝调音阶内的音依照蓝调进行做的曲子:p(我觉得这句话讲了跟没讲一样.ccc)C.狭义的爵士:狭义的爵士定义,很简单只要你能被归类入任何一种爵士乐派,你就符合爵士乐的狭义定义了当然自创一派不是不可以,但是前提是别人要接受你，就像连Fusion有些人都不把他当爵士呢:D.狭义的蓝调:狭义的蓝调,跟狭义的爵士一样简单只要你能被归类到任何一种蓝调乐派中,你就是狭义的蓝调了蓝调乐派有哪些呢?1.DeltaBlues:密西西比三角洲蓝调所谓的街头蓝调,这时期的蓝调以空心吉他和口琴为主要乐器以国内来看,有点像是地下道的老太婆手上拿着胡琴谈着凄凉的曲调国外就是一个老黑人拿着吉他坐在路边:ps:DeltaBlues的大师如RobertJohnson,对於後来的蓝调发展的影响力是非常大的2.TexasBlues:德州蓝调德州蓝调又分两派,一派为countryblues,另一派则比较rock一点countryblues等会在介绍,一般所谓的德州蓝调就是很摇滚的蓝调,如EricCaptain,BonnieRaittT-BoneWalker等等.多早期的RockMusic都是Blues3.ChicagoBlues:芝加哥蓝调,与DeltaBlues的草根味,TexasBlues的火爆味比起来ChicagoBlues是属於舞台上的Blues.与其他蓝调乐派比较起来,ChicagoBlues显得多样化了点当然这跟芝加哥的音乐非常兴盛有关.这样想想就知道分别了:DeltaBlues是一个哀伤的老人在路边拿把吉他想到什麽辛酸就唱什麽.TexasBlues是个小伙子在舞台上大吼大叫,释放青春期的叛逆。ChicagoBlues则是一个艺人做好一首曲子,然後做作广告,宣传,或者到pub表演，其实是跟neworleanjazz很像的立场(责任编辑：乐器学习网)ChicagoBlues的大师如B.B.King号称蓝调之王,够强吧4.CountryBlues:乡村蓝调音乐结合乡村音乐的节奏+蓝调音乐的进行=乡村蓝调与一般的蓝调的悲苦比较起来,CountryBlues是相当轻快明朗的CountryBlues的大师有LightningHopkins此外还有个团体叫CephasandWigins,我也非常的喜欢他们5.RythmBlues:Ramp;B节奏蓝调有听过猫王吗?早期的RocknRoll跟Ramp;B的不同在於,前者是白人唱的,後者是黑人唱的所谓的节奏蓝调就是蓝调音乐和流行音乐的节奏结合的成果11335565lt;-看的懂的就知道我在说啥了,ThisisRamp;B看不懂的去听听猫王,LuckyPeterson,All4one,BoyIIMan吧6.JazzBlues:简单来说就是以爵士的方式演奏Blues其实几乎有一半左右的爵士经典曲目是蓝调,由此就可以知道蓝调对爵士的重要性了.特别是早期的爵士,几乎都是以蓝调为主,直到Bebop後才稍有改变当然一般人不会把他算到蓝调乐派啦,不过这里是爵士版咩Anyway,LousisArmstrong可以唱蓝调,也可以不唱蓝调B.B.King可以弹爵士,也可以不弹爵士。蓝调是爵士的根,爵士却在另一个天地大放异彩。以上就是蓝调和爵士的区别，希望能对你的吉他学习有所帮助。

吉他节奏节拍乱了怎么办 吉他是一种非常受欢迎的乐器，它的音色和拨弦技巧都可以产生许多美妙的音乐。当我们演奏吉他时，有时会遇到吉他节奏节拍乱了的问题。这可能是由于我们的节奏感不准确，或者是我们在弹奏过程中遇到了一些困难导致的。无论是什么原因，当吉他节奏节拍乱了时，我们需要采取一些措施来纠正它，以确保我们的演奏更加准确和流畅。一个有效的方法是练习使用节奏乐器。例如，使用节拍器或节奏器，这些乐器可以帮助我们练习并熟悉不同的节奏和节拍。我们可以先选择一种简单的节奏，并使用节奏乐器进行练习，以便我们能够准确地定位和弹奏音符。通过反复练习，我们可以提高自己的节奏感和弹奏准确度，从而避免吉他节奏节拍乱了的情况发生。我们可以尝试用手指敲击或拍击吉他的桥骨或琴背来锻炼自己的节奏感。这种方法可以使我们的身体更好地感知和掌握节奏，同时也有助于增强我们的节拍意识。在演奏吉他时，我们可以试着在每一个节拍上轻轻敲击桥骨或琴背，以帮助我们保持节奏的准确性。这种方式对于强化我们的节奏感非常有效，特别是当我们没有节拍器或节奏乐器的时候。我们还可以通过练习节拍图案来提高我们的节奏感。节拍图案是一种将不同的音符长度和强调组合在一起的模式。在练习过程中，我们可以选择一些简单的节拍图案，并用吉他进行弹奏。通过反复练习和熟悉不同的节拍图案，我们可以更好地理解和掌握各种节奏和节拍，进而提高我们的节奏感。当吉他的节奏节拍乱了，我们也可以通过使用节拍器应用程序来纠正它。现在，许多智能手机都有各种各样的节奏器应用程序可供下载。我们可以将手机放在视线范围内，并使用节奏器应用程序来指导我们的演奏。当我们感觉自己的节奏不准确时，可以通过观看节奏器应用程序上的指示器来纠正自己的错误。这是一种方便且实用的方法，可以帮助我们及时调整和纠正自己的节奏问题。一个更长远的解决办法是寻求专业吉他老师的指导。一个有经验的吉他老师可以帮助我们识别我们弹奏中的节奏问题，并提供有针对性的练习和指导。通过与吉他老师一起练习和学习，我们可以更全面地提高自己的技能和专业水平，并进一步改善我们的节奏感。吉他节奏节拍乱了是一个常见的问题，但我们可以通过练习使用节奏乐器、用手指敲击吉他的桥骨或琴背、练习节拍图案以及使用节奏器应用程序等方法来纠正它。寻求专业吉他老师的指导也是一个很好的选择。通过不断地练习和学习，我们可以提高自己的节奏感，准确地弹奏吉他，并享受到吉他音乐带来的乐趣。

吉他编曲经验：万能和弦与和弦走向浅析 先来说一下万能和弦，所谓万能和弦就是指大部分流行歌曲所用的和弦进行，这些和弦走向非常悦耳动听，很多歌手都按照这种走向来写歌，包括JAY啊JJ啊什么的……1、万能和弦--它的和声构成是：1级-5级-6级-3级-4级-3级-2级-5级-1级~2、万能和弦的变体--它的和声构成是：1级-3级-6级-3级-4级-3级-2级-5级-1级~3、1-6-4-5加万能和弦--前面是1级-6级-4级-5级，副歌接万能和弦1~相关经验分享：教你用C调1645和弦，写出不一样的歌万能和弦大家都知道了~大大们写歌的时候记得尝试下啊~真的很爽~当然，有些人并不满足或者局限于这种万能和弦，所以，真正到编配和弦的时候需要了解和弦走向！以下以C调为例：1、C——F——G 古典和声优良的正格进行2、C——G ——F 古典和声的禁止进行，但现代和声却用的很多，非常好听。小虎队《爱》，周杰伦《开不了口》等的前奏~~~《我是一只鱼》3、C——G——AM——EM——F——C——F——G 来自己欧洲的经典和声啦。《开不了口》《简单爱》《爱一个好难》《约定》《深呼吸》《光辉岁月》4、C——AM——F——G 美国的经典乡村民谣进行。叶蓓《在却难逃》《纯真年代》5、C——AM——DM——G 乡村进行变化。〈爱〉6、C——EM/G——AM——G——F——EM——DM——G 经典根音下行的悲伤歌曲进行。学友的《祝福》等好象大调就这么多吧~~~~~小调还有些感情色彩，象C ——AM——F——G ，又可以变为C——AM——F—FM——G ，用了一个4级小和弦做色彩处理，效果相当好。这个《人鬼情未了》歌曲的结束~~7、C——AM——F——G ，还可以变为C9——AM9——FMAJ7——G9—G—，也相当有追忆住事的味道~~~如《明天我要嫁给你啦》的前奏，它是F调。但和弦功能和级数是一样的8、C——AM——F——G ，还可以变为C ——AM——F——降B——G ，用了一个降B和弦，为F和G 和弦过渡，典型唯美主义色彩的运用~~~~异常好听~~~齐秦《花葬》，韩红〈家乡〉，周艳泓〈春暖花开》C -F -降B-G 等等9、C--Em7/B--Am7--G7--Fmaj7--Am7/E--Dm7--G9sus4 流行很喜欢用的和弦走向，现代很多歌都是这样的走向例如《好心分手》《菊花台》《挥着翅膀的女孩》《饮歌》 根音走向是1(DO) 7(SI) 6(LA) 5(SO)4(FA) 3(MI) 2(RE) 5(SO) 这个走向就叫做卡农。以上这些经验想必也够大部分人使用了。但是在编曲上，为了让歌曲更加生动化，就要引入和弦外音：多声部音乐中凡不属于和弦结构内的音，均称为和弦外音。和弦外音在促进旋律进行的流动性、构成旋律型，并使声部之间形成丰富的节奏组合，增强和声的色彩与紧张度的变化等方面起着重要的作用。（色彩的意思：渲染情绪的表现形式，有明亮，坚定，柔和，暗淡。）在一定的和声背景上使旋律和声部进行复杂化、音型化的处理，称为旋律音型。和弦外音是形成旋律音型的一个重要因素。其后随着和声概念与和弦结构理论的形成，才将不属于和弦结构内的音称为和弦外音。在音乐创作的发展过程中，由于某些和弦外音成为和弦的组成部分而形成了复杂的和弦结构，例如高度叠置的九、十一、十三和弦等，均由和弦外音演化而成。几个声部和弦外音的同时结合尚可构成各种类型的装饰性和弦或复杂的和音。（二度旋律音程走向叫做级进，二度以上叫做跳进） (声部的意思是：中、低、高音其中每一个音就叫做一个声部。）和弦外音，顾名思义指和弦结构以外的音。它与和弦结构内的音，同时结合而产生。和弦外音，随着和弦的结构变化而变化。和弦外音在所处的和弦内，常属于不协和音（有的外音虽然协和，但仍具有外音的性质），需要解决到和弦音去。不同类型的外音有着不同的解决方式，一般作下行或上行级进解决，但也有的外音作跳进解决。由于和弦外音的位置、意义和作用的不同，一般分为下列类型：[1] 经过音、辅助音、邻音；[2] 先现音；[3] 延留音；[4] 倚音；[5] 自由外音。一、经过音与辅助音 两和弦音之间以级进形态（半音、全音）形成的外音称为经过音。经过音通常发生在弱拍或弱位，其时值一般等于或小于两侧的和弦音，但不可长于它们。经过音可发生在任何声部，但常在外声部；可由自然音构成，亦可由变化音构成。⒈经过音[1] 同和弦间的经过音[2] 不同和弦间的经过音[3] 两个及两个以上声部构成的多重经过音注意：避免经过音构成的平行五度。 (平行五度（parallel fifths）指的是乐曲的两个声部隔开纯五度作平行进行。十五世纪以来，在对位与和声上都规定应避免平行五度之出现。出现平行五度会让曲子的声部感觉降低，感觉好像变成了一个声部一样。因为五度太和谐了。但在现代和声中对平行五度的限制大大减小。而传统和声主要是古典时期和早期浪漫时期的和声进行风格。不是所有的和声中都不能有平行五度。有很多的中国民族风格的作品中，就有意运用平行五度来增加中国民族色彩。)附：在一小节中，若是4/3拍的，是表示以4分音符为一拍，每小节有3拍。在小节中出现的音，你要分清什么是主音，什么是副音，什么是经过音。如67123，其中613是主音，72是经过音。那么，你在配合弦的时候，若是C调，就可以配Am。因为C调的Am和弦音是613，若是12356，你就可以配C和弦，因为2是经过音。像你所说的在一小节中，有345，你可以把4看做经过音。可以配C或G和弦，（C大调时）。C和弦为135，Dm为246，Em为357，F和弦为461，G和弦为572，Am为613，B和弦为属7和弦，它的音为724。知道啦以上的关系，在以后你配和弦时，你就知道，该用什么和弦了。2、辅助音同一个和弦音之间上方或下方二度（大、小）关系的外音称为辅助音。辅助音对和弦音起着辅助和装饰作用。辅助音发生在弱拍，其时值一般是等于或短于两侧的和弦音，而辅助音可出现在任何一个声部，亦可构成助音的变化形式或两个以上声部的助音。[1] 同声部的二重助音[2] 两个声部的双重助音[3] 两个或两个以上声部的多重辅助音两个声部同度时，一个声部保持，另一个声部作助音处理，效果混杂，应尽量避免。避免助音构成的平行五、八度。二、延留音前一个和弦的音延续到下一个不同的和弦内构成的外音称为延留音。延留音有预备、延留、解决三个必经阶段。延留发生在相对的强拍上，延留音需要解决，通常下行二度解决，导音或具有导音性质的音可上行二度解决。延留音的时值一般不超过预备音的时值。延留音的解决音，常处在较留音弱的位置上。三、倚音与先现音⒈倚音没有准备地发生在相对强拍上的和弦外音称为倚音。倚音依附在和弦音上，并级进获得解决。倚音到解决音的节奏，必须是从强到弱。倚音的时值一般与解决音的时值相等，也可长于或短于解决音的时值。倚音可直接级进或跳进进入。倚音可以由自然音构成，也可以由变化音构成。2. 先现音后一和弦的和弦音，提前在前一个和弦的同一声部上出现，并形成的外音称为先现音。先现音处在弱位上。先现音的时值较短，一般不长于前后的和弦音。四、其它外音其它外音可归为两类：一类是级进而来、跳进而去的外音，或跳进而来、级进而去的外音，称为邻音。另一类是跳进而来、跳进而去的外音称为自由外音。邻音：邻音的音响有意外感，具有较强的装饰作用。邻音可以由自然音构成，也可以由变化音构成。邻音发生在相对的弱拍上。和声编配实践步骤为旋律配和声时，可利用和弦外音来增强各声部的旋律化。技术处理：①和弦音间为同度时，可插入助音或自由外音；②和弦音间为大二度或三度时，可插入经过音或邻音；③和弦音间为四度时，可插入连续经过音、邻音或自由外音；④该音同级进行时，前音在节奏上弱于后音时，可作先现音处理。⑤强位上的和弦外音，该音下行（或上行）级进到某和弦音，有预备时，作留音处理，无预备时，作倚音处理。和弦外音分类：理论界对和弦外音的分类及名称颇不一致，一般可按其所处的节拍地位与它所依附的和弦音在声部进行中所构成的关系而分为6类。（一）处于弱拍地位的和弦外音有以下4类：①经过音。位于两个不同和弦音之间使之形成音阶式进行（自然音阶或半音音阶）的音。②助音。介于同一和弦音之间的上方或下方二度关系的音。③先现音。后一和弦的和弦音在前一和弦的同一声部先期出现的音。④换音。或称跳进的助音。它是介于两个不同和弦音之间，与一方构成级进而与另一方构成跳进的音。其中级进引入跳进解决者又称规避音，跳进引入级进解决者又称骈枝音。（二）处于强拍地位的和弦外音有以下2类：①延留音。前一和弦音在同一声部延留至后一和弦所构成的外音，留音需级进解决至和弦音。②倚音。与和弦其他各音同时发声的和弦外音。倚音亦需要级进解决至和弦音。除上述6类外,持续音亦属于和弦外音之列。但不属于旋律音型范畴。一般起保持某种调性功能的作用。19世纪后期的音乐作品中，和弦外音的应用愈趋复杂与自由，包括半音化和弦外音、和弦外音与和弦外音的连接、和弦外音的外音、不加解决的和弦外音等。(三）在音乐分析中，和弦外音分为五种：一、延留音延留音的特点是在拍子的强部位出现，在弱部位解决。关于sus4和弦：自60年代中期开始，人们开始在流行音乐中广泛使用很有特色的sus4属和弦。在Vsus和弦中，四度音总是处在内声部。使用此和弦一般需占用两拍或四拍。前一半时值用于延留，后一半时值用于解决。应该注意，当和弦中出现四度延留音时，三度音不能与四度音同时出现。延留音的装饰解决：延留音可以装饰解决，即延留音先跳到另一和弦音，之后再进行到应该解决的音上，所以也可以叫做迂回解决。二、先现音先音（用a表示）的特点与延留音本反，它是后一和弦的音预先出现在前一和弦中。先现音可以出现在任何声部。但多半出现在中、高声部。先现音出现的位置大多在拍子的弱部。在爵士乐中，先音十分常见。三、经过音经过音用p表示，，是位于两个不同的和弦音之间的外音。两个和弦音借助经过音可以构成级进连接，经过音可以是一个，也可以是若干个连续出现。经过音常出现在旋律声部，此外，低声部也常使用经过音，以便构成流畅的低音进行。四、邻音邻音用n表示，又叫助音，是较和弦音高二度或低二度的音，它出现在两个相同的和弦音之间。较和弦音高的邻音叫上邻音，低的叫下邻音。邻音可以是自然音，也可以是变化音。上下邻音连续使用便构成二重邻音。五、倚音倚音用ap表示，是出现在和弦音之前的较和弦音高二度或低二度的音。根据倚音与和弦音的关系，分为上倚音和下倚音。上倚音下行二度解决，下倚音上行二度解决。上、下倚音连续使用可构成二重倚音。使用和弦外音是丰富旋律以及和声的重要手段，在流行音乐乐和爵士乐中，除了延留音较少使用外，其他几种外音随处可见。和弦外音处理和弦外音就是依附于和弦音和非和弦音，一般说来，和弦外音以妥善解决于和弦音为原则。处理和弦外音的正确方法应该是：将和弦外音处理与和声节奏、和弦连接的处理统一起来加以考虑，其处理要领有三：1、初步确定和声节奏以后，在考虑根据旋律配置和弦及和声功能的同时，考虑和弦外音的处理。例如，假定以一小节一个和弦的和声节奏为依据，先根据同一小节以内多数旋律音的和声内涵，再适当考虑到前后和弦连接的关系，从而初步确定配置的和弦。如果编曲以后发现还有未解决的非和弦音，则不仅要考虑改变某个和弦，有时甚至应从是否要改变整个和声节奏来考虑。2、当在同一和声节奏内相依的若干旋律音显然不可能属于同一和弦音时，一般应将前面的音当作和弦外音（倚音、留音），最后的音当作和弦音（使外音得到解决）。在欧洲音乐中经常可能出现在强拍上的倚音、留音用法，但这类和弦外用法与中国民音乐语言习惯有所不同，应注意正确处理。3、和弦外音一般应该级进解决于和弦音，跳进的音程一般应作为和弦音处理，但有时为了和声进行的功能联系的需要，个别情况也可以例外，即加以跳进解决。特别是有了九和弦、十三和弦以后，和弦外音的处理可以更加自由。五声调式的和弦外音处理另当别论。如何选择和弦在为旋律配和声时，最最棘手的恐怕就是如何选择和弦了。而要决定用什么和弦，就要先知道旋律中哪些可能是和弦音，哪些可能是和弦外音。看似十分简单的问题，其实很复杂，也是和声配的质量好坏的关键问题之一。(1) 经过音经过音就是两个和弦音之间作为过渡的自然音或半音，使旋律更为流畅。(2) 辅助音辅助音是同一和弦音的两次出现之间的自然音或半音装饰，使旋律更富于变化。上述两种和弦外音的单个运用，可以说，几乎每个搞流行音乐的人都知道如何运用。但是它们除了单个运用，还可以多声部同时运用。三个以上声部就可以组成经过和弦。(经过和弦多由平行的六和弦或四六和弦组成) 下面的例子是美国著名的(或者说恶俗的)圣诞歌曲白色的圣诞节片段，标+号的为经过和弦或辅助和弦，请大家自己判断是经过还是辅助。上面标箭头的和弦为倚音和弦，下面将重点讲述倚音。低音声部也是可以运用经过音和辅助音的。(显然辅助音用得很少，因为低音中的经过音给人一种推动力，而辅助音好像原地未动) 上面两例只标出了低声部中的经过音，请朋友们自己找出高音旋律中的经过音和辅助音。很多和弦超出了目前讲的范围，以后的内容会覆盖它们的。小调原位主和弦(i级)之后的低音向下半音进行，在西方流行音乐中非常流行。和弦外音中最容易被忽视的恐怕就是延留音和倚音了，而这两种和弦外音可以说是西方传统和声体系的精华之一，是枯燥的大小调和声体系使和声复杂化的最重要手段，也是浪漫派音乐美丽动人的不枯竭源泉之一。(3) 延留音延留音是前一和弦的和弦音在变和弦时不立刻离开，而是停留一段时间，然后在解决到新和弦的和弦音。这音在前一和弦中，称为“预备”；在新和弦中停留，与新和弦相冲突时称“延留音”，解决到的新和弦音称“解决”。学院派和声写作中，运用延留音的规则是：延留音要解决的那个音，不得在上三声部中与延留音同时出现 (低音声部除外)，因为这样就减弱了解决音的新鲜感，从而降低了延留音的效果。(4) 倚音倚音与延留音唯一的不同之处是倚音没有预备。大量运用延留音和倚音，能使简单的和声进行变得非常丰富。延留音和倚音也可以在多个声部中出现，三声部的平行(如上面白色的圣诞节中箭头指的那个)就形成延留音或倚音和弦。延留音或倚音的解决不一定在本和弦中，也可以在下一个和弦中解决。连续的运用延留音和倚音，可以形成瓦格纳式的“连续不谐和”且有推动力的，典型的晚期浪漫主义音乐。(5)持续低音持续低音是一种，把低音和上面声部的和声进行分开，而低音一直保持同一个音的和弦外音。由于低音是持续音，上面声部的和声就没有了低音，这样也就没法判断低音位置，是原位还是转位了，因此带有持续音的和声，在和弦标记上，只标出和弦功能，而不标原位还是转位，持续音由下面的一横线表示，横线一直拉到持续音结束的地方。我们看到，持续音的引出，是由一个和弦的低音引出的，后面的和声变了，可是低音却还保持原来的音，这就是持续音的用法。我们还发现，上例中的第二个和弦也可以解释为iv级六四和弦，这说明，在和声当中，同一和弦由于观察的方向不同，经常有不同解释，这是很正常的。在实际应用中，并非只有低音可以“持续”，其它和弦音也都可以持续，只是没有低音那么常见而已。正如其它和弦外音一样，持续音也可以在两个声部以上使用，多个持续音就形成了持续和弦。(6)先现音先现音是后一和弦的和弦音在前一和弦中提前出现。先现音通常比较短，不合前一和弦发生冲突。在古典音乐中，先现音是比较少见的，但现在的欧美流行音乐中，先现音往往成为一种主要风格，大量先现音和先现和弦的运用，使节奏不那么呆板，而有生气。(7)跳进的辅助音：当辅助音不是两端都有和弦音支持，而是只有一端有和弦音时，称为跳进的辅助音。和弦外音的分类：和弦外音根据它是与和弦同时出现，还是在和弦之间出现，被分为：强和弦外音和弱和弦外音：强和弦外音：延留音和倚音、持续音。这三种和弦外音和和弦发生短暂的撞击。弱和弦外音：经过音、辅助音、先现音和跳进的辅助音。这几和弦外音是在和弦之间，不同和弦发生撞击。附录：和弦属性：wWW.j961.COm1=CC，即1级和弦，是用来明确调性的。一般大调的歌曲都以它开始，也以它结束。不过在曲子的中间可以尽量少用主和弦，否则老是给人以终止感，乐曲的进行也会很硬。 ­Dm,即2级和弦，是一个很柔和的和弦，它的最重要用途就是放在属和弦即5级和弦之前。而5级和弦则自然要回到1级和弦，所以很容易就形成了2-5-1的进行。这是一个极其常用的进行。 ­Em,即3级和弦，也是一个十分柔和的和弦。音乐的进行中有了她马上就会变得柔美而略带忧伤。1-3-4的进行，也即在C大调中的C-Em-F是一个很常用的进行。乐曲中本来用1级和弦的地方有时可以考虑换成3级和弦，音乐立即就不强硬了。港台音乐中这种手法很常用。 ­F,即4级和弦，大调中的又一正三和弦，属于骨干和弦之一。它十分明亮，让人感觉心胸开阔，有一种一下子“飞”起来的感觉。我们听到的美国乡村乐和描写西部大草原和大峡谷的歌曲都使用4级和弦来表现。1级和弦后面跟4级与跟3级和弦是绝对不同的。 ­G,即5级和弦，大调中的第三个正三和弦，任何一首歌曲都不可缺少。它起着对主和弦支撑的作用。乐曲的终止感就是由5-1这样的进行产生的。当然现代流行音乐特别是欧美音乐中不使用5-1终止的歌曲也很多，这正是流行音乐的特色，但5级和弦作为音乐的骨架和弦仍然不可动摇。 ­Am,即6级和弦，一个中性的和弦，如果把它作为主和弦那就是小调了。歌曲肯定会变得忧郁，悲伤。如果6级和弦出现在大调中的某些部分，那它起到的就是连接不同和弦的作用。6级和弦象一座桥，它前面可以接几乎所有的和弦，后面也是如此。它可以是和弦的进行连贯，不呆板。1-6-4-5是极为常用的进行，事实上就用这四个和弦就可以写歌了。以C大调为例，当6-2进行的时候，6级的最后一拍可以用A（6 #1 3），更加倾向于 Dm  2 4 6Bdim,即7级和弦，在流行音乐中很少用。因为它是减三和弦，有一种向里收缩的紧张感，一般只在某些特定进行中使用，或是为了根音的流动而使用。升降调式记忆法：降调号F 降B 降E 降A 降D 降G 降C7 3   6   2   5   1  4  （全都是降调号）比如：如果是降B调那么 7和3 就是降7和降3升调号G D A E B 升F 升C4 1 5 2 6 3   7  （全都是升调号）比如：如果是A调那么 4 1 5 就是 #4 #1 #5

吉他的阴阳脸跟质量到底有没有一毛钱的关系? 许久以来大家一直都讨论和纠结吉他面板的阴阳脸。不否认，有很多人不喜欢，因为某种程度上确实印象视觉效果，觉得不好看。不过这仅仅是表象，因为我们如果了解阴阳脸的成因就知道，这仅仅是木材切割的必然，而不是做工，质量，材质的问题。不过对于阴阳脸的讨论大部分人也就仅仅是谈论到影响视觉感受为止了，而事实上也仅仅不过如此。还没有见过谁说阴阳脸的面板更容易坏。下图来自一把老马丁下图来自日本的morris两把琴无一例外都是阴阳脸，但是值得注意的是这都是3W+以上的琴。并非来炫耀，只是常识告诉我们，一件商品到了一定的价位，通常质量是没有问题的。如果按照网络谣言说法，阴阳脸面板更容易坏，那么试问这把20年代保留到现在的马丁，和这把2008年产的morris为何至今没有出现任何问题。另外我相信很多琴友手里也有阴阳脸面板的琴，那么各位不妨说说，你们的琴面板是否出现过问题？显然事实说明了，阴阳脸与面板质量是没有一分钱关系的，那么为什么会出现阴阳脸。这是我们平时所使用的云杉面板的原材料。木材加工时，如果对直劈开，那么就不会出现过于明显阴阳脸。但是如果劈开是发生了倾斜，如图。就一定会出现比较明显的阴阳脸。这就是阴阳脸的成因！就算是完全对直劈开，从理论上说也不可能没有色差，只是我们的肉眼能否分辨或者说色差程度我们能否接受，仅此而已。那么大家会问，既然木材劈开会有阴阳脸，为何还要采用这样的工艺？一、从制作层面来说，一把吉他的设计是要把后期使用中琴弦张力，音梁应力，面板背板结合应力，温度湿度变化带来的木材收缩系数综合考虑进去的。那么显然一块整版的适应能力显然不如两块对拼强。所以采用对拼技术。二、色差是必然的存在存在，或大或小而已，因为是同一块木头，对半剖开翻书一样拼接起来，所以向阳角度会有差，采光度不同，就有色差了。三、某些顶级琴有很多别出心裁的设计，或者是制琴师本人的某些偏好可能会采用不来自同一块原材料的开板，甚至用两种或者多种不同材料来制作面板。无图无真相，那么就让大家开开眼界。同样是来自MORRIS的设计，制琴师系列的S-AHUM阿吽～あうん～，面板别出心裁的使用了枫木+Jacaranda对拼。这岂止是阴阳脸？总之，阴阳脸也好，哪怕是多拼面板也好，一般来说质量没有差异。因为木材拼接本身就会有胶合工序。另外内部音梁也给面板提供了良好的支撑。所以，如果你介意阴阳脸影响美观，这个完全尊重并理解。但是阴阳脸跟质量没有一毛钱关系。1、吉他的音色和是否阴阳脸没有直接关系，所以，“阴阳脸音色更有特点”这类说法是没有科学依据的。2、从分子结构角度来看，正常面板比阴阳脸面板更牢固些。国外出现过因阴阳脸导致面板裂开的现象（非干燥引起），但并不意味着阴阳脸一定会开裂，正如上面的那把20年代的马丁000-45，它的主人已经仙去，而它仍健在。3、总之，阴阳脸更多是外观审美的问题，和音色无关。另外，国外知名厂商都会努力避免阴阳脸的色差。最后，网上还有一种对阴阳脸成因的说法，小编认为可以忽略不计：在日常弹奏的过程中，随着温度变化，琴弦振动，会使云杉中的油脂渐渐析出到达表面，虽然不同的云杉颜色略有差异，但总体面板都是从乳白色向蜂蜜色或者橘红色转变。而由于低音弦、高音弦分别处于琴体的左半部、右半部，造成的振动强度会有区别，此外人体抱着琴，受热也不可能是完全均匀的，所以左右两块云杉的油脂析出速度会有区别，造就了所谓的阴阳脸。（来自吉他吧等）

你为什么要拥有一把单板吉他 作为吉他爱好者，如果你现在用的不是单板，请努力去拥有一把，假如你是真心想学吉他。入门期间你可以用合板，但是以后一定要有一把，这样你的吉他水平才会有更大的提高。什么是单板吉他呢？单板吉他即使由一款完整的天然材料做成的吉他面板，因为很多自然生长的木材纹路不定，所以在材质的纹路上就可以初步鉴定。单板吉他的音色听起来通透些，如暮鼓晨钟，余音袅袅。而板吉他是由两块至少两块人工木头强力压制而成的。因为人工压制，合板吉他的纹路很难分辨清楚，而市面上那种五颜六色的大多数都是合板，大概是为了掩盖某些地方的缺陷吧。j961.CoM从面板的共鸣箱口处，侧面而视，可以看出单板吉他是由一块自然木板做成的，而合板吉他只能看出很多层的木质。因为材料的区别，所以单板吉他的结构更加结实，震动效果就更好，共鸣箱的效果自然更加自然了。现在比较畅销的单板吉他的材质大多数采用的是高档云衫木，这种木材的特点是结实干燥，用这种材料的单板音色更加纯正，如果你现在用的是合板吉他，建议你有机会一定要体会一把单板的感觉，这是对自己吉他学习的负责。另外由于木材的特殊性，在吉他保养的时候一定也要注意了，不要把心爱的吉他放在过于潮湿和干燥的环境中。

练吉他之右手的协调练习 左手技术，右手艺术。技术可以慢慢提升，艺术却要经过长期磨练，左手再牛，右手不行，弹出来的东西，永远不是艺术。前面关于左手练习的经验已经有几篇，像24指法等等，这篇经验分享的是22条右手的基本练习方法，新手朋友在入门钱如果每天练习这22条，受益肯定匪浅，其中p、i、m、a一次为大拇指、食指、中指、无名指。

烂货​吉他​手的自救 这个世界上有三样东西是大家公认被远远高估的周杰伦发专辑的速度霍顿的素质烂货吉他手的毅力！那到底怎么个烂法？烂货吉他手学琴的开始往往是因为校园里白衣飘飘的女神。为了吸引女神的注意，抱着买白菜的心态买最便宜的吉他（买吉他还附送一大堆小玩意），报几百块包教包会的培训班。结果是上了几节课，就三天打鱼，两天晒网，遇到了一丢丢困难轻言放弃，刚买的吉他废置只能挂上咸鱼，你还别说，烂吉他手的样子可正配咸鱼的。这种行为就像是直男癌屌丝睡了一个姑娘，发现不是处，立马提裤子抛弃人家。而且最让你头疼的是，有些烂货吉他手连皮毛都没学到，就到处吹牛。恕我直言，“兄弟，你无敌了！”作为吉他爱好者学习与交流的公众号，今天就大发慈悲拯救你脱离烂货的苦海，历经九九八十一难，走向西天取得真经。小编真诚的告诉你：”没事！兄弟你可别气馁啊！那些导致你放弃吉他的困难并不是无法逾越的，你只是烂透了而已!”1手指短小很多人学吉他总是抱怨自己的手又小又短，还肥。在小编眼里，你说这话，就像是脱了裤子、耍流氓。今天给大家介绍一位西班牙著名吉他演奏家、活动家安德列斯赛戈维亚，赛戈维亚是20世纪最伟大的吉他手，由于他的演奏，各国的作曲家才对吉他加以注意，渐渐产生许多吉他独奏曲与协奏曲。可是这位老爷爷的手指也不长啊！乍一看，不就是男人的大猪蹄子吗？感觉这还不够狠，再来给大家介绍一位狠人，这个吉他手没手！他是来自美国加利福尼亚州的音乐家马克戈弗尼，他有个外号叫做“大脚趾”，由于没有手，他只能用他的脚弹琴，在这双灵巧的脚下，吉他声流畅自如、干脆利落，激情澎湃。说句真心话：手指长弹琴确实比手指短好，但是在演奏绝大多数的曲子时，手短的人也是完全可以驾驭的。弹奏吉他主要讲究的是手指的独立性、柔韧性、伸展性、灵魂性，正常人手指长度，经过专业科学的训练，都可以很好的演奏吉他。给大家提两点建议：多拉伸手指，多做爬格子练习购买吉他时，选择适合自己的尺寸，尤其是指板可以选购相对来说比较窄的琴，指板窄了手指就不会太吃力了。2手指疼痛、长茧子弹吉他手疼、长茧子，是初学者必经的阶段。刚开始练琴的小白，按弦的时候，会在指尖留下一条长长的弦印，再加把劲，你的手指就会出现一些小块状的茧皮，同时弹奏时带有轻微的不适感，按老铁的话来说：“是火辣辣的艳遇，好嗨哟！”但是你如果是一个不轻言放弃的人，你的茧皮就会随着练习的程度变大、变厚，最后还TM变色（黑不拉几，莫名其妙，让我想到了灰指甲……）。不过对于有麒麟臂的老哥，这可能是一件好事，因为手够粗糙和硬！就算是这样，老哥们也千万别放弃，因为继续练下去，你的茧会长得越来越完美，有了这层保护，你的手指就不会痛痛了。作为一个过来人，小编深刻清楚手指长茧的麻烦和痛苦，家里的指纹锁都没办法开，只能录脚纹用脚开。（就像谢霆锋那样）但是还是真诚的给大家提两点建议：保证正确的按弦指法。做好钢线的保养，不能有污浊物附在上面，避免对手指产生摩擦伤害。3肌肉无力、关节痛许多初学者弹琴时手指肌肉使不上力，很大原因是因为肌肉耐久度不够，长时间的动作，让手指疲劳、直觉感下降。我们先把练琴和撸铁做一个比较：刚来健身房的小白，肯定是先举轻质量的器材，一个动作做的次数多了，肌肉会感到疲惫。但是当你坚持坚持下去你会发现，你可以举更重的铁了。弹琴也是一样的，忍着，保持一定的锻炼强度，增强手部肌肉的力量和耐力。另一个疑难杂症就是关节痛了，这个问题跟肌肉使不上力是一样的，不断练习，情况就会好转。不过有些老铁练习过度的话，很有可能会产生机械劳损，当发现你的手很疼，几天都好不了时，你就该歇手休息一下，若继续高强度的练习，很有可能会导致肌腱发炎。提两点建议：弹吉他之前，做个手操（不是你想的那个），活动一下手指关节、胫骨。把手浸泡在水里，缓解疼痛。总结出现以上问题时，先检查你的琴手感是否良好。一把好的琴可以使我们的练习达到事半功倍的效果，从源头上降低手不舒服的概率。其次，是心态问题，不要急于求成，毕竟把手练坏了，吉他就弹不成了。最后说一句：梦想还是要有的，除非你真想当烂货。

恰逢情人节吉他弹唱《说谎》,祝大家人艰不拆! 这次说谎是由我们的狐狸老师唱的，这次唱说谎一直是被我逼着赶紧录的，因为狐狸老师的嗓子发炎了，但是总觉得已经过完年了在不整好，我都有点不好意思啦~~所以顶着炎症给唱完了...只不过很巧合的是发这首歌的今天，刚好是情人节.....然后教学视频这一两天应该就会发了，但是有可能会需要付费，2块钱一瓶水钱...你们觉得呢~~可以发表意见，没事没事！我们现在在慢慢做工作上的一些调整和转型，毕竟我们也到了30而立了，必须要做点什么事来应付这些柴米油盐的生活了，如今的生活虽平凡而不简单，因为它会给我们许多压力，年龄也是生活给我们的一个挑战，我们在努力用音乐去战胜他，以后的生活才会更加美好，就像《说谎》里的一句歌词：人艰不拆。人生已经如此艰难，我们应该互相包容扶持。虽然生活的真相就是这样，但我们依然热爱它！所以必须做一些调整了，慢慢把一些东西给放慢，比如说：公众号更新频率或许也会少一点点，以前为了保证每天更为了凑而凑，这样才能更加专注的做好谱和教学，把数量和质量也提起来，所以或许适当性的减负会对唯音悦的发展更有利吧...虽然减负，但我们一直坚持的一些原则还会继续努力坚定着，大家给我们点信心与力量吧~最后祝大家情人节快乐！！！

弹唱基础：白话音乐基础乐理之--通俗讲义 弹唱基础：白话音乐基础乐理之--通俗讲义1、什么是音乐：令人感觉愉悦的声音，就叫音乐。乐者，令人愉快之意。音者，声音也。加在一起就叫音乐。怎么样，比大家想象的包含范围要广阔的多吧，呵呵~~~~在这里说一点题外话，声音的3要素是什么？那本是音质/音色/音量。音量不必多说，小了人们听不清，过大了人体本能的会有生理不适，那么声音的好不好听关键取决于什么呢？是音质！音质的好坏是决定声音是否好听的根本，这就是为什么说好琴是关键的原因，只有你拥有一把好琴的时候你才能真正体会所谓的好声音是什么样的。音色的好坏是建立在音质的基础上的，所以对于乐手（特别是bass）好音质应是第一追求，当拥有了好音质的时候你会发现好音色几乎是唾手可得，比音质不好的琴要追求好音色要容易无数倍。2、什么是音阶：说来话长，很久以前，人们就发现了声音的高低中似乎总有一些音是听起来就像是一模一样，却不在一个高度上，于是人们把任意这样两个音之间的频率计算了一下，又捉摸了很久，终于发现按照频率把这任意两个音之间的频率分成12份，就几乎可以把见到听到过的音乐都鼓捣出来，于是人们把这个发现叫做“12平均律”，于是钢琴出现了，钢琴就是基于12平均律的理论制造的，所以钢琴的每一组键盘（5黑7白）相加就一共正好是12个键，同时人们发现，在音乐中，其实这12个键中只有7个使用率特高，于是人们把常用的7个键做得宽一点并放在一起，另外相对不常用的5个键做的窄一点，放到不碍事的地方且用不同的颜色以避免混乱，这就是钢琴的样子的由来。再往后，人们看到虽然那两个听起来就像是一模一样却不在一个高度上的音中间是隔着12个键，但是毕竟常用的只有7个啊，干脆一省事，就只给这7个音符起了名字。于是就有了大家知道的1234567。问题又来了，这时人们发现，在钢琴上只有34之间和71之间是连续的两个键，而其它的任意两个相邻的常用音符中间都夹着一个不常用的黑键，最后为了大家方便就规定了一些统一的概念，这样就不会糊涂了，比如1到2之间/2到3之间/4到5之间/5到6之间/6到7之间都夹着一个不常用的黑键，也就是说按照12平均律来说，它们之间不是相邻的键，但是谁让那几个黑键是不常用的呢，所以大家还是决定把1到2之间/2到3之间/4到5之间/5到6之间/6到7之间统一叫做全音关系，把34之间和71之间那种完全相邻的关系叫做半音关系。全音也正好等于2个半音相加的总和。但是如何表达音符与音符之间的远近呢？于是就产生了“度”这个概念，比如从1唱到2，一共只有2个音符，从一数到二，于是就叫1和2之间是2度的关系，但是1和2之间原本是有一个不常用的半音的，于是人们规定，两个音是半音关系的它们之间的远近叫做小2度，两个音是全音关系的它们之间的远近叫做大2度，所以1到2之间/2到3之间/4到5之间/5到6之间/6到7之间的远近关系都是大2度，34之间和71之间的远近关系叫做小2度。那么1和3之间呢？从1到3，不管你唱不唱那个2，这个2的音符也事实性的永远夹在1/3之间，出不出声不一定，但它永远存在，所以1和3之间就是3度的关系，同理2和4之间/3和5之间/4和6之间/5和7之间都是3度关系。考虑到半音/全音的问题，最后规定，凡是两个大2度加在一起的3度音都统一叫做大三度，1和3之间/4和6之间/5和7之间就是大三度关系。凡是由一个大2度和一个小2度加在一起的3度音都统一叫做小三度，2和4之间/3和5之间就是小三度关系。再数数看，1到4之间是4度，1到5之间是5度……，那么前面提到的那两个听起来就像是一模一样却不在一个高度上的音中间就是1234567再到一个高音的1，数一数，就是8度关系。同理，如果从2开始往上数23456712，高低的两个2之间也叫8度关系。34567123的两个3也是……，说了这么长，都是为了对音阶概念的铺垫，这些“12平均律”“全音/半音”“度”的概念都是最基础的概念，各位一定要深入地整明白，这些基本概念糊涂，后面的乐理就会越来越难学的啊。好了，该说啥叫音阶了，其实，所谓音阶，就是在任意一个8度以内的音符的固定排列组合，比如，最最常用的12345671的组合，就是一种音阶，67123456就是又一种音阶，以此类推，所谓布鲁斯音阶/爵士音阶/阿拉伯音阶……很多音阶，其实都是在任意一个8度以内的音符的各种固定排列组合。当然，林子大了什么鸟都有，并不是叫8度关系的各种音阶内都一定是8个音符，比如中国的5声音阶就是123561，没有4和7，还有很多音阶模式也是如此。3、什么是调：这也是个比较长的话题，像上一个问题一样也会涉及若干相关概念，且听老妖慢慢道来。人的名字有大名也有小名，音符也一样，人们给音符起了1234567这样的名字以后，发现有很多问题还是表达时容易混乱，于是又给音符起了个大名，1234567分别的大名叫做CDEFGAB。用来对不同的音乐问题做出定义。又规定了一个全世界人民不分种族不分男女老幼唱着都不高不低不费劲的音高作为最核心的一个C,于是就有了个人为规定的中央C的概念，以中央C这个音符为核心的不管往上还是往下的8度之间的音阶，就都规定叫做C调音阶。以此类推，高低之间2到2的音阶，因为2的大名叫做D，所以这样的音阶就叫做D调音阶。高低之间3到3的音阶，就是E调……。下面老妖就把与“调”紧密相关的几个重要的基本概念分别说一说，那么刚才我说的调的概念其实和大家日常接触的调的概念似乎不是很一样，没错，刚才说的是最基本概念。那么大家日常最常遇到的困惑其实是在清楚了基本概念和以下我要讲的几个问题后即可逐渐搞懂。首先，我们只讲最常用的音阶，特殊的以后再说，在最最常用的12345671的音阶组合中，因为最常用，且人类近6成的音乐，可用此音节组合搞定，于是人们给它起了个名字叫做自然音阶。同时给音阶中的起始音和结束音（也就是那两个不同高度的1）起了个称呼叫做音阶中的主音。同时人们发现，12345671的音阶组合在记录音乐时，有不少音乐其实是从6起到6结束，也就是说是67123456的组合，于是人们规定把12345671的音阶组合叫做自然大调音阶，简称大调音阶。把67123456的组合叫做自然小调音阶，简称小调音阶。因为在12345671中主音是1，它的三度音是3，主音和三度音之间是大三度关系，在67123456中主音是6，它的三度音是1，之间是小三度关系，所以，前者叫大调，后者叫小调。比如，以C为主音的12345671的组合就叫做C大调音阶，67123456因为主音是6，它的大名是A,所以67123456的组合就叫做A小调音阶。那么是不是23456712就是D大调音阶呢？不是！因为我们前面提出的排列组合概念是以连续音阶之间的半音关系为基础的，比如12345671的组合，这8个音符之间的连续半音关系是1到2之间是全音/2到3之间是全音/3到4之间是半音/4到5之间是全音/5到6之间是全音/6到7之间是全音/7到高音1之间是半音，也就是大调的组合8个音符之间的连续半音关系是全/全/半/全/全/全/半，也就是说凡是在一个八度内的八个音符之间从低到高是满足全/全/半/全/全/全/半的关系的，就是大调音阶。同理，小调音阶就是在一个八度内的八个音符之间从低到高是满足全/半/全/全/半/全/全的音阶组合。所以23456712不是D大调音阶，23#4567#12才是D大调音阶。大小调音阶之所以听起来很不一样主要是由于主音到3音的大小三度不同造成的，仔细体会一下，大调音阶给人的感觉普遍有一种开放/庄重/大气的暗示，小调音阶则普遍有一种细腻/感性的暗示，所以多数大开大合的音乐，大气的音乐，特别是军乐/进行曲什么的都一定是大调的，流行歌曲中很多比较大气的作品也都是大调的音乐，同比，很多感情色彩十分浓厚的浪漫的音乐就都是小调的，而且在人类的听觉范围内，有一些音域是特别适合某种情绪的表达的，比如C/D/F/G大调就是最适合做激昂/大气/刚性音乐的音域，很多军乐/进行曲/各国国歌就都是这些调式。bE调是最感性的调式，性感乐器之王----中音萨克斯就是bE调的。bB是最适合伤感音乐的音域，蓝调爵士中最伤感的乐器----低音萨克斯就是bB调的。当然这些不是绝对的，只是一种听觉上的趋势而已。大可不必机械的套用，从而进入形而上的误区。4、旋律与和声：凡是以单线条状态连续出现的一段音符，就是一段旋律，旋律有两个必需的条件，一是最少2个获2个以上音符，没有上限；二是连续出现，即不管是多少音符，不管排列紧密还是疏松，必须是连续的单线条状态，不可以有同时重叠出现的音符。满足以上条件的2个获2个以上音符的总称就叫旋律。和声与旋律正好相反，凡是同时重叠出现的2个获2个以上音符加在一起就叫做和声。不过好像大家最常见的名词不是和声而是和弦，没错，和弦是器乐演奏和声时的特殊称呼，严格的说，和声的外延最大，和声包括和弦，和弦的内容本质与和声的内容本质是一样的，只不过是特指器乐罢了，而和声既包括器乐也包括声乐。一个和声中最低的那个音符有个名字叫做根音，最高的那个音符名字叫做冠音。另外也有一种说法，叫做音乐的两个要素是旋律与节奏，为什么在这种理论下不提和声了呢？是这样的，在这种理论上认为，和声其实只不过是同时出现的旋律相互叠加出现的。不必单独在理论上注明。这也是一种很独特的理解。5、三和弦：我们其实常说的和弦（为了大家看上去习惯这一段我基本沿用“和弦”的称呼，少用“和声”这个标准称呼）都是三和弦，只是约定成俗的大家都不写“三”这个字而已。为啥叫三和弦呢？话要从这里说起，在本文第三段落“什么是调”的最后，我们介绍了音域的趋势，其实，就是音阶本身，趋势性也是很明显的。我们还用最常见的自然大调12345671为例，我们知道音阶的主音是1，那么我们先议论旋律，用最简单的连续2个音的旋律来听，以1开始，分别弹出12；13；14；15；16；17；11；仔细对比之，你会发现13；15；11听起来最顺耳，12；14次之，16再次之，17就听着比较别扭了。这就是音符的趋势性，在更仔细的对比13；15；11你会发现，最不打架的是11，但缺少变化，最美的13，但又有些过于情调化，最好听的其实是15的旋律，既有感情又不失气度。我们再用和声理论印证一下，用最简单的2个音的和声来听，以1开始，分别同时弹出12；13；14；15；16；17；11；仔细对比之，你会发现13；15；11；14；16听起来最顺耳，12次之，17还是听着非常别扭的，在更仔细的对比13；15；11；14；16你会发现，11；13的问题和弹旋律时一样，14；16的和弦也有类似的不完美的地方，相比之下最完美的和弦还是15的组合。这样就产生一个概念，在音阶12345671中，与主音最和谐的是五度音5，有人把音阶反过来弹，就是按照17654321的顺序研究，也发现最和谐的是五度音，不过反过来时，主音的五度就变成了4，这不难理解吧。17654321从第一个数到第五个，不就是4了么。于是人们就规定，在音阶中，主音的上方五度音（12345671的那个5）起个名字叫做属音。有主必有属嘛。下方五度音（17654321的那个4）的名字就叫做下属音。从上往下数的属音就叫下属音吧。呵呵~~~~认真的朋友可能这会儿也在拿着琴做刚才的那几种两个音符的旋律和声的对比研究，细心的你发现没有，不管是旋律还是和声，17放到一起就给人感觉很不舒服，总有一种非常别扭的感觉，这就是7这个音的特性，它总是让人觉得不稳定/不舒服，听到它时潜意识里总有一种要找个办法改变它一下的冲动，于是人们也它起了个名字叫做导音，就是一听到它就总是想要赶紧转到别的音符，有一种强烈的引导出其它音符的功能。闲话到此为止，我们接着说三和弦，既然任意同时重叠出现的2个获2个以上音符加在一起就叫做和弦，那么岂不是和弦可以有无数种了？没错。不过人们在多年的实践中总结出来的结论是，绝大多数时候三和弦是最常应用的。那么常说的三和弦到底有什么标准呢？常规的来说它有两个必需的组成条件，一是由三个音符共同组成，二是由任意的一个音符为根音加上这个音符的3度音再加上5度音。比如音阶12345671中135放到一起是三和弦，246也是三和弦，357也是，461还是……那么126是不是三和弦呢？当然是，但为何它只符合条件一，不符合条件二也能是三和弦呢。这就是为什么前面我写到“常规的来说它有两个必需的组成条件”，既然是常规的，就一定有非常规的啦。当然它也有自己的名字，在基础讲义这里我们暂不做讨论。那么大小和弦是怎么分的呢？其实道理和分大小调的原理一样，从根音开始数，刚才不是讲根音+三度音+五度音=三和弦么，那么看看根音和三度音之间是大三度还是小三度，再看看三度音和五度音之间是大三度还是小三度，如果从根音开始数根音和三度音之间是大三度，三度音和五度音之间是小三度，就是说是先大后小，那这样的三和弦就叫做大三和弦。比如135/461就是大三和弦。反之，从根音开始数根音和三度音之间是小三度，三度音和五度音之间是大三度，就是说是先小后大，那这样的三和弦就叫做小三和弦。比如246/357就是小三和弦。同时为了避免混乱，人们还规定，在一个三和弦中，不管音高的位置如何变化，只要还是这三个基本音符，则和弦名称/属性都不变，比如135的大三和弦，根音是1。那么当在乐器上不管用135还是351还是513……的各种由低到高的音符来演奏的时候，只要音符还是这三个音符，哪怕之间差得很远，也还把它叫做大三和弦，根音永远是1。这就是所谓的原位和弦与转位和弦的概念.

吉他初学者如何保持对吉他兴趣 其实在弹一种风格的吉他时间长，都会很乏味，可以试着弹弹别种类型的吉他，比如有时弹弹古典吉他，有时弹弹民谣吉他，你的兴趣会提高的很快，心情不错朋友用民谣高歌几曲，在夜深人静弹几曲古典那该是一种什么样的境界.当然也不是说民谣不能够弹曲子，而古典不能够弹唱，现在我们要搞清楚民谣和古典只是结构不同，音乐形式可是一样的，老鹰乐队弹加洲用了8把吉他，有电声有箱琴有手鼓，用电声和不插 电效果演绎着吉他神话达到吉他演奏的最佳效果!弹民谣木吉他的朋友都会感到弦很硬，时间一长手指就会很劳累，就是磨出很多老茧弹奏时 间过长还是会很累，也是提高木吉他演奏兴趣的一个障碍，下面是我的一些方法，手指疲劳跟吉 他是有一定关系的，首先你要有一把标准的民谣吉他，可以调节指板的，还有要适当调整琴桥和 琴枕的高度，一般朋友用的都是很普通的琴弦，如红棉，或爱理丝等质量都不是很好，如果你经 济好的话可以换一套好的进口的，什么分达，达达里奥等，当然我们也不需要买那么贵的，你可以装普通的电吉他弦20元一套的，你的箱琴装上电吉他弦能够演奏电吉他的技巧，加上电吉他 弦的柔韧度，你可以长时间的练习，但是我要告诉你的是你的爱琴一定音要准，没有狼音，琴桥 要结实，否则就不要装电弦了，琴不好换什么都没用.还有提高兴趣可以玩电箱琴，买个普通的效果器，最好有调原声箱琴效果的东东，还有最好 有鼓机，你会发现在木吉他的世界还有这么多好玩的效果，弹吉他就不会那么枯噪。

广播/10分钟高效练琴方法论，不再为抽不出时间来练琴而烦恼 ... 你是否经常为一天之中抽不出更多的时间来练琴而烦恼？如果你能知道在每天那些琐碎的时间里应该练习些什么，这个问题就会迎刃而解。练琴时间最好固定，形成条件反射，到那个时间就开始练琴，这样不会因琐事和情绪变化而找“借口”不练琴。例如，如果你在工作或者干其他事情的过程中只有10分钟的时间可以利用，你可以做以下练习：1.反复练习一种音阶，10分钟你可以练习50-100遍。2.练习变换和弦。3.反复练习一个你喜欢的乐句。4.听一首歌，并跟着即兴演奏。这种练习有助于提高你的听力和培养节奏感。10分钟可以练习2-3遍。5.反复练习一首你要记住的歌，练习的次数越多，你就会演奏的更好。6.在整个指板上反复练习一条演奏技巧7.随心所欲的演奏一些你听起来很棒的和弦，然后在试图弹奏一些单音旋律，这不但会提高你的听力，而且很可能是你创作一首歌的开始。做任何事情都要有一个计划和攻略，好像旅行一样，提前计划好，写出来。贴在琴上，这样每天我们都可以按照自己的计划去练琴，我们才会进步。建议每天练琴时间就在20分钟到两小时，也不要太久，时间太长是会把人弹崩溃，很容易引发出不想再练琴的想法，所以成人时间也可以缩短不建议太久。以下练习方向可以参考，扩宽自己的思路。1、新课练习2、基础技能练习3、休息时间4、改错练习5、巩固新课练习6、保留曲目练习发挥你的想象力，在琐碎的时间里其实你就会有很多事情可以做。让你的吉他保持在随时待命状态，把他调好放在琴架上而不是放在琴盒里。虽然放在琴盒里比较安全，但是你会发现在有一些琐碎的时间可以利用时，你会去看一小会儿电视而不是去练琴。假如你有一段较长的时间可以利用，可以把以上的练习混合在一块练习，最好制定一个练习计划。记住，琐碎时间你利用的越多，你就会演奏得更好。

怎样突破弹吉他的瓶颈阶段 1、大部分吉他爱好者在学琴的初期接触的都是国内的常见流行音乐，这一类音乐暂且不谈其艺术价值，仅看它们的伴奏技巧和和声安排思路，都是很狭隘的：伴奏节奏型：比如我们在吉他社的课堂上曾经以教学形式列举了10个左右的分解节奏型和10个左右扫弦节奏型，曾经开过玩笑：这大约20个伴奏节奏型绝对可以弹遍全中国95%的流行歌曲。虽然是讲课时候的一句没经过严格数据统计分析的玩笑话，但大致上也确实是这样的情况。和声编配思路：无论是否有良好乐感的人，也总有这样的感受：听过的很多流行歌曲似乎都差不多，虽然歌词、旋律等都完全不同，但整体的感觉总是似曾相识。其实这种情况的一个重要原因就是大部分流行歌曲的和声编配大体雷同。比如我们在弹吉他的时候经常遇见一首歌整体上以C----G----F----C或者C----Em----Am----F----C----G----C再或Am----Dm----G----C这样的和声进行反复循环。虽然从作曲的角度考虑，这样并没什么不妥，因为这些和声都是不错的，甚至象第三个例子完全是依照四度关系来连接的。这样的一些和声进行在和声理论上固然是很好的，给人和谐良好的听觉感受的，但作为一个吉他手，一个乐器的学习者，不能将自己局限在这些所谓的好的东西上。艺术是一种没有绝对正确理论的东西，人的感觉也是很复杂难以用规律来总结的。很多时候一些打破常规颠覆理论的、在古典理论的卫道者开来离经叛道的编曲手法，给我们的听觉冲击是很震撼人心的。从吉他弹唱的角度讲，当你弹过很多歌谱，感觉很腻味了的时候，不妨从节奏型和和弦连接上做一下新的尝试。会有很大的收获!比如尝试一下修改各种基本节奏型，互相糅合成新的节奏型。再比如把一首很熟的歌曲的和弦进行更改其中的一两个，替换一些不常用的和弦甚至违规的和弦。都是不错的选择。长期、大量地做这两方面的尝试，相信你在弹唱手法上会有质的提高：盲目自满，觉得自己弹过的东西已经会了，没意思了。分析：这是最危险的问题，但也是最普遍的问题。我从几个很基础的方面举几个常见例子，大家可以对比一下，是否确实如此。基本和弦的掌握：这里说的基本和弦，指的是吉他常用调C、D、E、F、G、A、bB等调中的各级基本和弦。比如C调中的C、C9、D、D7、Dm、Dm7、E、E7、Em、Em7、F、F大七、Fm、G、G7、Am、Am7等。在比如G调中的G、A、Am、Bm、Bm7、B7、C、C大七、D、D7、D挂留四、Em、E等等。这些最最常用最基本的和弦，你都熟练记忆了吗?也许你看着吉他谱都觉得很熟悉了马上可以弹出来，但如果我只告诉你一个和弦名称，你能马上在一秒钟内按好这个和弦吗?如果你可以了，那么恭喜你，起码你已经掌握了吉他弹唱最最最最基本的需要!再想想，现代音乐以十二平均律为前提，那么十几个调子下的所有这些常用和弦，你都记熟了吗? 注意：就算全部记熟了这些所有调子里的基本和弦，我也还只能说，你已经入门了。。。。。。基本演奏技巧的掌握：勾弦、击弦、滑弦、揉弦、拍弦、自然泛音、人工泛音。。。。。。这些基本技巧你都掌握了吗?勾弦的时候怎样才能不把相邻弦碰响，击弦能不能击出响亮清澈的声音，滑弦能不能迅速滑到指定的品位、揉弦有几种揉法、能否根据歌曲的律动有节奏性地揉弦，拍弦是否干净无杂音且有力度、会不会把右手手指卡进弦的缝隙，自然泛音在民谣吉他上有多少个泛音分布点，不同把位上的泛音点能否干净利落的奏出来，人工泛音是怎么一回事。。。。。。诸如此类问题，你都掌握了吗?如果你都掌握了，那么真的要恭喜你了!起码我能告诉你，你至少有资格到处露两手了。呵呵。不过我再跟着问一个问题：如果闭着眼睛，你的左手还能准确地演奏上面这些东西吗。。。。。。和弦转换和右手控制：这是在吉他社经常提到的问题，我见过的90%的吉他手，不论弹琴多长时间的演奏速度有多快的，只要我问到这个问题，几乎无一例外的不敢再说自己有多牛了。我们只需要看看最简单的、吉他入门学习的前三个和弦的转换问题就可以知道。拿起你的吉他，演奏F和弦转换到C和弦，节奏型选用初学者学习的第一个节奏型53231323，速度大致定在一个很慢的速度--每分钟80拍，然后你仔细检查一下，弹完F和弦最后一个音，转向C和弦时，最后一下我们右手弹的正好是第三弦，听听你的三弦是否真正发出了清澈且时值到位的声音?如果你觉得这个很简单，那么你再试试开放的Am和弦转向第三品的大横按G和弦，是否还那么轻松?如果你仍然觉得很轻松，那么你再把右手的分解节奏型用扫弦节奏型来代替，再听听，转换下一个和弦的时候，前一个和弦的最后一下扫弦你真的扫出来的是和弦音而不是换和弦时中间的临界真空状态吗(就是手放开了，空弦然后是右手控制。你的右手还在不分哪几根弦的做任意全面扫弦吗?或者你一直坚定不移地只扫下面四根弦?如果上面讲到的那些问题你都觉得没问题了，那么该重新审视你的右手扫弦意识了!注意：是意识!音乐是感觉的艺术，我们以敏锐的意识，通过细致的细节演奏来表现这些不同的感觉。首先要明确，吉他的六根弦由一弦到六弦在音高上是由高到低的，而高音的明亮和低音的沉稳显然是给人不同感受的。那么我们在扫弦的时候必须尝试在不同的区域扫弦产生的效果。比如，按好一个Am和弦，右手握好拨片，分别在六五四弦、五四三弦、四三二弦、三二一弦来演奏一个固定的节奏型，体会不同区域演奏的效果区别。当然，这种三个弦三个弦在一起的区域划分只是一种，你完全可以再尝试两根弦两根弦的划分、四根弦的划分等。记住这些不同的区域的声音效果的感受，然后在实际演奏中去实践它们。还有很多细节问题，比如扫弦的不同力度下的不同效果、分解和弦不同力度的不同效果、击弦、勾弦在不同力度下的不同效果等等。这些你都掌握了吗一定要改正高手高在速度和技巧数量上的错误观念!真正的高手是能细致入微的熟练表现最基础的东西的人克服了这写问题，我相信你的吉他水平又会得到很大的提高了

Guitar pro的详细使用教程【图文】 图中1部分是可以算是播放控制区。最左边的播放按钮，用软件导入GTP谱子，点击播放就能听到曲子的音乐了，至于后面几个按钮自己试试就知道是干什么用的了。图中的2部分我认为是这款软件最强大的功能之一了。上面有个吉他指板标志的按钮，点击一下，就能看到吉他谱对应的指法，每播放一个音，在图上就会显示对应的品位和弦的准确按法。如图所示，旁边是钢琴的指法，完全是傻瓜式的操作，很容易就能学会。图3是显示吉他谱的位置。软件上的吉他谱有三种显示的方式：仅五线谱、仅六线谱、五线谱和六线谱共存。这个在任务栏的“显示”里可以设置显示哪种吉他谱，这也是这个软件的一个亮点。那个黄色的光标是指目前所在的编辑位置，也是播放时的开始点。图4是音轨部分，我感觉这个地方你自己只要稍微点着试试就知道其功能和奥妙所在了。最重要的还是吉他谱和吉他谱的按法两个部分，就凭这两点，Guitar pro 5.2不愧是吉他爱好者必备的软件。希望吉他朋友们的吉他水平更上一层楼，准备入手吉他的朋友看看本站首页推荐的高性价比吉他，早日步入民谣吉他的大家庭。（本人水平有限，不足之处还请多多指教）

民谣吉他的练习技巧 如何减轻民谣吉他练习中的伤手问题弹民谣吉他，尤其是弹和弦的时候，手指至少有80%的时间按在弦上，承受的压力强度很大，所以不可避免地会出现伤手的问题。虽然对于经常弹吉他的人来说，指尖长期保持的茧可以起到保护作用，但是很多人并不能保证有足够的时间练琴，虽然练了一段时间之后手指会起茧，但是一段时间不弹之后，茧会逐渐消失，开始弹琴又面临同样的问题。如何减轻吉他伤手，可以从两个方面考虑：一是降低手指压力，二是增大接触面积。下面四种方法就是这两个方面的具体体现：(一)减小琴枕和琴码的高度大多数吉他的琴枕和琴码的高度偏高，这是厂商为了避免出现打品问题而采用的保险方法。但是对于弹吉他的人来说，如果能尽量降低琴枕和琴码的高度，让琴弦离品丝更近一点，那么按弦时的手指压力就会降低。根据力学原理，在弦长变化很小的情况下，琴弦与手指之间的压力与琴弦被按下的距离成正比，如果琴弦与品丝的距离能够减少一半，那么在同样位置的压力也大约可以减少一半。那么，琴弦的高度到底可以降低到什么程度呢?对于琴枕的高度，因为琴枕和所有品丝的性质实际上是一样的，所以它的凹槽最深处与所有品丝的顶缘可以位于同一平面上。衡量这一点有一个很简便的方法：在高品位把琴弦按下，看看低品位的琴弦是否与品丝之间是否还有空间，如果有，说明琴枕还可以降低，一直降到没有空间为止。对于琴马的高度，主要受两个方面的影响：一方面，品丝的整齐性越好，打品的风险越小，琴马的高度就可以越小;另一方面，琴弦越细，越不容易打品，琴马的高度也就可以越小。根据经验，在品丝的整齐性接近完全平面的情况下，在第12品处，琴弦与品丝的距离可以降到2-3毫米。降低琴枕和琴马可以采用砂纸打磨底部，或者用锯条和小刀把弦槽挖深。无论采用哪种方法，都要注意循序渐进，不可矫枉过正。(二)降低琴弦的音调在采用标准音高的情况下，琴弦的张力是比较大的。降低音高也是减轻琴弦张力的一个办法。有科学研究表明：琴弦的张力与频率的平方成正比，那么，在琴弦的音调降低大二度的情况下，频率大约变为原来的倍，那么张力就变为原来的倍。所以，在平时练习的时候，可以八音高降低小二度或者大二度，以降低琴弦的张力，达到减轻手指压力的效果。在需要标准音高的时候，也不用把弦调回去，直接用变调夹就可以。虽然降低琴弦的张力会导致音质的细微差别，但是在非正规场合，也不失为一个选择。(三)用尼龙弦代替钢弦从粗细来看，尼龙弦的一弦和二弦明显比钢弦的一弦和二弦更粗，按弦的时候与手指的接触面积更大，可以明显减小手指的不舒适感。从张力来看，由于材质特点不同，在相同的长度和音高下，尼龙弦的张力比钢弦的张力要小，所以，虽然其他几根弦的粗细度尼龙弦不占优势，但是张力减小了，带来的效果类似于第(二)种方法。如何把尼龙弦装在民谣吉他上呢?由于民谣吉他本来是专门为钢弦设计的，所以装尼龙弦可能会比较困难，尤其在琴马处，如果对尼龙弦末端打结，模仿钢弦的上弦方法，在标准音高时会对定位栓造成巨大的压力，可能会把定位栓顶出来。采用一些变通的方法可以解决琴马处尼龙弦的定位问题，步骤是：(1)把所有的钢弦卸下来。(2)把每根尼龙弦从琴码上对应的孔穿进去，然后把手从音孔伸到共鸣箱中，把六根弦全部从音孔拉出来。(3)准备好一根铅笔(或者其他类似物体)，长度要比琴马处一弦与六弦的距离长2-3厘米。把每根弦用类似于古典吉他的缠弦方法缠在铅笔上。刚缠的时候比较松，容易从铅笔两端脱出，可以用透明胶带固定一下。(4)一边把缠好弦的铅笔从音孔送到共鸣箱中，一边把所有琴弦的外面一端往外拉，使铅笔位于共鸣箱中靠近琴马的位置。然后揭掉透明胶带，调整好铅笔的位置和每根琴弦缠绕在铅笔上的位置。注意：调整的时候要尽量把琴弦外端拉紧，必要的时候可以每根弦缠一个重物，以解脱一个手。(5)把每根弦的外端拉到琴轴处，从轴孔穿过去，尽量拉紧，然后在末端尽量靠近琴轴的地方打节，确保琴弦不会从琴轴脱出。最后把每根弦拧紧，达到需要的音高。在民谣吉他上缠尼龙弦时，琴轴处可能会出现一个问题：由于尼龙弦的弹性比较大，要达到标准音高，需要在琴轴上缠好多圈，比较费时间，所以需要较大的耐心。(四)在手指尖上贴胶布在一次性练习时间比较长的情况下，不妨可以用贴胶布的方法达到保护手指的效果。首先把胶布剪成长约1.5厘米、宽约0.5厘米的长方形，一共剪三块。然后把每块胶布横向贴在食指、中指和无名指的指尖上，就可以弹奏了。在按和弦的情况下，小指的使用机会比较少，所以不用贴。如果要更大限度地保护手指，还可以纵向再贴一块胶布。

吉他推弦的步骤是如何的 推弦是一种吉他的表现技法。在吉他谱中通常以C或B表示。不少吉他的爱好者对于推弦掌握的都不是很好，今天小编跟大家介绍吉他推弦的技巧，希望大家喜欢!推弦步骤(1)正确的推弦动作发力在手腕、而不是手指。因此要学会利用手腕、而不仅是手指的力量。这样不仅省力，而且更容易对推弦音进行控制。(2)推弦过程中，推弦手指的各关节要尽可能地保持在相对固定的曲度(绷住)，提高腕部动作的效率。开始练习可能会觉得不自然，但熟练后就好了。(3)为能使推弦动作变得容易一些，主推指以前的其他手指可以一同在后边协助推音(食指推弦时除外)。推弦的基本技巧推弦一般最常用的是无名指推弦，一些没有经过正规训练的同学在推弦的时候，只用一个手指，这样会产生推弦力度不够，杂音很大的现象，之所以出现这些问题，就在于推弦的基本手型，如果我们的推弦手型不正确，就会导致出现严重的问题，而使这种推弦技巧在演奏中无法应用，所以在学习推弦技巧之前，推弦手型的正确与否是成功的关键。在无名指推弦的时候，中指和食指要做两种不同的工作来辅助无名指的推弦，中指要按在无名指所在琴品下方一格的琴品上，在无名指推弦的时候，中指也同时进行推弦运动，用这种运动来增加无名指的推弦力度，食指要斜着虚按在推弦所在弦及上方的两根弦上，用这种动作来消除推弦运动所造成的，上方两根弦的噪音，在推弦的时候，这三个手指，哪一个出现问题，都会使推弦技巧产生严重的问题，所以我们在做正式推弦技巧之前，一定要做这三个手指的配合练习，当配合相当默契的时候，才能准确的完成各种不同的推弦技巧。另外，推弦时手指的力量也是能否准确掌握这种技巧的关键，特别是在进行长音推弦的时候，如果我们足够的推弦力量就不能准确的保持所推上去的音高，在以后推弦加柔弦的技巧中，如果手指没有足够的力量就根本无法完成这种技巧，所以培养推弦时的手指力量，也是我们进行基本推弦训练时，应必须完成的训练项目。练习时，可用推弦保持的方法来训练自己手指的力量，当我们把一个音推弦一定的音高时，我们可以进行1～2分钟的保持练习，检查自己手指的力量是否能完成这样的练习，开始时可能非常困难，但经过一段时间的练习之后，手指的力量就可以逐步适应这种练习。当我们具备足够的手指力量时，才能完成各种不同的推弦技巧。(4)要注意体会，推弦时手部的运动是以图例中食指外侧与琴颈相接触的G点为类圆心的三角形底边运动。无论当你用任何手指推弦时，食指的外侧都可以靠在琴颈的侧边作为支点。

电吉他用调音器怎么调 电吉他调音器是一种非常常用的乐器配件，可以帮助吉他手在演奏过程中调整吉他的音准。准确调音对于演奏乐曲的完美呈现至关重要，因此使用调音器是吉他手们必备的技巧之一。下面将介绍一些关于如何使用调音器调整电吉他音准的方法，以帮助吉他手们更好地掌握这一技巧。我们需要了解调音器的类型和工作原理。常见的调音器主要分为电子调音器和声学调音器两种。电子调音器通过检测吉他的震动频率来确定音准是否正确，而声学调音器则通过麦克风接收吉他的声音进行分析。无论是哪一种调音器，它们的基本原理都是通过识别音频信号的频率来判断音准是否正确。在使用调音器之前，我们首先需要确保吉他的琴弦已经正确安装。如果琴弦没有正确安装，无论怎么调音，都难以达到准确的音准。安装好琴弦之后，我们可以开始使用调音器进行调音。使用调音器调音的第一步是将调音器固定在吉他的头部。通常，调音器会带有夹子或者磁性吸附功能，可以轻松地将其固定在吉他的头部。确保调音器与吉他的接触牢固，这样才能准确地接收吉他产生的震动或声音信号。调音器的显示屏通常会以一个仪表盘的形式展示当前音准的情况。在使用调音器进行调音时，我们需要根据显示屏上的指示来调整琴弦的张力。一般来说，调音器的显示屏会以一个指针或者LED灯的形式展示当前音准的状态。在正确音准的情况下，指针或者LED灯会指向屏幕的中央位置或者变为绿色。而当吉他的音准偏离正确的情况时，指针或者LED灯就会偏离中央位置或者变为红色。这时，我们就需要根据调音器的反馈来调整琴弦的张力。根据调音器的反馈调整琴弦的张力有两种基本方法，分别是向上调弦和向下调弦。当调音器指示的音准偏高时，我们可以通过向下调弦来减小琴弦的张力，使得琴弦的频率降低，从而达到正确的音准。具体而言，我们可以通过拧转吉他的调音键来调整琴弦的张力，直到调音器显示的音准达到正常水平为止。同样地，当调音器指示的音准偏低时，我们可以通过向上调弦来增加琴弦的张力，使得琴弦的频率升高，从而达到正确的音准。调整琴弦张力的具体方法与向下调弦相同，可以通过拧转吉他的调音键来实现。需要注意的是，在调整琴弦张力时，我们只需要进行微调即可。过度调整琴弦的张力可能会导致琴弦突然断裂或者琴颈弯曲，从而影响吉他的使用寿命。除了基本的调弦方法之外，还有一些高级的调整技巧可以帮助我们更精确地调整吉他的音准。例如，我们可以使用开放弦进行调音。开放弦是指未按下任何品位而直接弹奏吉他产生的声音。通过与调音器的反馈对比开放弦和按品位弦的音准，我们可以更准确地调整吉他的音准。另外，我们还可以使用调音器配备的音准调整功能来调整吉他的音准。一些高级的调音器可以根据不同的音乐调性和音高进行自动调整，从而帮助吉他手更方便地调整吉他的音准。吉他资讯网小编认为，使用调音器调整电吉他的音准是一项基本功，需要吉他手们耐心和细致地进行调整。通过选取合适的调音器，正确固定调音器，根据调音器的反馈调整琴弦的张力，以及灵活运用一些高级的调整技巧，我们可以更好地掌握电吉他调音的技巧，从而为吉他演奏带来更加精彩的表现。无论是练习还是演出，都需要保持良好的音准，只有如此才能真正达到音乐的魅力。

吉他拨片要怎么用_拨片如何选择_吉他拨片对音色的影响 在吉他弹唱与solo中，拨片都是非常重要的，好的拨片不仅使用起来舒服，对于弹出来的音色也会有非常大的影响。在不同的使用场景中，使用的拨片也各不相同，比如在吉他solo中一般会使用比较硬的拨片，而在吉他弹唱中一般会使用比较软的拨片，所以在吉他中拨片还是有比较大学问的，不同的软硬程度，不同的材质都会对音色产生影响，下面小编就带了关于吉他拨片的一些小知识，希望对小伙伴们有所帮助，那我们就一起来看看吧！吉他拨片种类一般吉他拨片按软硬程度分为四种：软 (Thin) 0.46-0.58mm 适合用于木吉他扫弦弦。其效果整齐富有层次感中 (Medium) 0.58-0.72mm 适合用于木吉他分解和弦及solo。其效果清澈透明，颗粒感强硬 (Heavy) 0.72-1.2 mm 适合用于电吉他中的重金属节奏。器效果粗狂奔放充满活力。超硬 (ultra-Heavy) 1.2-1.6 mm 适合用于电吉他中死亡的重金属节奏。其效果威猛，富有排山倒海之势。吉他拨片如何选择拨片的厚度各有不同，一般扫弦的话建议是选择0.5mm~0.8mm厚度的拨片。初学者的话，司南君建议是越薄越好，毕竟薄的一点的拨片，你练习的时候不会太难听，防止因为难听而失去信心。另外吉他拨片，每天接触琴弦的话，磨损的会较快，有条件的同学可以选择品牌的哦。不然拨片磨损过快，会影响手感，手感不好的话，就又有了一个偷懒不练琴的借口，司南君可不允许哈。吉他拨片有哪些握法握拳型持法：　　1、右手手型像轻轻的握一枚鸡蛋，把拨片放到食指左上能让拨片保持最平衡状态下的位置。　　2、用拇指指纹最中心按住拨片最平均的正中心。　　3、拇指与食指不是把拨片死死捏在手里的，而是在拨片处在似掉非掉的状态下演奏，这样拨片愉快的“颗粒感”仍在，且右手处在最放松的状态。OK型持法（用大拇指把吉他的拨片压在食指的侧面，成类似OK的手势，但是大拇指和食指处成侧压）：　　1、伸出你的右手食指，并且让它稍微自然的弯曲。　　2、将吉他拨片放于食指的顶端，继而将大拇指的第一个指关节压住它，注意，拨片的尖端需要露出约3毫米。提醒一下，食指不要向内弯曲太紧，拇指应该尽量放松，以两指既能够夹住拨片活动自如而拨片不会滑掉为宜。　　3、用你的右手做出一个OK手型，放松所有手指，保持手势就好了。（现在你的拇指跟食指的指头面应该是贴着的，这是我们平时做的OK）。　　4、把拇指面移动到压着食指侧面，注意不要超出食指的第一节骨（即在食指指甲位置侧面）。　　5、用你的左手拿出一块PICK，插入右手的拇指和食指间，拨片尖对全食指尖。　　6、把拨片尖向拇指方向偏转20度左右，此时你的拨片尖离拇指大概还有70度距离。好了你做到了。　　拿吉他拨片的时候不要捏太紧或是太松,太紧会使手部僵硬，从而降低灵活度,太松了会容易掉；当你使用吉他拨片熟练之后，可以自由发挥，调节拨片的角度、力度能变换出不同的音色。吉他拨片扫弦方法1、拿拨片的姿势不能够太直触弦，要有点角度的倾斜，拨片不要和太深入琴弦里稍微拿出来一点，保持能接触到的程度就好，否则太深入的话会影响扫弦速度。2、练拨片要先练习分解和弦，先对每根弦一上一下的练，等拨片熟悉了弦的位置，再来进一步联系。3、练习拨片的时候最好能结合上拍子，开始就用脚来当拍子，先练习扫下面三根弦，再往上拨弦上三根。熟了之后，按拍子练2/4,3/4,4/4，慢慢熟练即可。4、拨弦的力量一定不能够太大，刚开始练一定要轻轻的。记住，练扫弦就是练节奏，最好用节拍器，你的节奏好了，扫弦自然就好了。好啦，以上就是小编收集的关于吉他拨片的一些小知识啦，选择对的拨片不仅使用起来舒服，演奏出的音乐也会更加地动听，希望上面的知识能帮助到有需要的小伙伴，那么我们下一期再见吧，拜拜！

吉他和弦弹奏有什么知识 吉他换和弦是没有过多的技巧可言的，对于新手而言，对于吉他和弦的相关知识还不了解，下面就是小编为大家整理的吉他和弦弹奏知识，希望对大家有所帮助!吉他和弦弹奏技巧1.如果变换的2个和弦属于相同指型的和弦，则保持指型不变来移动手指。如：Am--E--Am这样的练习，Am和E和弦的指型完全一样，只是按的弦不同而已，在变换和弦的时候，3个按弦的手指应该保持原有指型来移动，而不要分开一个一个移动，这样就不容易错同时变换速度也比较快。类似的和弦变换还有Em--A9等。2.和弦切换的时候，能不移动的手指尽量不要移动。如C-Am--C这样的练习，在变换的时候，食指始终按在2弦的1品上没有变动，所以只需要移动另外2个指头就可以了，而食指不要松开。这样，有一个基准手指作为参照，其余移动的2个手指也不容易出错。类似的还有Am-D7,C--F大7,G7--Dm等。3.当2个和弦之间没有什么共同点的时候，尽量先移动要按根音和低音弦的手指，再移动按高音弦的手指。这个原则的解释，是因为我们右手弹奏分解和弦时，常常是先弹根音和低音弦，后弹高音，这样在变换不能一步到位的时候，可以尽量避免左右手的冲突。这一条的理解很简单，但是不是绝对的，因为有的分解型是从高音弦开始的，那就要根据实际情况改变了。但是，在变换不及的时候，先按住了根音总是好的。这3条原则应该结合起来练习，比如C-F大7的练习，首先应该遵循第2条的原则，保持食指始终不用松开;而剩下2个手指的移动，则应遵循第一条原则，以相同的指型来移动。和弦的功能流行音乐中一般只讲大调的和弦而很少把小调单独作为一种调式重新定义和弦，因为流行音乐中关系大小调和弦共用的现象十分普遍，如果用经典和声学解释会颠来倒去搞不清。下面我们用C大调来举例。基本和弦共7个：C，Dm，Em，F，G，Am，Bdim.分别是1，2，3，4，5，6，7级和弦。1，4，5称正三和弦，2，3，6称副三和弦。7级和弦在流行音乐中极为少用。1级和弦也称主和弦，4级和弦也称下属和弦，5级和弦也称属和弦。1 C，即1级和弦，是用来明确调性的。一般大调的歌曲都以它开始，也以它结束。不过在曲子的中间可以尽量少用主和弦，否则老是给人以终止感，乐曲的进行也会很硬。2 Dm，即2级和弦，是一个很柔和的和弦，它的最重要用途就是放在属和弦即5级和弦之前。而5级和弦则自然要回到1级和弦，所以很容易就形成了2-5-1的进行。这是一个极其常用的进行。3 Em，即3级和弦，也是一个十分柔和的和弦。音乐的进行中有了她马上就会变得柔美而略带忧伤。1-3-4的进行，也即在C大调中的C-Em-F是一个很常用的进行。乐曲中本来用1级和弦的地方有时可以考虑换成3级和弦，音乐立即就不强硬了。港台音乐中这种手法很常用。4 F，即4级和弦，大调中的又一正三和弦，属于骨干和弦之一。它十分明亮，让人感觉心胸开阔，有一种一下子飞起来的感觉。我们听到的美国乡村乐以及描写西部大草原和大峡谷的歌曲都是使用4级和弦来表现的。1级和弦后面跟4级与跟3级和弦是绝对不同的。5 G，即5级和弦，大调中的第三个正三和弦，任何一首歌曲都不可缺少。它起着对主和弦支撑的作用。乐曲的终止感就是由5-1这样的进行产生的。当然现代流行音乐特别是欧美音乐中不使用5-1终止的歌曲也很多，这正是流行音乐的特色，但5级和弦作为音乐的骨架和弦仍然不可动摇。6 Am，即6级和弦，一个中性的和弦，如果把它作为主和弦那就是小调了。歌曲肯定会变得忧郁、悲伤。如果6级和弦出现在大调中的某些部分，那它起到的就是连接不同和弦的作用。6级和弦象一座桥，它前面可以接几乎所有的和弦，后面也是如此。它可以使和弦变得连贯、不呆板。1-6-4-5是极为常用的桥段，事实上就用这四个和弦就可以写歌了。7 Bdim，即7级和弦，在流行音乐中很少用。因为它是减三和弦，有一种向里收缩的紧张感，一般只在某些特定进行中使用，或是为了根音的流动而使用。民谣吉他的练习技巧(一)减小琴枕和琴码的高度大多数吉他的琴枕和琴码的高度偏高，这是厂商为了避免出现打品问题而采用的保险方法。但是对于弹吉他的人来说，如果能尽量降低琴枕和琴码的高度，让琴弦离品丝更近一点，那么按弦时的手指压力就会降低。根据力学原理，在弦长变化很小的情况下，琴弦与手指之间的压力与琴弦被按下的距离成正比，如果琴弦与品丝的距离能够减少一半，那么在同样位置的压力也大约可以减少一半。那么，琴弦的高度到底可以降低到什么程度呢?对于琴枕的高度，因为琴枕和所有品丝的性质实际上是一样的，所以它的凹槽最深处与所有品丝的顶缘可以位于同一平面上。衡量这一点有一个很简便的方法：在高品位把琴弦按下，看看低品位的琴弦是否与品丝之间是否还有空间，如果有，说明琴枕还可以降低，一直降到没有空间为止。对于琴马的高度，主要受两个方面的影响：一方面，品丝的整齐性越好，打品的风险越小，琴马的高度就可以越小;另一方面，琴弦越细，越不容易打品，琴马的高度也就可以越小。根据经验，在品丝的整齐性接近完全平面的情况下，在第12品处，琴弦与品丝的距离可以降到2-3毫米。降低琴枕和琴马可以采用砂纸打磨底部，或者用锯条和小刀把弦槽挖深。无论采用哪种方法，都要注意循序渐进，不可矫枉过正。(二)降低琴弦的音调在采用标准音高的情况下，琴弦的张力是比较大的。降低音高也是减轻琴弦张力的一个办法。有科学研究表明：琴弦的张力与频率的平方成正比，那么，在琴弦的音调降低大二度的情况下，频率大约变为原来的倍，那么张力就变为原来的倍。所以，在平时练习的时候，可以八音高降低小二度或者大二度，以降低琴弦的张力，达到减轻手指压力的效果。在需要标准音高的时候，也不用把弦调回去，直接用变调夹就可以。虽然降低琴弦的张力会导致音质的细微差别，但是在非正规场合，也不失为一个选择。(三)用尼龙弦代替钢弦从粗细来看，尼龙弦的一弦和二弦明显比钢弦的一弦和二弦更粗，按弦的时候与手指的接触面积更大，可以明显减小手指的不舒适感。从张力来看，由于材质特点不同，在相同的长度和音高下，尼龙弦的张力比钢弦的张力要小，所以，虽然其他几根弦的粗细度尼龙弦不占优势，但是张力减小了，带来的效果类似于第(二)种方法。J961.cOm如何把尼龙弦装在民谣吉他上呢?由于民谣吉他本来是专门为钢弦设计的，所以装尼龙弦可能会比较困难，尤其在琴马处，如果对尼龙弦末端打结，模仿钢弦的上弦方法，在标准音高时会对定位栓造成巨大的压力，可能会把定位栓顶出来。采用一些变通的方法可以解决琴马处尼龙弦的定位问题，步骤是：(1)把所有的钢弦卸下来。(2)把每根尼龙弦从琴码上对应的孔穿进去，然后把手从音孔伸到共鸣箱中，把六根弦全部从音孔拉出来。(3)准备好一根铅笔(或者其他类似物体)，长度要比琴马处一弦与六弦的距离长2-3厘米。把每根弦用类似于古典吉他的缠弦方法缠在铅笔上。刚缠的时候比较松，容易从铅笔两端脱出，可以用透明胶带固定一下。(4)一边把缠好弦的铅笔从音孔送到共鸣箱中，一边把所有琴弦的外面一端往外拉，使铅笔位于共鸣箱中靠近琴马的位置。然后揭掉透明胶带，调整好铅笔的位置和每根琴弦缠绕在铅笔上的位置。注意：调整的时候要尽量把琴弦外端拉紧，必要的时候可以每根弦缠一个重物，以解脱一个手。(5)把每根弦的外端拉到琴轴处，从轴孔穿过去，尽量拉紧，然后在末端尽量靠近琴轴的地方打节，确保琴弦不会从琴轴脱出。最后把每根弦拧紧，达到需要的音高。在民谣吉他上缠尼龙弦时，琴轴处可能会出现一个问题：由于尼龙弦的弹性比较大，要达到标准音高，需要在琴轴上缠好多圈，比较费时间，所以需要较大的耐心。(四)在手指尖上贴胶布在一次性练习时间比较长的情况下，不妨可以用贴胶布的方法达到保护手指的效果。首先把胶布剪成长约1.5厘米、宽约0.5厘米的长方形，一共剪三块。然后把每块胶布横向贴在食指、中指和无名指的指尖上，就可以弹奏了。在按和弦的情况下，小指的使用机会比较少，所以不用贴。如果要更大限度地保护手指，还可以纵向再贴一块胶布。延伸阅读提高吉他弹奏技巧有什么方法不少吉他的爱好者对于弹唱的演奏技巧十分热情，但是却苦于不知道如何提升自身的演奏技巧，今天小编就跟大家分享吉他的弹唱演奏技巧，希望对大家有所帮助!提高吉他的弹唱演奏技巧(1)好的持琴姿势初学吉他的人很难理解姿势正确与否的重要性，所以弹奏了几年以后技巧就停滞下来。手和身体的姿势对于提高演奏技巧是非常重要的，正确的姿势才能使人感到舒服和放松。每天练琴之前，必须利用一些时间来摸索能适合自己身长的手指特点的演奏姿势，而不是盲目模仿别人的演奏姿势，每个人的身高和手指的大小都是有区别的，这点必须注意。(2)进入练习的第一步多数演奏家每天开始练习时，都是先做一下活动手指的技巧，也就是手指体操。这样的练习方法对手指的灵活性很有好处。开始要用慢速而坚实的音来练习，注意每个指间的运用和连接以及音色、力度等。(3)音阶练习音阶练习是解决两个手的配合和提高技巧最好的手段。练习时要注意持琴姿势、触弦、音质、音色、音的流畅、音的强弱、节奏的长短和圆滑音等技巧。弹奏音阶是怎样保持左手指法的严密连接和不间断地依此相随是很重要的。右手各指用力的程度要尽可能一致。左手的运指方向要注意横向和纵向的流动。左手指的换弦、换指、换把位必须要有提前的准备动作。要想获得快速流畅的音阶弹奏技巧，首先必须放慢速度来练习，只有在放慢速度的情况下，才能对每一个细节都不放过。单纯的追求快速而不讲究音准、音色的控制是不可取的。音阶的练习方法可分为几个阶段来进行。在一个固定的把位上(如第一把为)反复练习。其次，可以进入塞戈维亚的24个大小调音阶练习，但是不要一开始就把24个音阶全部拿来做同样的练习，最初仅用C大调和A小调音阶，指法的连接和换把位完全熟练后，再投入所有的音阶练习。同时，也可以自己把音阶划分成各种形式(如各种各样的节奏、节拍、强弱、圆滑音等)来进行圆滑音练习是提高左手指技巧最好的手段。(4)分解和弦练习音阶练习之后，就可以进入分解和弦的练习。分解和弦是吉他音乐中最常用的基本手法，主要的技巧在与右手，右手弹奏的力量不是来自手腕、手臂，而是来自手指间的各种组合动作。这种动作不同于通常的手指工作，这时的手指必须适应所弹奏的和弦诸音。专门为吉他训练的分解和弦技巧练习的内容非常多。最好有系统性、计划性地进行练习。同时，也可以找一些带有分解和弦的每一乐曲片段，这样可以更多的了解音乐作品。进入高级阶段时，感到吃力的人非常多，其原因就是没有把拇指的止弦弹法和勾弦弹法作有系统的练习。练习分解和弦最重要的是注意拇指和其他指的组合动作，特别是每个音的强弱控制，拇指的止弦弹奏必须能够在分解和弦的流动中得到充分的发挥。(5)其他的练习内容以上的技巧全部练习后，再有计划的选择有个性的练习曲，最后，练习你自己保留曲目，重点可放在不太熟练的曲目上。困难的乐句、乐段要放慢速度反复练习。(6)丰富的音乐表现一切技巧都不过是手段，音乐作品的内容得到充分的表现才是目的，有了清楚的目的，演奏者就能追求它、达到它，在自己的表演中体会它，这一切本身就是技巧问题。所以要尽力来理解音乐的内容，然后再根据自己的技巧和风格，由浅入深地选择适合自己表现的曲目。最后要说的是，争取多听各种优秀作品的演奏会，包括各种乐器的独奏、室内乐、交响乐以及国内外吉他演奏家演奏的唱片 这对提高自己的古典吉他演奏技巧很有帮助。吉他弹唱进阶必学歌曲1、《Romance》，这首歌是入门的经典歌曲，涉及到的品位挺多，非常适合练习左手的灵活度;2、《痛哭的人》，这首歌最适合练弹唱和扫弦，节奏比较简单，和弦也不复杂，很多人都拿来练和弦;3、《童年》，这首歌的节奏比较轻快，很适合弹唱练习，学会了后会有陶醉在童年中的感觉;4、《大海》，这首歌个人认为比较适合练独奏，同样可以温习手指的灵活度;5、《你知道我在等你吗》，很适合弹唱和扫弦伴奏;6、《白桦林》， 适合独奏练习，很多初学吉他教材上必不可少的金曲;7.《月亮代表我的心》，节奏比较慢，和弦简单，难度不高，适合弹唱练习;8.《同桌的你》，有一定难度，练好扎实的基本功后必练，涉及大横按;9.《星语心愿》，和弦简单，弹奏技巧有难度，进阶歌曲，适合伴奏;10.《对面的女孩看过来》，适合练习弹唱和扫弦。指弹吉他有什么入门知识指弹吉他是吉他学习的重要技能，在学习之前了解指弹吉他的知识是非常重要的，下面就是小编为大家整理的指弹吉他入门知识，希望对大家有所帮助!指弹吉他入门知识1，指弹吉他是不是都用民谣琴演奏?高君老师曾经说过，民谣琴是个很不科学的叫法，一般我们所指的民谣琴的学名是美式原声吉他中的六弦吉它。除了六弦吉他之外，美式原声吉他还有十二弦吉他(即六弦的复弦琴)，还有共鸣器吉他和原声爵士吉他等。他们的最大的共同特点是都使用金属琴弦。前两种吉他是各国指弹吉他艺术家们最常使用两种演奏用琴。当然也有一些指弹吉他演奏家使用尼龙弦吉他，甚至古典吉他或弗拉门戈吉他作为演奏用琴，这些是非主流的，但即便如此，其音乐风格与传统古典音乐差别还是很大，这也属于指弹吉他风格，所以用琴的不同并不是区分指弹吉他和别的吉他音乐风格的充分条件。2，指弹吉它和传统的古典吉它的音乐风格有什么不同?从音乐角度讲，节奏，旋律，和声是音乐的三大要素。在节奏上，大多数指弹吉它音乐的节奏形和变化比古典吉它的要丰富一些，这也意味着对演奏者右手的技巧要求在一定程度上比古典吉它要高;在旋律上，指弹吉它的民族化和个性化比较明显，很多都脱离传统的大小调音阶的限制而使用一些民族调式，如布鲁斯音阶和凯尔特民间调式等，由此拓宽了音乐表现力;和声上讲，古典音乐在和声上自成一体，要求也比较严格，对和弦的进行和连接等都有其特定的要求，和声以三和弦和七和弦为主，而指弹吉它淡化了和声限制，在很多方面并不符合古典音乐的要求，比如大量使用九和弦和各种挂留和弦，并且和弦可以相对随意地进行等等。总的来说，指弹吉它和古典吉它相比强调了节奏，淡化了和声，丰富了旋律。3，以前演奏古典吉它或者民谣吉它的爱好者，转学指弹风格都要注意什么?民谣和古典这两种风格对人的训练重点不同，对指弹吉它都很有好处。古典吉它的演奏对左手技巧具有非常大的练习意义，如果受过比较正规的古典吉它训练的话，演奏指弹吉它时，左手只需要适应美式吉它的指板宽度和琴弦硬度就可以了。因为古典吉它是独奏乐器，而且很多时候节奏比较自由，尤其是当演奏浪漫派作品时，演奏者对节奏的把握可能相对不够精确，所以之前弹古典吉它的人，转学指弹吉它后往往在节奏感方面需要加强。另外由于美式吉它采用金属琴弦，琴弦张力比古典吉它大，右手的力度需要相应提高，拨弦的感觉也需要一个适应过程。认真学习过弹唱的人的节奏感往往会相对好一些，但是左右手的独立性、灵活性和控制能力相对较差，所以要重点加强练习。这时借用一些古典吉它的练习方法往往是很有效的，如一些左手灵活性和力量的训练。右手原来用手指弹琴的朋友，最好要留一定长度的指甲，以便获得更加丰富的音色，而只习惯使用拨片的朋友，就只能从头练起了。那么初学演奏指弹吉它我们都需要具备哪些条件呢?首先最好我们要有一把说得过去的美式吉它，起码应该是一把面板单板或更好的吉它。因为指弹吉它的表现力很大程度上依赖于乐器本身的敏感度，如果只有一把怎么弹都是一种声音的吉它，很难胜任这种表现力的要求。指板最好是加宽的，指弹吉它对左手的要求虽不见得比古典更复杂，但是会比通常的所谓民谣弹唱复杂得多，所以琴弦间距最好略宽，琴桥处宽度也有相应加宽，为的是增加右手的弦距使右手拨弦准确度提高。如我使用的Lowden吉它，琴枕和弦桥处的宽度分别为45mm和55mm。你可能需要一个节拍器，用以增强对节奏的训练。右手最好留指甲，以便奏出更为丰富的音色。右手指甲的长度和形状都可以借鉴古典吉它，但是不必像古典吉它那样过于苛刻的要求指甲的形状和光滑程度，只要能达到自己满意并能有一定的音色变化即可。由于使用金属琴弦右手指甲的磨损很厉害，指甲比较软的朋友可使用假指甲，可以在美甲用品店买到。假指甲有好多种，一般来讲买全贴片比较好，挑选硬度和韧性俱佳的。假指甲有专门的胶来粘，这种胶在同样的地方一般也可以买到。具体粘贴方法还有很多要注意的地方，建议第一次粘贴求助于专业人士。每天拿出一定时间练习，尽量不要间断。每天弹一个小时的效果肯定比每周末弹7个小时要好，当然如果每天能有再多些的时间就更好了。不过练琴最重要的是效率，有效率的练习一个小时，远胜于不过脑子弹一下午。如果你能具备以上的条件，就可以开始练习指弹吉它了。在正式学习乐曲之前，可以先做一些基本功练习。一、左手独立性练习A这是一个很常见的练习方式，在此作一些说明：1、尽量将手指抬高，锻炼指头的耐力和力度。2、开始可以比较慢的速度跟节拍器，保持匀速。3、保持规范的手型，即从食指到小指尽量保持平行4、指法多针对无名指和小指设计。(为达到手指的平衡)基本功练习是一项长期作业，最好每天坚持练习放在弹曲子之前，当有一定功底之后可以缩短些时间。在练习时最好中间不要停顿，当手指感觉到发酸或发胀时再停。二、右手独立练习A这个练习主要是让拇指交替低音声部做背景，高音弦上走节奏不同的简单旋律，是一个非常有意思的分脑练习。要领是将低音声部的弹法尽量形成习惯，像节拍器一样，这样才能专注高音声部的变化。这个练习是美国乡村风格的右手基础。在很多乡村风格乐曲中，拇指的交替低音也将有所变化，有时甚至需要完成低音部的旋律。另外在力度上有时也会要求突出不同琴弦的音的音量，以达到复杂交错的听觉效果。但是一切都是以这种右手训练为基础的。右手训练的乐谱不用很复杂，关键是对大脑的练习效果。还有一些辅助练习，比如卡尔卡西教材的分解和弦练习，这个也是非常有效的。大家可以根据自己的条件设计具有针对性的练习，加强自己的手指平衡性和独立性。指弹吉他的演奏法一、定弦：根据指弹吉他重低音弹奏的需要，由第六弦至第一弦调弦为EADGBE(362573);二、左手持琴与右手弹奏：1.左手姿势①左手持琴拇指放在琴颈的后面，使之与琴保持平衡。②左手各指弯曲放在琴的指板上，合理地应用各个手指各指应依次按在指板上的品格根部。左手2.右手姿势①右手弹奏时，手掌与各个手指应放松，弹奏动作要小。②拇指和其他指共同弹奏时要处理好协调关系，避免相互碰撞。三、交替低音：学习指弹吉他演奏时，最好从交替低音弹奏开始。作为一种技巧，弹奏时用右手拇指在低音各弦上进行交替练习。注意小节间的拍节。每一拍音、音符、时值都要正确。以C大调和弦中的音为例，左手按住品格位置，然后用右手拇指从第五弦弹至第四弦。四、弹奏单旋律：旋律部分在最高音的三条弦上演奏(它们分别是三弦G，二弦B和一弦E)，用食指弹G弦;用中指弹B弦;用无名指弹E弦。五、褪击法(Hammeron)：演奏中，经常会遇到乐谱中的音符有连线，在连线上标有H的符号，这就是褪击法。可理解为上连音奏法，右手弹奏第一个音符后，紧接着用左手弹奏第二个音符，而用左手弹奏这第二个音时，则采用这种钮击法来弹奏，会使人感到一种新颖及富有魅力的音响效果。六、特拉维斯拨奏法(Travis PicUng)：最初是以著名吉他演奏家默尔持拉维斯(Merle Travis)开创发展而流传于世界各地。七、滑音(S1ide)奏法：缩写为SL。手指在同一条琴弦上进行滑行而完成的动作。具体地说，左手指在某一条琴弦上向上或向下滑动，是由右手的弹奏同步来完成。要注意的是，左手按压琴弦要有足够的压力，而滑行速度根据乐曲所需的时值而定，鉴于乐曲的需要，左手拇指也可在低音弦上滑音。更有特点的滑音奏法是左手食指加指套进行滑奏，发音清脆响亮，十分动听。八、三连音奏法：采用钮击法和拉放奏法相结合来完成。三连音第一音弹奏，第二音用银击法，第三音还原，完成的动作称为拉放奏法，p为拉放(PMll一oH)奏法缩写。吉他有什么切换和弦技巧初学者在转换和弦时，手指的灵活度跟不上，对于切弦和弦掌握的不好，下面就是小编为大家整理的切换和弦的技巧，希望对大家有所帮助!吉他切换和弦技巧1、如果变换的2个和弦属于相同指型的和弦，则保持指型不变来移动手指。如：Am-E-Am这样的练习，Am和E和弦的指型完全一样，只是按的弦不同而已，在变换和弦的时候，3个按弦的手指应该保持原有指型来移动，而不要分开一个一个移动，这样就不容易错同时变换速度也比较快。类似的和弦变换还有Em-A9等等。2、和弦切换的时候，能不移动的手指尽量不要移动。如：C-AmC这样的练习，在变换的时候，食指始终按在2弦的1品上没有变动，所以只需要移动另外2个指头就可以了，而食指不要松开。这样，有一个基准手指作为参照，其余移动的2个手指也不容易出错。类似的还有Am-D7,C-F大7,G7-Dm等。3、当2个和弦之间没有什么共同点的时候，尽量先移动要按根音和低音弦的手指，再移动按高音弦的手指。这个原则的解释，是因为我们右手弹奏分解和弦时，常常是先弹根音和低音弦，后弹高音，这样在变换不能一步到位的时候，可以尽量避免左右手的冲突。这一条的理解很简单，但是不是绝对的，因为有的分解型是从高音弦开始的，那就要根据实际情况改变了。但是，在变换不及的时候，先按住了根音总是好的。这三条原则应该结合起来练习，比如C-F大7的练习，首先应该遵循第2条的原则，保持食指始终不用松开;而剩下2个手指的移动，则应遵循第一条原则，以相同的指型来移动。总之，如果你在练习变和弦的时候觉得很困难，那么看看有没有什么可用的规律。用心研究，这是弹吉他的关键。单独的吉他和弦一定要规范按，先按好单独的吉他和弦，常用的吉他和弦熟悉了之后，慢慢的找寻规律，就像上文写的那样，能不懂得手指就不懂，这样才能换和弦快，当然了这只是单纯的一定，说这点就是让吉他初学者知道必要的熟悉基础是前提，接下来就需要思考，剩下就是技巧了，也有可能是自己摸索出来的技巧，活学活用。熟悉基础是前提，接下来就需要思考，剩下就是技巧了，也有可能是自己摸索出来的技巧，活学活用。初学吉他的五个步骤1.手指练习 finger把每根弦，每个把位的音都谈一遍，或者节省时间的做法，弹每根弦的低把位(第1fret),和高把位(第9fret开始)弹一遍2.和弦 chord按照次序一组一组练，最后练barre Chord(是不是叫屏障和弦?就是有大横按的那种)，和power chord(力量和弦?)3.手指位置 position在每个把位都练习一些不同组合的小片断4.音阶 scaleC大调，C小调，A大调，A小调5.扫弦 strum各种常用的扫弦节奏，我自己把这部分和和弦放在一起练，节约一点时间学吉他。吉他常见的打板技术1.用大拇指侧面敲击低音弦，力度要够，琴弦打到品丝，啪一声，常在第三拍使用(搜视频安迪马克的曲子 rylynn 用的就是这样的打板方式)。2，拍弦，收起imr三根手指 用指甲拍到高音弦上 指甲和弦相碰会有清脆的 啪一声，常用于第三拍。例：情非得已，星晴，羽泉的彩虹。3，押尾光太郎的打板，比较有个人技巧特色的方法，大拇指负责低音，中指无名指负责和弦，而且是弹打到弦上，食指负责高音的主音，小指同时敲击在音孔下方的护板上，常用在反强拍 效果是：空哒 空哒 空哒 空哒 比较难 刚接触不是很好掌握。多加练习，注意观察细节。例：押尾桑的wings~you are the hero。4，用随意的手指敲击音孔上方或下方的面板上，常用于小节末端，制造打击乐的效果，起到承上启下的作用。例，张悬的宝贝。我接触的比较少，关于打板的就知道这些了。吉他左手和弦有什么技巧吉他和弦是学习吉他的时候必须的，那么左手应该如何按吉他的和弦呢?下面就是小编为大家整理的吉他左手和弦的技巧，希望对大家有所帮助!吉他看和弦左手按法在民谣弹唱中，歌曲的伴奏都是按和弦的走向来进行的，了解和弦的按法和规律挺重要。文章下边是两张吉他和弦按法的图，童鞋们可以看一看，记一记，记不住也无妨，就是有个印象就好。在图片示例中，会告诉你用哪一根手指，按哪根弦，以及具体按几品。平时练习中，可以慢慢的把每个和弦都按一下。按弦的按弦技巧，其实很简单，就是要放松、自然，按的时候，身体必须是最舒服的姿势，如果你觉得按的时候很变扭，那么，多半是你的手型或者姿势出问题了。按弦时候要注意几个问题：必须要手指尖触弦，手指不要趴在指板上，手指要立起来。大拇指不要从指板上边超出来，一般就放在指板中线附近。大拇指竖起来，不要和指板水平放。按弦的位置，都要靠近品柱。横按必须多练。吉他揉弦技巧揉弦、推弦和滑弦是吉他演奏的三大基本技巧。大多数人有一个认识误区，觉得揉弦就只是将琴弦上下晃动就可以了。其实，高超的吉他手完全可以将揉弦技巧演奏得出神入化，同时充满感情和个性。这里就为朋友们讲解一下关于准揉弦的技巧，感受一下揉弦的奥妙吧。揉弦这个词来自于英语Vibrate，它有颤动/摇动的意思。同时这个词也具有感动的意思。Eric Clapton在Fair Well音乐会录像的采访中讲道：揉弦是非常重要的技巧，但它也非常的难!那么，为什么连这位最擅长揉弦技巧的吉他之神都说揉弦技巧非常难呢?因为别的技巧几乎都是使用两个音程来表现的，而揉弦只用了一个音!在一个音符中你是否可以表达出自己所有要表达的东西才是揉弦的关键。歌手在演唱中也使用与揉弦相似的技巧，歌手称之为表现感情的最佳手段。虽然人们经常说，人声是最善于表现感情的乐器了，但是在吉他的各种奏法中最接近人声的正是揉弦技巧。作为吉他手，他的手指相当于声带，通过手指来表达演奏时的感情。有一种说法，认为是B.B.KING为了让吉他歌唱，才开发了揉弦和推弦技巧。虽然我们不能断定B.B.KING是不是最早演奏揉弦的吉他手，但是他的揉弦的确影响了包括Eric Clapton，Jeff Beck等著名的吉他手。B.B.KING本人也是一名出色的歌手，但是为了不输给他的歌声，揉弦成了他的吉他演奏中的必不可少的部分。也许吉他从一种伴奏乐器发展成为现在乐队中最引人注目的乐器，正是因为有了揉弦这种技巧。吉他的基本构造形状特点吉他(意大利语：Chitarra)，又译六弦琴。其面板与背板都是平的，琴腰部一般无角而往里凹，古典吉他一般无凹陷。琴颈很宽，长，指板上有弦枕并装有很多窄而稍向上凸起的金属制的横格，称之为品，它把琴弦划分为许多半音。作为乐器家族中弦乐器的一员，吉他是一种通过拨动上面一根根的琴弦发出声音的有弦的演奏乐器。弹奏时用一只手拨动琴弦，另一只手的手指抵在指板上，后者是覆盖在琴颈上的金属小条。弹奏出来的声音会通过吉他的共鸣箱得到增强。适用风格吉他被用于多种音乐风格，它在流行音乐、摇滚音乐、蓝调、民歌、弗拉门戈中常被视为主要乐器。吉他也曾被于用古典音乐，有大量的独奏曲， 室内乐和管弦乐中偶有使用。它通常有六弦，但亦有四弦、八弦、十弦和十二弦。吉他主要有两大类：一是历史悠久、以木制共鸣箱扩音的木吉他;二是二十世纪被发明、以电扩音器扩音的电吉他。原声吉他有四种：平面吉他(在中国也叫民谣吉他)，拱面吉他(又名爵士吉他)，古典吉他和弗拉门戈吉他。木吉他通常被用于古典音乐、民间音乐及流行音乐。电吉他则通常被用于摇滚音乐、蓝调及流行音乐。电吉他的发明对西方流行文化及音乐有重要影响。另有一点鲜为人知的是，吉他家族中最贵族的古典吉他与小提琴、钢琴并列为世界著名三大乐器。指弹吉他有什么入门的知识指弹吉他是吉他技巧中非常炫酷的一个技巧，在学习之前相关的入门知识大家了解了么?下面就是小编为大家整理的指弹吉他的入门知识，希望对大家有所帮助!指弹吉他的入门知识1，指弹吉他是不是都用民谣琴演奏?高君老师曾经说过，民谣琴是个很不科学的叫法，一般我们所指的民谣琴的学名是美式原声吉他中的六弦吉它。除了六弦吉他之外，美式原声吉他还有十二弦吉他(即六弦的复弦琴)，还有共鸣器吉他和原声爵士吉他等。他们的最大的共同特点是都使用金属琴弦。前两种吉他是各国指弹吉他艺术家们最常使用两种演奏用琴。当然也有一些指弹吉他演奏家使用尼龙弦吉他，甚至古典吉他或弗拉门戈吉他作为演奏用琴，这些是非主流的，但即便如此，其音乐风格与传统古典音乐差别还是很大，这也属于指弹吉他风格，所以用琴的不同并不是区分指弹吉他和别的吉他音乐风格的充分条件。2，指弹吉它和传统的古典吉它的音乐风格有什么不同?从音乐角度讲，节奏，旋律，和声是音乐的三大要素。在节奏上，大多数指弹吉它音乐的节奏形和变化比古典吉它的要丰富一些，这也意味着对演奏者右手的技巧要求在一定程度上比古典吉它要高;在旋律上，指弹吉它的民族化和个性化比较明显，很多都脱离传统的大小调音阶的限制而使用一些民族调式，如布鲁斯音阶和凯尔特民间调式等，由此拓宽了音乐表现力;和声上讲，古典音乐在和声上自成一体，要求也比较严格，对和弦的进行和连接等都有其特定的要求，和声以三和弦和七和弦为主，而指弹吉它淡化了和声限制，在很多方面并不符合古典音乐的要求，比如大量使用九和弦和各种挂留和弦，并且和弦可以相对随意地进行等等。总的来说，指弹吉它和古典吉它相比强调了节奏，淡化了和声，丰富了旋律。3，以前演奏古典吉它或者民谣吉它的爱好者，转学指弹风格都要注意什么?民谣和古典这两种风格对人的训练重点不同，对指弹吉它都很有好处。古典吉它的演奏对左手技巧具有非常大的练习意义，如果受过比较正规的古典吉它训练的话，演奏指弹吉它时，左手只需要适应美式吉它的指板宽度和琴弦硬度就可以了。因为古典吉它是独奏乐器，而且很多时候节奏比较自由，尤其是当演奏浪漫派作品时，演奏者对节奏的把握可能相对不够精确，所以之前弹古典吉它的人，转学指弹吉它后往往在节奏感方面需要加强。另外由于美式吉它采用金属琴弦，琴弦张力比古典吉它大，右手的力度需要相应提高，拨弦的感觉也需要一个适应过程。认真学习过弹唱的人的节奏感往往会相对好一些，但是左右手的独立性、灵活性和控制能力相对较差，所以要重点加强练习。这时借用一些古典吉它的练习方法往往是很有效的，如一些左手灵活性和力量的训练。右手原来用手指弹琴的朋友，最好要留一定长度的指甲，以便获得更加丰富的音色，而只习惯使用拨片的朋友，就只能从头练起了。那么初学演奏指弹吉它我们都需要具备哪些条件呢?首先最好我们要有一把说得过去的美式吉它，起码应该是一把面板单板或更好的吉它。因为指弹吉它的表现力很大程度上依赖于乐器本身的敏感度，如果只有一把怎么弹都是一种声音的吉它，很难胜任这种表现力的要求。指板最好是加宽的，指弹吉它对左手的要求虽不见得比古典更复杂，但是会比通常的所谓民谣弹唱复杂得多，所以琴弦间距最好略宽，琴桥处宽度也有相应加宽，为的是增加右手的弦距使右手拨弦准确度提高。如我使用的Lowden吉它，琴枕和弦桥处的宽度分别为45mm和55mm。你可能需要一个节拍器，用以增强对节奏的训练。右手最好留指甲，以便奏出更为丰富的音色。右手指甲的长度和形状都可以借鉴古典吉它，但是不必像古典吉它那样过于苛刻的要求指甲的形状和光滑程度，只要能达到自己满意并能有一定的音色变化即可。由于使用金属琴弦右手指甲的磨损很厉害，指甲比较软的朋友可使用假指甲，可以在美甲用品店买到。假指甲有好多种，一般来讲买全贴片比较好，挑选硬度和韧性俱佳的。假指甲有专门的胶来粘，这种胶在同样的地方一般也可以买到。具体粘贴方法还有很多要注意的地方，建议第一次粘贴求助于专业人士。每天拿出一定时间练习，尽量不要间断。每天弹一个小时的效果肯定比每周末弹7个小时要好，当然如果每天能有再多些的时间就更好了。不过练琴最重要的是效率，有效率的练习一个小时，远胜于不过脑子弹一下午。如果你能具备以上的条件，就可以开始练习指弹吉它了。在正式学习乐曲之前，可以先做一些基本功练习。共2页: 上一页12下一页 基本功的练习一、左手独立性练习A这是一个很常见的练习方式，在此作一些说明：1、尽量将手指抬高，锻炼指头的耐力和力度。2、开始可以比较慢的速度跟节拍器，保持匀速。3、保持规范的手型，即从食指到小指尽量保持平行4、指法多针对无名指和小指设计。(为达到手指的平衡)基本功练习是一项长期作业，最好每天坚持练习放在弹曲子之前，当有一定功底之后可以缩短些时间。在练习时最好中间不要停顿，当手指感觉到发酸或发胀时再停。二、右手独立练习A这个练习主要是让拇指交替低音声部做背景，高音弦上走节奏不同的简单旋律，是一个非常有意思的分脑练习。要领是将低音声部的弹法尽量形成习惯，像节拍器一样，这样才能专注高音声部的变化。这个练习是美国乡村风格的右手基础。在很多乡村风格乐曲中，拇指的交替低音也将有所变化，有时甚至需要完成低音部的旋律。另外在力度上有时也会要求突出不同琴弦的音的音量，以达到复杂交错的听觉效果。但是一切都是以这种右手训练为基础的。右手训练的乐谱不用很复杂，关键是对大脑的练习效果。还有一些辅助练习，比如卡尔卡西教材的分解和弦练习，这个也是非常有效的。大家可以根据自己的条件设计具有针对性的练习，加强自己的手指平衡性和独立性。共2页: 上一页12下一页吉他和弦右手演奏有什么技巧学习吉他右手的拨弦有时候会成为一个问题，只要掌握好技巧，其实并不难。下面就是小编为大家整理的吉他和弦右手技巧，希望对大家有所帮助!吉他和弦右手技巧学习吉他无非一开始就是左手和右手的问题，我碰到很多技术到一定的时候就很难提高的朋友，因为本身学习的时候可能就中毒太深了，老师怎么说怎么做，书上怎么写怎么做，要知道一个人的手指条件不一样，出现偏差是必然的，但是一个准则就是自己的觉得舒服，自然，就行。和弦按的不能太深硬，一般除非古典吉他，是不需要和弦太过垂直的，在电琴上我们甚至需要讲手指倒下做一些不要的弦的制音工作(mute)，特别是民谣，当你在唱的时候一定要手指很放松，才能很轻松的换和弦。左手：虎口可以轻轻的托在后面，上下幅度可以根据自己的舒适度来调节，手指按的位置以不碰到别的弦为民谣的一开始的基本准则，在高级的演奏里面很有很多制音(mute)的，同时小指那里的应该是外掌 不能贴在琴颈上，要给他充分的呼吸，要稍离开琴颈。右手：右手的大拇指，食指，中指，无名指，小指 吉他上命名：P i m a ch一，是让你的食指，中指，无名指 的指头应该并齐(因为弦基本是一个水平面，不可哪个指头长或者短)二，是手指要并拢(因为你在分解和弦的时候，彼此手指相互轻轻摩擦能让彼此手指容易找到弦的位置)。三，我要强调的是大拇指要伸出其他三指的位置。缩在里面，在一开始没多大影响，但是以后要进行大拇指的SLAP技巧就彻底歇菜了。要知道大拇指承担了一开始 4 5 6 三个弦的任务，必须将他释放出来。四，和左手一样，小指哪里的应该是外掌 不能贴在琴弦上，要稍许抬起，要给右手也充分的呼吸。有了这双能呼吸的手，我们就具备了 练功的根基，当然我们每个人的手指条件不一样，可以根据自己的手指的舒服和舒适适当的调节。吉他右手练习的技巧.爬手指这里说的爬手指不是指左手的爬格子，而是两只手的配合练习。就拿音阶练习来说，在练习时不只是左手，另外还要多注意右手的手势，倾听右手发的音是否饱满好听。同时练一下右手三个手指的爬指技巧，这有助于手的独立性和平衡性。2.靠弦和钩弦的结合练习在靠弦和钩弦的练习中，要记住加上拇指，让其参与进来。很多朋友，在演奏的时候，靠弦法没有掌握好，声音发蒙，就像弹棉花一样。而勾弦的时候，又缺乏清脆悦耳的利索劲儿，甚至出现了力度太大而打品的情况。所以练习的时候应多注意一下右手的靠弦和勾弦方法，具体的操作方法日后分享。3.分解和弦初学者对于和弦的分解练习很少去重视。其实在初学阶段进行分解和弦的练习是非常重要的。你在练习的时候，过程应该是这样的中速-慢速-快速，慢速的练习是重中之重。对于轮指的练习也不可操之过急，因为轮指的练习是一个水到渠成的过程，所以坦然处之。4.平衡性的练习想象一下你在钩弦的时候产生的音量是否和击弦时要求的速度一样，同时也要注意钩弦的音量是来自手指钩弦后的角度，不是力度。这是一种长期练习的感觉，因此多练习。5.扫弦将扫弦放在最后进行讲解，主要是扫弦其实并不好练，同时也很容易被人忽视。扫弦不是靠蛮力，而应该要靠手腕的运动。在扫弦的时候，要感受手指触弦的角度和深度，音量是扫弦最要保持的。同时注意扫弦的根数从多到少。关于右手的练习，多从上面五个方面去练习，练吉他没有捷径，任何的方法技巧都不如练习，练习，再练习，这是非常重要的。右手拨弦的方法1、音阶练习音阶练习是吉他上最基础、最简单的练习，同时也是最重要的练习。许多基本功和技巧都能通过音阶的练习来掌握。初学者可 先从全音阶开始练习，进而练习半音阶，最后进入塞戈维亚音阶的练习。在音阶的练习中，右手要采用交替拨弦法，其手指组合如下:A.i指、m指采用靠弦奏法。B. i指、m指采用句弦奏法。C. m指、a指采用靠弦奏法。D. m指、a指采用勾弦奏法。E.i指、a指采用靠弦奏法。F.i指、a指采用句弦奏法。2、分解和弦练习将和弦音按照先后顺序弹奏出来，就称为分解和弦。它是吉他经常使用的很有效果的伴奏手法，它的节奏音型种类丰富，各有特色。由于分解和弦中的各音可以有许多种 不同的排列组合，右手的指法也就相应地有许多种不同的变化，因而分解和弦是训练右手拨弦的绝好练习。在分解和弦的练习中，右手要采用勾弦奏法。初学者可采用卡尔卡酉的22条分解和弦或者朱里亚尼作的120条分解和弦进行练习。3、持续和弦的练习将和弦音同时弹奏出来，就称为持续和弦。在弹奏持续和弦时，拨弦指要尽量并找一块同时拨弦，发出的音才能整齐、结实。弹奏持续和弦采用句弦奏法。右手组合如下:A. i指、m指、a指同时拨。B. i指、m指同时拨。C. i指、a指同时拨。D. n指、a指同时拨。4、组合练习组合练习即拇指P和食指i、中指m、无名指a之间的协调拨弦练习。练习时拇指拨③弦(或⑤弦、④弦)，i指、m指、a指弹①弦。其组合方式如下：(一)p指和ima指先后弹：pimi pmim pmamPama piai paia(二)P指和ima指同时弹：i a m m a am m i a m iP P P P P P练习时可采用下面4种方法练习:A. P和ima指均用勾弦奏法。B. p用靠弦奏法，ima指用勾弦奏法。C. p用句弦奏法，ima指用靠弦奏法。D. P和ima指均用靠弦奏法。吉他谱有什么记和弦方法无论在弹奏吉他还是uke，和弦都不好记住，熟记是弹奏吉他非常关键的一点。下面就是小编为大家整理的吉他和弦的记忆方法，希望对大家有所帮助!吉他谱记和弦方法谢谢大家看到帅气的我的回答，其实这个问的有点那啥。。。。。突兀。和弦其实不用记。和弦是乐理上的一个概念，指的是一定音程关系的一组声音。将三个和三个以上的音，按三度叠置的关系，在纵向上加以结合，就成为和弦。通常有三和弦(三个音的和弦)、七和弦(四个音的和弦)、十三和弦等概念。所以和弦记住它，是不靠谱的，你只需熟悉指板，熟悉指板，熟悉指板。指板(Fingerbord)，指板上有弦枕并装有很多窄而稍向上凸起的金属制的横格，称之为品，它把琴弦划分为许多半音。对于吉他指板上面每一个音的熟悉度，也是每一个吉他手必须努力的目标。熟悉了指板，就可以熟悉音阶。不过与记忆音名不同的是，记忆音阶更注重相对位置，而记忆音名则更注重绝对位置。熟悉了指板，熟悉了音阶，就可以推算了，比如推算出八度，推算出半音阶，推算出横按的音，推算出不同调式的音......熟悉了音，明白了和弦结构，所有和弦自然就......呼之欲出。吉他右手练习一、本外练习琴外练习就是不操琴的练习，其根本原则就是随时利用工作、学习中的一些空余时间，多做一些能提高手指运动能力的手指操，以保持手指良好的弹奏机能。它是琴上练习的有益补充。下面试举凡例：①右手各投弦指做曲、张、扩的运动。②右手各投弦指做敲击桌面的练习。③对右手各拨弦指做按摩。④用器械进行辅助性的练习，如健身圈等。二、本上练习在进行琴上练习之前，初学者最好能花回些时间学习如下的基础知识：①吉他演奏的流派。②靠弦奏法的方法、特点及应用场合。③勾弦奏法的方法、特点及应用场合。④投弦的基本过程(触弦、绷弦和放弦)及正确的发力方法。掌握了上述基础知识后，初学者便可以进行如下的右手投弦练习了。常用弹奏技巧1.压弦法压弦法又称*弦法或平行奏法，这是古典吉他低音弦上使用得最多的基本技巧。其方法为：右手指垂直触弦，有力地往下压拔，弹响后手指顺势停在下一根弦上。压弦法演奏的音坚实有力，穿透力强。压弦法较多用于旋律部分及和弦根音的演奏，它常与勾弦法对照使用，使乐曲富于层次感。2.勾弦法右手指甲触弦后，运用指关节的力量勾向掌心。根据右手指甲勾弦位置的不同，可分为斜勾法、平勾法、塞戈维亚勾弦法。(1)平勾法：右手指甲垂直触弦，平勾勾向掌心，使弦振动发声。这是使用最广泛的勾弦法。演奏时注意力度标记符号，如果没有力度标记，则用适中力度即可。(2)斜勾法：用右手指甲*近拇指方向的部分触弦，斜勾勾向掌心。(3)塞戈维亚勾弦法：在一根弦上同时应用指头和指甲，指头碰及琴弦，再用指甲勾弦。3.琶音琶音奏法是吉他演奏中一种既简单又华丽且使用较多的技巧。琶音奏法分为三种：单指顺琶音、单指逆琶音、多指琶音。(1)单指顺琶音：用右手拇指或食指指甲从低音弦依次拔向高音弦，力度适中，速度介于扫弦与分解和弦这间，要求能清楚地听出各音，声音如流水般华丽。(2)单指逆琶音：用右手拇指指甲从高音弦拔向低音弦。(3)多指琶音：第六、五、四均由右手拇指演奏，第三、二、一弦分别由右手食指、中指、无名指各管一根弦，然后从拇指开始一个接一个地演奏，各个音应均匀、连贯。4.扫弦扫弦技巧是吉他技巧中最有表现力的重要技巧这一，扫弦是较难掌握的技巧，但基本奏法却只有两种：顺扫和逆扫。(1)顺扫：食指指甲从低音弦扫向高音弦，或将拇指除外的四个指头并拢，用指甲同时从低音扫向高音弦，速度较快，声音要有一定的力度感。(2)拇指指甲从高音弦扫向低音弦。

最适合新手入门的几首歌，进阶必学歌曲 我们都知道，刚开始接触吉他的时候肯定是先练C大调的音阶，掌握了一些基础后就应该找点入门级别的简单歌曲来巩固知识，也能找到玩吉他的一些感觉。那么新手最合适练哪些歌曲呢？下面搜集了初学者必练的10首歌，老鸟都耳熟能详了，写给新人看：1、《Romance》，这首歌是入门的经典歌曲，涉及到的品位挺多，非常适合练习左手的灵活度；2、《痛哭的人》，这首歌最适合练弹唱和扫弦，节奏比较简单，和弦也不复杂，很多人都拿来练和弦；3、《童年》，这首歌的节奏比较轻快，很适合弹唱练习，学会了后会有陶醉在童年中的感觉；4、《大海》，这首歌个人认为比较适合练独奏，同样可以温习手指的灵活度；5、《你知道我在等你吗》，很适合弹唱和扫弦伴奏；6、《白桦林》， 适合独奏练习，很多初学吉他教材上必不可少的金曲；7.《月亮代表我的心》，节奏比较慢，和弦简单，难度不高，适合弹唱练习；8.《同桌的你》，有一定难度，练好扎实的基本功后必练，涉及大横按；9.《星语心愿》，和弦简单，弹奏技巧有难度，进阶歌曲，适合伴奏；10.《对面的女孩看过来》，适合练习弹唱和扫弦。这10歌的吉他谱打包下载：http://pan.baidu.com/s/1xeGIy新手朋友如果熟练掌握了这几首歌基本上就算是入门了。涉及到和弦特别是横按的地方肯定有难度，勤加练习自然就会攻克难关。

吉他入门指法基本知识 在吉他的弹奏过程中主要是左手指法和右手指法的相互协调与配合才有了那些动听美妙的琴声，那么大家要想学习一些吉他入门指法吗?下面和小编一起去了解一下吧，希望对你有帮助!吉他入门指法基本知识一：和弦的按法如下图C和弦需要用到左手的1食指、2中指、3无名指，即左手食指按2弦1品;左手中指按4弦2品;左手无名指按5弦3品。下图F和弦的按法：左手食指横按吉他1品;左手中指按3弦2品;左手无名指按4弦3品;左手小指按5弦3品吉他入门指法基本知识二：左手按弦首先拇指应置于琴颈正后方最凸处，虎口不要抓到琴颈如下图1所示;然后各指按弦应尽量与指板垂直如下图2所示;其次按弦的手指不要碰到别的弦。吉他入门指法基本知识三：右手指法吉他弹奏中右手主要负责拨弦、扫弦当然还包括了击弦，切音等等一些弹奏技巧，不过这节主要是基础教程所以讲述的是拨弦与扫弦。一般吉他弹奏中我们分别用字母p、i、m、a、ch表示即：p大拇指、i食指、m中指、a无名指、ch小指。吉他弹奏时我们用p拇指向下拔4、5、6弦，用i食指、m中指、a无名指分别负责向上勾弦，食指3弦、中指2弦、无名指1弦，当然小指也会用到的哦(这里暂时不讲)。民谣吉他右手勾弦弹奏时右手的指甲长度以及形状有所要求，我们从指肚一侧看时，指甲的指尖应露出大约1.5毫米-2毫米的样子J961.com扩展阅读吉他教学方法——吉他琴弦的基本知识1. 好的吉他琴弦应该具有好的音质、定弦快、音高稳定、良好的可演奏性（手指有安全感，琴弦反应敏锐）以及长的寿命（如果你一天弹琴2小时，那么琴弦应该大约可使用3个月）。2. 不同品牌或是同一品牌不同型号的琴弦，通常是厂商们试图在上述5个方面追求更高可能性的结果，或者是他们试图在某个特定方面有不同表现（如明亮或柔美的声音等等）。他们通过调整琴弦的组成材料（增减低音弦中银的含量或是高音弦中碳的含量等等）以及工艺流程来实现他们的目标。琴弦的制造并不是一个精密科学，每个牌子的琴弦都有它独一无二的特性，也都有好和不尽人意的地方。没有任何一家厂商生产的琴弦是最好的或是完美的。3. 听取别人的意见是个很好的主意，但是要注意，不同的人在评价琴弦时会有不同的标准。比如说，一个乐器制作家一般会比较偏爱没有太多特色的琴弦（既不要太明亮也不要太柔美），这样才可以突出吉他本身的特性。而一个演奏者则常常有自己特定的声音选择（如朴实的低音、明亮的高音等等）。而这些喜好并不具有绝对的美学标准，它取决于吉他本身以及演奏者的风格。因此，一套中规中矩的琴弦并不一定是最好的选择。4. 琴弦的张力是一个大的方面，有很多可说的东西，张力对于琴弦来说是必须的，我们依靠对张力的调张使琴弦达到不同的音高，一般说来：（1）张力的等级一般分为超低、低、中等、高、超高五个级别。（2）一条弦上的张力等级取决于厂商所确定的标准长度（比如达达里奥是648毫米，如果琴弦装到吉他上后，使用长度超过了648毫米，那么就会需要更高的张力，如果少于648毫米，那么需要的张力就会比较小，因此，在考虑琴弦张力时，不要忘了不同的标准长度。（3）张力越高的琴弦越粗。（4）琴弦越粗，声音越柔美圆润。（5）材料越硬声音越明亮（如碳高音弦）。（6）张力越低按弦越舒适，但也增加了打品的可能性（当然，打品的问题主要还是看吉他本身）。（7）张力越大并不意味着音量越大。张力较高的琴弦会振动得更加猛烈，但是这种振动的形式在音量方面并不起主要作用。吉他本身，尤其是它的内部构架在这方面扮演着重要得多的角色。举一个典型的例子：一套超高张力的琴弦很可能由于给面板施加了太大的压力而使面板开始阻碍声音的发出。（8）在考虑使用超高张力琴弦时，一定要先向您的吉他的制造商核实一下您的琴对于琴弦张力的承受能力。很多制作家都不会推荐您在他们的吉他上使用超高张力琴弦。（9）大多数演奏者都会对中等张力、高张力或者中等和高张力混用的琴弦感到舒适。我不推荐大家使用低张力或超低张力的琴弦，因为它的声音之薄肯定超出了大多数演奏者的想象。吉他琴弦的基本知识：如何选择好的琴弦？通过吉他谱演奏出优美的旋律，当悦耳的音乐绕梁三日，让你回味无穷之候，你是否想到这样美妙的声音跟琴弦有着莫大的关系。尚未吉他入门的朋友们更应该从开始就严格要求自己，在选择琴弦时一定要细细斟酌。当你决定要购买琴弦时，有很多因素需要考虑。吉他的特点、演奏风格以及你想要获得的声音都是需要考虑的在内的。本文是对琴弦知识的一个基本介绍，希望对您的决定有所帮助。我将把注意力就集中在对所有琴弦都适用的普遍特性上。应该提醒您注意的是，这些介绍都是广义性的，不排除有很多特例存在。每个人都有自己的选择，你必须排除广告渲染的干扰而找到最适合你的琴弦。大多数情况下你必须尝试不同的品牌甚至把不同品牌的低音和高音弦混用以达到你所追求的效果。1. 好的琴弦应该具有好的音质、定弦快、音高稳定、良好的可演奏性以及长的寿命，如果你一天弹琴2小时，那么琴弦应该可使用3个月。2. 听取别人的意见是个很好的主意，但是要注意，不同的人在评价琴弦时会有不同的标准。比如说，一个乐器制作家一般会比较偏爱没有太多特色的琴弦(既不要太明亮也不要太柔美)，这样才可以突出吉他本身的特性。而一个演奏者则常常有自己特定的声音选择(如朴实的低音、明亮的高音等等)。而这些喜好并不具有绝对的美学标准，它取决于吉他本身以及演奏者的风格。因此，一套中规中矩的琴弦并不一定是最好的选择。3. 不同品牌或是同一品牌不同型号的琴弦，通常是厂商们试图在上述5个方面追求更高可能性的结果，或者是他们试图在某个特定方面有不同表现(如明亮或柔美的声音等等)。他们通过调整琴弦的组成材料(增减低音弦中银的含量或是高音弦中碳的含量等等)以及工艺流程来实现他们的目标。琴弦的制造并不是一个精密科学，每个牌子的琴弦都有它独一无二的特性，也都有好和不尽人意的地方。没有任何一家厂商生产的琴弦是最好的或是完美的。4. 琴弦的张力是一个大的方面，有很多可说的东西，张力对于琴弦来说是必须的，我们依靠对张力的调张使琴弦达到不同的音高。一般说来，张力的等级一般分为超低、低、中等、高、超高五个级别。一条弦上的张力等级取决于厂商所确定的标准长度(比如达达里奥是648毫米，如果琴弦装到吉他上后，使用长度超过了648毫米，那么就会需要更高的张力，如果少于648毫米，那么需要的张力就会比较小，因此，在考虑琴弦张力时，不要忘了不同的标准长度。张力越高的琴弦越粗。琴弦越粗，声音越柔美圆润。材料越硬声音越明亮(如碳高音弦)。张力越低按弦越舒适，但也增加了打品的可能性(当然，打品的问题主要还是看吉他本身)。张力越大并不意味着音量越大。张力较高的琴弦会振动得更加猛烈，但是这种振动的形式在音量方面并不起主要作用。吉他本身，尤其是它的内部构架在这方面扮演着重要得多的角色。举一个典型的例子：一套超高张力的琴弦很可能由于给面板施加了太大的压力而使面板开始阻碍声音的发出。在考虑使用超高张力琴弦时，一定要先向您的吉他的制造商核实一下您的琴对于琴弦张力的承受能力。很多制作家都不会您在他们的吉他上使用超高张力琴弦。大多数演奏者都会对中等张力、高张力或者中等和高张力混用的琴弦感到舒适。我不大家使用低张力或超低张力的琴弦，因为它的声音之薄肯定超出了大多数演奏者的想象。吉他教学——有关古典吉他的一些基本知识的介绍吉他教学课程中讲到，古典吉他被誉为同钢琴、小提琴并列的世界三大乐器之一。它是一种根据150年前式样成型的以尼龙弦发声的乐器。古典吉他主要用于演奏古典乐曲，从演奏姿势到手指角弦都有严格要求，技巧精深，被认为是吉他艺术的最高形式。古典吉他在指板上由弦枕到琴柄与琴箱结合处是12品格，指板较宽，使用尼龙弦，音质纯厚。十九世纪以前，吉他既有四根复弦、五根复弦，也有六根单弦。到了十九世纪，西班牙的制琴家对吉他进行了改良，从此开始了一个真正现代意义上的吉他时代。1946年，美国科学家伯特.奥古斯汀开发研制出了尼龙弦，对吉他的音色、音量都有了极大的改观，从此完全取代了羊肠弦。从艺术价值角度看，古典吉他是吉他家族中艺术价值最高的，吉他崇高的艺术地位正是由于古典吉他的发展才获得的。吉他是从中世纪时依贝利亚半岛的弹拨乐器发展而来的。早在八世 纪和九世纪时就有了阿拉伯吉他和拉丁吉他，最早的吉他音乐是由十三世纪时卡斯提利亚国王阿尔风索十世开始萌芽的。到了十五世纪，阿拉伯吉他进化为鲁特琴体 系，而拉丁吉他进化为比维拉琴。十六世纪，比维拉琴改用手指弹奏，在王室贵族民间广泛流传。在西班牙最盛行的时期是1535-1578年间。鲁特琴亦于十 六世纪奠定了古典音乐的基础，直到今天仍然活跃在吉他乐坛上。从乐器的角度看，古典吉他的构造与其他如弗拉门戈吉他、匹克吉他、民谣吉他以及电吉 他有明显不同;其次从演奏方法上讲：古典吉他以独奏、重奏为主，指弹并结合各种特殊演奏技巧;而弗拉门戈以扫弦为主，匹克吉他则用拨片演奏，电吉他更多使 用效果器和摇把等;最后从音乐的表现来讲：古典吉他细腻而多变的音色，丰富的和声，多声部的演奏能力，对不同时期、不同风格不同民族的能诠释自如。有关古典吉他的一些基本知识的介绍吉他教学课程中讲到，古典吉他被誉为同钢琴、小提琴并列的世界三大乐器之一。它是一种根据150年前式样成型的以尼龙弦发声的乐器。古典吉他主要用于演奏古典乐曲，从演奏姿势到手指角弦都有严格要求，技巧精深，被认为是吉他艺术的最高形式。古典吉他在指板上由弦枕到琴柄与琴箱结合处是12品格，指板较宽，使用尼龙弦，音质纯厚。十九世纪以前，吉他既有四根复弦、五根复弦，也有六根单弦。到了十九世纪，西班牙的制琴家对吉他进行了改良，从此开始了一个真正现代意义上的吉他时代。1946年，美国科学家伯特.奥古斯汀开发研制出了尼龙弦，对吉他的音色、音量都有了极大的改观，从此完全取代了羊肠弦。从艺术价值角度看，古典吉他是吉他家族中艺术价值最高的，吉他崇高的艺术地位正是由于古典吉他的发展才获得的。吉他是从中世纪时依贝利亚半岛的弹拨乐器发展而来的。早在八世 纪和九世纪时就有了阿拉伯吉他和拉丁吉他，最早的吉他音乐是由十三世纪时卡斯提利亚国王阿尔风索十世开始萌芽的。到了十五世纪，阿拉伯吉他进化为鲁特琴体 系，而拉丁吉他进化为比维拉琴。十六世纪，比维拉琴改用手指弹奏，在王室贵族民间广泛流传。在西班牙最盛行的时期是1535-1578年间。鲁特琴亦于十 六世纪奠定了古典音乐的基础，直到今天仍然活跃在吉他乐坛上。从乐器的角度看，古典吉他的构造与其他如弗拉门戈吉他、匹克吉他、民谣吉他以及电吉 他有明显不同;其次从演奏方法上讲：古典吉他以独奏、重奏为主，指弹并结合各种特殊演奏技巧;而弗拉门戈以扫弦为主，匹克吉他则用拨片演奏，电吉他更多使 用效果器和摇把等;最后从音乐的表现来讲：古典吉他细腻而多变的音色，丰富的和声，多声部的演奏能力，对不同时期、不同风格不同民族的能诠释自如。古典吉他入门指法基本练习程序要想学习古典吉他入门指法，首先要掌握它的基本练习的程序有哪些呢?下面和小编一起去了解一下吧，希望对你有帮助!古典吉他入门指法基本练习程序一通过初级基本功(右手包括：手型，手指触弦，发音方法的训练。左手包括：手型，手指按 弦，纵向，横向的移位跳位，开指，揉弦打弦等.....)练习，让双手能够初部正确的控制好琴。当然，持琴的坐姿，练琴的硬件(琴尽可能好。节拍器，脚凳，谱台，都应具全。)古典吉他入门指法基本练习程序二不懂乐理的人应同步学习基本乐理(一定要学五线谱。包括：音名，唱名，基本的和弦，调式等。)古典吉他入门指法基本练习程序三单音的音阶，(横向，纵向都要练。)和声音阶(三度，六度，八度，十度。)可以多弹一些单音及简单的和声练习曲。这个阶段应梢长一些，一般在三四个月左右。如感觉音色，双手的运动能力都有较稳定的进步， 且看谱能力也有提高的话，可进入下面的练习。古典吉他入门指法基本练习程序四古典吉他弹奏的三个重要方面(可通过大量的练习曲配合专项基本功解决)。1、音阶旋律形式的练习：提高双手互动的协调性2、分散和弦形式的练习：提高右手各种运指结构的素质。提高左手各种指型的结构及耐力练习。3、节奏柱式和弦的练习：进一步提高左手在运动 条件下的和弦指位能力。解决右手弹奏和弦及节奏的能力。上述步骤言之简单。实践起来却困难重重。学者会产生一系列生理技术及心理上的困惑。需 要教者与学者在心理上很好的配合，逐步的排除困难。此时应加入适应学者技术能力的独奏曲的 学习。进而使学者开始进入音乐处理及音乐美学的探讨。吉他教学——吉他琴弦的基本知识：如何选择好的琴弦？通过吉他谱演奏出优美的旋律，当悦耳的音乐绕梁三日，让你回味无穷之候，你是否想到这样美妙的声音跟琴弦有着莫大的关系。尚未吉他入门的朋友们更应该从开始就严格要求自己，在选择琴弦时一定要细细斟酌。当你决定要购买琴弦时，有很多因素需要考虑。吉他的特点、演奏风格以及你想要获得的声音都是需要考虑的在内的。本文是对琴弦知识的一个基本介绍，希望对您的决定有所帮助。我将把注意力就集中在对所有琴弦都适用的普遍特性上。应该提醒您注意的是，这些介绍都是广义性的，不排除有很多特例存在。每个人都有自己的选择，你必须排除广告渲染的干扰而找到最适合你的琴弦。大多数情况下你必须尝试不同的品牌甚至把不同品牌的低音和高音弦混用以达到你所追求的效果。1. 好的琴弦应该具有好的音质、定弦快、音高稳定、良好的可演奏性以及长的寿命，如果你一天弹琴2小时，那么琴弦应该可使用3个月。2. 听取别人的意见是个很好的主意，但是要注意，不同的人在评价琴弦时会有不同的标准。比如说，一个乐器制作家一般会比较偏爱没有太多特色的琴弦(既不要太明亮也不要太柔美)，这样才可以突出吉他本身的特性。而一个演奏者则常常有自己特定的声音选择(如朴实的低音、明亮的高音等等)。而这些喜好并不具有绝对的美学标准，它取决于吉他本身以及演奏者的风格。因此，一套中规中矩的琴弦并不一定是最好的选择。3. 不同品牌或是同一品牌不同型号的琴弦，通常是厂商们试图在上述5个方面追求更高可能性的结果，或者是他们试图在某个特定方面有不同表现(如明亮或柔美的声音等等)。他们通过调整琴弦的组成材料(增减低音弦中银的含量或是高音弦中碳的含量等等)以及工艺流程来实现他们的目标。琴弦的制造并不是一个精密科学，每个牌子的琴弦都有它独一无二的特性，也都有好和不尽人意的地方。没有任何一家厂商生产的琴弦是最好的或是完美的。4. 琴弦的张力是一个大的方面，有很多可说的东西，张力对于琴弦来说是必须的，我们依靠对张力的调张使琴弦达到不同的音高。一般说来，张力的等级一般分为超低、低、中等、高、超高五个级别。一条弦上的张力等级取决于厂商所确定的标准长度(比如达达里奥是648毫米，如果琴弦装到吉他上后，使用长度超过了648毫米，那么就会需要更高的张力，如果少于648毫米，那么需要的张力就会比较小，因此，在考虑琴弦张力时，不要忘了不同的标准长度。张力越高的琴弦越粗。琴弦越粗，声音越柔美圆润。材料越硬声音越明亮(如碳高音弦)。张力越低按弦越舒适，但也增加了打品的可能性(当然，打品的问题主要还是看吉他本身)。张力越大并不意味着音量越大。张力较高的琴弦会振动得更加猛烈，但是这种振动的形式在音量方面并不起主要作用。吉他本身，尤其是它的内部构架在这方面扮演着重要得多的角色。举一个典型的例子：一套超高张力的琴弦很可能由于给面板施加了太大的压力而使面板开始阻碍声音的发出。在考虑使用超高张力琴弦时，一定要先向您的吉他的制造商核实一下您的琴对于琴弦张力的承受能力。很多制作家都不会推荐您在他们的吉他上使用超高张力琴弦。大多数演奏者都会对中等张力、高张力或者中等和高张力混用的琴弦感到舒适。我不推荐大家使用低张力或超低张力的琴弦，因为它的声音之薄肯定超出了大多数演奏者的想象。初学者需要学习了解吉他的十大基本知识1.练习音阶先要学会唱准Do、Re、Mi......每天爬格子，练习各种指型。然后，找几首你们最喜欢的歌曲，练习唱它的旋律。同时，试着在吉他上找出这些音的位置，练习用华彩演奏出来。这样练习，有助于你们唱准音阶。同时，你们无意间为你们以后弹奏即兴Solo打下了良好的基础。弹奏华彩的时候，要用上你们刚刚学会的各种技巧。这样对你们进步会有很大的帮助的。唱名：1 2 3 4 5 6 7 1。无论在那一个调子里，都要用“首调唱名法”。也就是说，无论这些音有多高，你都要唱作1 2 3 4 5 6 7 1。音名：C D E F G AB C（仅限于C调）；G A B C D E #F G（仅限于G调）；A B #C D E #F bA A（仅限于A调）以下类推。2.练习节奏多多听一些音乐。平时没有事情的时候，可以静静的感觉自己的心跳。和着心跳一起数：1 2 3 4试着打拍子。在吉他上多多练习分解和弦，有助于迅速而且准确的掌握节奏。分解和弦弹准了之后，再练习扫弦。扫简单的节奏，熟练后，练习各种有符点和休止以及切音，制音的节奏。然后再练习3连音，5连音，6连音，7连音，8连音，12连音的节奏。对照原声带练习!纠正自己的错误。如果，上面的3连音等都能够做到了，那么基本上，你们的吉他水平就已经很不错了。如果有哪些还做不到，那就重点练习你们认为比较难的。突破它。3.切音至于切音，有右手切音和左手切音。右手切音适用于任何的开放和弦以及封闭和弦。具体方法是：1. 用大拇指的掌侧面的掌肉止住正在振动的琴弦，形成切音。一般用于向下扫弦。2. 用小手指的手掌小鱼际掌肉的部分止住正在振动的琴弦，形成切音。一般用于向上扫弦，偶尔也可用于向下扫弦。3. 用手掌内侧的掌肉止住正在振动的琴弦，形成切音。一般用于右手的食指一根手指单独向下扫弦。这种扫弦的方法是：P（大拇指）指向下扫低音琴弦，i（食指）指向下扫高音琴弦并且切音的节奏类型。左手切音适用于封闭和弦，但高手们也经常把左手切音用于开放和弦。具体方法是：1. 封闭和弦：右手扫动琴弦，左手迅速放松琴弦。减轻按和弦的力度，但是手指不能够离开琴弦。使和弦的声音突然止住，形成切音。2. 开放和弦：如低把位的C，Am，G，Dm，E等和弦，右手扫动琴弦，左手迅速放松琴弦，减轻按和弦的力度，但是手指不能够离开琴弦。左手迅速转动手腕儿，向着远离自己的方向，用按弦的手指捂住琴弦，同时左手的小手指可以辅助着，横搭按在琴弦上。使和弦的声音突然止住，形成切音。4.闷音：也叫做制音也就是用右手的手掌的小手指鱼际的稍侧面一点儿的地方，在靠近琴码处的适当的位置，轻轻压住琴弦。同时，用右手弹奏分解和弦或者是扫弦节奏。这时发出来的声音有一点儿闷。但是，有音高。而用左手，就是主要是指大横按的和弦。左手虚按住琴弦，要按下琴弦，但是不能够太用力，不能够将琴弦彻底按在指板上。要稍稍放松一点儿。同时，用右手弹奏分解和弦或者是扫弦节奏。这时发出来的声音有一点儿闷。但是，有音高。5.哑音用于闷音同样的手法，虚按住琴弦，右手主要为扫弦节奏。扫出的声音，是一种刮弦的声音，是没有音高的。就象是刮木梳齿儿的声音。大体上就是这样了。我想我应该是讲的已经很清楚了。6.泛音泛音的声音听起来像钟音!声音很好听，也很有特色。可以为你的音乐增添不少颜色。泛音多用在音乐的结尾或者是半休止的时候。当然这也是不一定的，如刘传编的星语心愿的结尾用的泛音。还有就是吉他独奏曲梦中的婚礼中有那么两处有泛音。汪峰的《花火》的前奏都是用人工泛音演奏的。如果是电吉他，那么泛音就更多了。用拨片可以刮出泛音，也可以挤出泛音。自然泛音：将左手（有时候也可以用右手）的一根手指（一般多为小拇指或者是无名指）的指肚（也可以用侧面一点儿的位置）轻轻接触吉他6根琴弦中任意一根弦的空弦的第12品的品条处的正上方的琴弦上，不可按下琴弦，手指也不可以不接触琴弦。右手拨动琴弦。在拨弦的同时，触弦的手指迅速像闪电一般的瞬间离开，离开的时候，触弦的手指的指肚要轻轻“蹭”一下弦。注意：以上所有动作都是一气呵成的，要连贯。要在瞬间完成，否则，就不可能够有泛音产生。除了在第12品之外，在第5，7，9，19品等位置也可以弹奏出泛音。人工泛音：左手按住弦的某一品，右手用食指的指肚轻轻接触这一根弦所按品位上方第12品位的位置。右手食指不能够将弦按下，也不可以不接触琴弦。右手用另外一根手指（中指或者是无名指，一般多用无名指，古典中多用中指的。）拨动琴弦。在拨弦的同时，触弦的右手食指迅速像闪电一般的瞬间离开，离开的时候，右手食指的指肚要轻轻“蹭”一下弦。注意：以上所有动作都是一气呵成的。要连贯。要在瞬间完成。否则，就不可能够有泛音产生。7.快速转换和弦暂时不能够先图快。先慢慢的练习按准每一个和弦。虚按和实按反复交替练习。要先做到准确无误之后才可以加快速度。每一个和弦反复练习50--100遍。坚持一个星期，或者是一个月时间。突破对你们来说比较难按的和弦。特别是横按的和弦。一个星期或者一个月之后，你们会发现，你们再按这些和弦的时候就比以前容易多了。这时你们就可以加快速度练习和弦的转换。也是要做到持之以恒才会有进步的。加油吧。8.速度要想提高速度，没有别的办法，只有多练习。没有别的捷径的。是绝对不能够偷懒的。或者是用“地狱式疯狂折磨式练习方法”用最快的速度狂练华彩3个小时，然后吃点儿东西，再来3个小时，再去方便一下，回来再练3个小时，然后看会儿电视，看完之后，再练3个小时。如此循环。这时候要的是数量，并不是质量。等数量积累多了。再放慢速度，追求质量，要稳和准。等准确了之后，再加快速度直到像“地狱式疯狂折磨式练习方法”时所达到的最快速度。但是，这种方法只适合部分个别学生。可能对大部分的人来说，是一种折磨。这不是一个特别好的办法。觉得它有用的人就试一试。觉得它无聊的人可以不看。你们可以当作我在开玩笑。本版主很喜欢开玩笑的。当然上面的练习时间和次数是由你们自己来定的。最好的办法还是要多多练习各种音阶，华彩，爬格子，用不同的指法，在不同的位置弹奏歌曲的旋律，经常作手指操等。没有琴的时候，拿手腕或者书本作琴练习指法。时间长了，自然就会很快了。9.背谱背谱是必须做到的。只能够多弹，把谱子背熟。让手指对这个谱子产生感情。熟练了之后，即使你们忘了下面该怎么弹，可是你们的手指会自然的往下弹的。因为你们的手指弹奏这个谱子熟练了之后，它会记住这个谱子的。多多练习吧。不能偷懒的。你们也可以找一个比你们弹得好的朋友，你们同时练习这个谱子。然后，和他一起弹这个谱子。你们忘记的时候，就看看他是怎么弹的。这样会给你们一些提醒的。而且，两个人一起练习的效果要比一个人练习的效果好得多。你们会进步很快的。另外，多听音乐，多试着把你们听到的音乐，用音阶唱出来。多学习乐理知识。多看乐理书。多动脑筋琢磨，多问自己几个为什么。试着自己来回答自己。多分析，为什么作者要这样编曲，为什么要这样编配和弦伴奏，创作者的编配思路是什么？体会他们的创作意图。这样才能够提高的快。加油吧。还要多和同道中人交流。多去琴行，有不会的东西，请教那里的高人。10.华彩练习华彩的几点建议：1. 如果有原声带，请多听几遍原声带。在大脑中对这段旋律产生深刻的印象，并把它牢牢记住。 2. 把华彩的吉他谱练熟背会，能够不看谱把它熟练完整的弹奏下来。 3. 注意音色和各种技巧的结合使用，如敲弦，拉弦，滑音等。 4. 对照原声带，和原声带一起弹奏，看看哪里和原声带不一样。发现问题所在，改正过来。 5. 试着在心里默念节拍，演奏时直到和原声带完全符合为止。 6. 试着不听原声带弹奏，可借助节拍器，来控制节奏和速度。

华语乐坛5大摇滚歌手大PK，窦唯上榜，第一名是他无人反驳！ ... 第五位：许巍许巍，原名许玮，1968年7月21日，陕西西安，现居北京。14岁那年他第一次听到吉他的美妙弦音，便梦想着拥有一把属于自己的吉他。1984年，许巍16岁开始练吉他，后来他组建了“飞”乐队，1994年该乐队解散，历时一年。解散的原因主要有两方面，一是没有商业演出机会，二是来自各个家庭的压力。第四位：窦唯窦唯，中国著名摇滚歌手，北京人，在1988年加入黑豹乐队，在队里担任主唱并且还作为创作人，写词谱曲，1991年离开黑豹，组建做梦乐队，1994年5月发行第一张个人专辑《黑梦》。第三位：谢天笑谢天笑，山东人，1994年谢天笑创建猎人乐队正式出道，后来发行个人首张专辑《冷血动物》开始在乐坛崭露头角，推出的专辑还有《只有一个愿望》，他从不刻意讨好大众审美，并且拽着你远离轻飘飘的时髦生活。第二位：崔健崔健，中国内地歌手、词曲家、音乐制作人、吉他手、小号手、导演、演员、编剧。其音乐风格多样，横跨摇滚、民谣、雷鬼、嘻哈、中国民乐、放克及电子乐，1988年1月，崔健在北京中山音乐堂举办了第一次个人演唱会。第一位：黄家驹黄家驹，beyond乐队的主唱以及灵魂，奉献了《光辉岁月》、《海阔天空》、等经典名曲，至今都广为传颂，黄家驹红遍两岸三地，1993年不幸去世后，beyond乐队日落西山最终解散。

《漠河舞厅》一夜播放破4亿 吉他自学必弹 17吉他常年霸榜歌曲《漠河舞厅》，到底有什么魅力，让那么多吉他爱好者喜欢这首歌？我们都知道，《漠河舞厅》是柳爽演唱的歌曲。这首歌曲调、歌词都很悲伤，背后动人的爱情故事更是让人难过。除了音乐本身的魅力，也源于这首歌背后的人物原型：一位与爱妻天人永隔30余年仍满怀爱意的痴情老人“张德全”。柳爽在接受记者采访时，再次谈起《漠河舞厅》的创作灵感，也可以说是关于漠河舞厅的真实故事。 在采访中他这样说道：在2019年的冬天，他与摄影朋友去漠河采风，本来是想看一下极光的，在路过一个地下室舞厅时，对其产生浓厚的兴趣，就转身进去看了一下，里面则是一群退休老人在跳舞，但有一位老人却显得格格不入，没有舞伴，一人独自在那跳舞，略显孤独。他就上前询问老人为何一人独自在跳舞，别人都是成双入对的，老人却非常简短和平静地对他说道，自己的老伴在“五六火灾”中不幸去世，而自己年轻时，很喜欢和自己的在一起跳舞，并告诉他这里在大火前本来是一个旧仓库，他和爱人经常在这里点着灯一起学习跳舞，而在大火过后，进行了重建，变成了现在的地下舞厅，每次想要跳舞时，便会来到这里。两人在前后之间的谈话也就5分钟，在经过老人的同意后，先写了一篇文章《再见了，晚星》，后从文章中提炼出的歌曲《漠河舞厅》。而《漠河舞厅》一上线，便获得超高的播放量，在短视频平台上播放量达到4.5亿，如此高的播放量，也让这首歌一夜爆红，被广大网友熟知，很多人也纷纷想要了解这首歌里诉说的事情。很多网友想学这首吉他曲，去哪里下载漠河舞厅的高清曲谱呢？向大家推荐一个网站，17吉他网。17吉他网上《漠河舞厅》曲谱有不同版本，而且分不同的调式，难度，还有指弹及弹唱版，供不同需要的吉他自学者学习。学吉他，查吉他谱，就上17吉他网。

电吉他音色旋钮怎么用 电吉他是现代音乐中常见的乐器之一，它可以通过调节不同的音色旋钮来改变音色。音色旋钮通常位于电吉他的音量和音调旋钮之间，它具有重要的作用，可以使电吉他的音色风格多样化。本文将详细介绍电吉他音色旋钮的使用方法。我们需要了解电吉他音色旋钮的基本原理。电吉他音色旋钮实际上是一个多档位的开关，每个档位代表一种不同的音色效果。通过旋转音色旋钮，我们可以选择不同档位，从而改变电吉他的音色。音色旋钮通常是线性的，意味着它们可以在不同档位之间平滑过渡，而不会产生突兀的音色变化。让我们详细了解电吉他音色旋钮的使用方法。我们需要调整电吉他放大器的音量和音调旋钮到适当的位置，以确保我们能够清晰听到音色旋钮的效果。我们将音色旋钮旋转到不同的档位，一般来说，音色旋钮将会标有不同的音色名称或简单的符号，以帮助我们选择合适的音色。音色旋钮的档位通常有一到十二个不等，不同的档位对应着不同的音色效果。以下是常见的几种音色效果以及它们所代表的档位：1. 清晰亮音：这个音色效果通常是在音色旋钮的最低档位。它能够使电吉他的音色通透明亮，非常适合演奏明亮轻快的音乐风格，如流行音乐或民谣。2. 音色平衡：这个音色效果通常是在音色旋钮的中间档位。它能够使电吉他的音色保持平衡，不会过于尖锐或低沉。这种音色适用于各种音乐风格，如摇滚、重金属等。3. 重低音：这个音色效果通常是在音色旋钮的较高档位。它能够强调电吉他的低频音色，使音乐更加有力量感和厚重感，适合演奏重型音乐风格，如重金属或硬摇滚。4. 吉他合唱：这个音色效果通常是在音色旋钮的较高档位。它可以在演奏时给予吉他一种合唱效果，增加音色的层次感和宽度感。5. 混响：这个音色效果通常是在音色旋钮的较高档位。它能够给吉他音色增加一定的混响效果，让音乐更加富有空间感和立体感。选择合适的音色取决于你想要演奏的音乐风格以及个人的喜好。在选择音色时，可以尝试不同的档位，并根据自己的需求进行调整，以获得最适合的音色效果。除了选择合适的音色档位外，还需要注意以下几点：1. 音色旋钮的调整应该适度，过度调节可能会导致音色失真或不稳定。2. 在选择音色时，应该根据演奏场景和乐曲的需要进行调整。对于激烈的摇滚曲目，可以选择重低音效果；而对于轻快的流行曲目，可以选择清晰亮音效果。3. 注意音色的整体平衡性，避免某些频段过于突出或欠缺。4. 音色效果的最佳效果可能需要一些调试和个人的喜好，所以一定要耐心尝试，并根据自己的需求进行调整。音色旋钮是电吉他中非常重要的一个控制元素，通过调节音色旋钮，我们可以改变电吉他的音色效果，实现更多样化和个性化的演奏。正确使用音色旋钮需要细致的观察和调试，同时要根据音乐风格和个人需求进行选择和调整。希望本文能够对大家了解和使用电吉他音色旋钮有所帮助。

新人必学吉他曲 《杀死那个石家庄人》 《杀死那个石家庄人》，是万能青年旅店创作并于2010年演唱的歌曲，收录在专辑《万能青年旅店》中。这首歌实际上描述了北方重工业城市在经历过了时代变迁，从计划经济到市场经济的变轨所经历的阵痛，和那些被遗忘或者是被抛弃的群体的失落和愤怒的感受。80年代出生的人亲身经历了这种从繁荣转向衰弱的历程，他们所受的教育是单纯的理想和浪漫主义，而满眼所见的，全都是金钱至上和欲望崇拜。 ——生于理想，死于欲望。是这一代人最真实的写照。《杀死那个石家庄人》实际上就是对这种状态的一种描述。很多网友想学这首吉他曲，去哪里下载《后来》的高清曲谱呢？向大家推荐一个网站，17吉他网。 17吉他网上《平凡之路》曲谱有不同版本，而且分不同的调式，难度，还有指弹及弹唱版，供不同需要的吉他自学者学习。学吉他，查吉他谱，高清吉他谱下载，就上17吉他网。

古典吉他和民谣吉他音调一样吗 古典吉他和民谣吉他是两种不同的乐器，它们在音调上有一些共通之处，但也存在许多差异。古典吉他和民谣吉他的发展背景和音乐风格不同，这导致它们在音调上有一些独特之处。这两种吉他的表达方式也有很大的多样化，丰富了音乐的内容。下面将分别介绍古典吉他和民谣吉他的音调特点以及表达方式的多样化。古典吉他的音调特点主要体现在其使用的弦乐、演奏技巧和音乐理论方面。在弦乐方面，古典吉他通常使用尼龙弦，这种弦乐具有柔和、圆润的音色，尤其擅长演奏低音部分。古典吉他的演奏技巧也非常独特，包括指弹、琴指滑动、和弦、颤音等等。这些特殊的演奏技巧使得古典吉他具有丰富的音乐表达方式，可以演奏出不同的音乐效果。另外，古典吉他的音乐理论也与其音调特点密切相关。古典吉他以古典音乐为主要表现形式，它需要演奏者具备良好的音乐素养和理论知识。古典音乐中的音调通常是较为正规和古典的，有着严谨的结构和规范的乐理。古典吉他的音乐风格也因此受到了古典音乐的影响，其音调更偏向于古典音乐的音色和曲风。而民谣吉他则有着不同的音调特点。民谣吉他一般使用钢弦，这种弦乐具有更明亮、富有共鸣的音色，尤其擅长演奏高音部分。钢弦也使得民谣吉他的音乐风格更加大胆、直接，更符合民谣音乐的风格和特点。民谣吉他的音乐理论相对简单，其乐理不需要太多复杂的学习，更注重自由和即兴创作。除了音调特点，古典吉他和民谣吉他在表达方式上也有很大的多样化。古典吉他以演奏技巧为特色，演奏者通过特定的技法和手指的运动，将音乐表达出来。演奏者可以通过控制演奏的细节，调节速度、力度和音色，使音乐更加生动有力。古典吉他的表达方式非常丰富，可以演奏出各种情感和效果。而民谣吉他的表达方式更注重歌曲的创作和演唱。民谣吉他的音乐性和情感更直接表达在歌曲中，演奏者通常会通过歌曲的歌词以及歌唱的方式，将自己的情感和思想传达给听众。民谣吉他的表达方式更加接地气，更符合大众的口味和审美。吉他资讯网小编认为，古典吉他和民谣吉他在音调和表达方式上有一些共通之处，但也有很多差异。古典吉他的音调特点更倾向于柔和和古典的风格，表达方式注重演奏技巧的运用；而民谣吉他的音调特点更偏向于明亮和自由的风格，表达方式注重创作和演唱。这些不同的特点和风格丰富了音乐的内容，使得古典吉他和民谣吉他都有自己独特的魅力。无论是古典音乐还是民谣音乐爱好者，都可以通过演奏和欣赏这两种吉他的音乐，获得不同的感受和享受。

TFBOYS演唱会失误，王俊凯掉​吉他​，千玺掉帽子，而王源最惨 ... 今天要和大家分享的TFBOYS演唱会中的失误，相信不少粉丝也已经看过相关视频，但并不全面。在六周年的演唱会现场中，他们三人都分别出现了一些小尴尬，一起来欣赏吧。首先是王俊凯，在单人演唱solo部分，小凯挂则吉他为粉丝演唱，本来是站着不动的，吉他也乖乖听话地贴在小凯胸口。但是为了增加与粉丝的互动，小凯变开始在舞台上走动起来，时而张开双手拍掌，时而旋转身体，就这样吉他终于绷不住了，摔落在地上，小凯急忙捡起来又继续表演，一点都不耽误演唱。其次就是易烊千玺，同样也是在个人表演部分，千玺和舞蹈团一起给大家表演了一段劲舞，但是由于力量过猛，直接将帽子甩出去，千玺一点都不慌张，借用舞蹈只是顺利地把帽子捡起来，然后继续表演。不知道的粉丝还以为是舞蹈特意安排的呢！最惨的就属王源了，他的尴尬不是来源于自身，而是在和阿信的互动过程中，看到对方多次伸手过来，王源以为要握手，但是看到对方又适可而止，所以焦虑不安的左手不知道该不该伸出来，不过最后两人还是非常友好地握手了，算是圆满的结束。还有一点就是在单人演唱部分，王源不知道怎么了，像个高兴的孩子一般在舞台上疯狂奔跑。对于他而言，出国之后这样的机会就不多了，所以他尽情地享受这一次演唱会，多一些他与粉丝的美好回忆。网友虽然嘴上不断吐槽，但是眼神里却充满这爱意，看着他长大，送着他远行，这种伤痛若不是真爱粉不会理解。

【连载】职业歌手教你从零开始学吉他（第一讲） 最近在逛吉他吧的时候看见一个不错的帖子，感谢@路过喝酱油哲哲 的分享。原帖地址：link那废话不多说，我们直接开始第一节课。1.先介绍关于吉他的持琴姿势。正常坐姿的话，尽量保持大腿面与地面平行，琴会相对比较平稳。琴身和身体有三个点相接触。右腿，胸前，右手肘关节附近。吉他腰部弯角放在右腿上，尽量往右侧放一点，让琴头轻微向上仰起。琴不要靠身体太近，让琴身倒向你，这样容易看到琴弦的情况。肘部放在琴最宽的部位，调整位置，正好右手能放在音孔上方为最佳。当琴放在身体上的时候，左右手都不要去刻意扶琴的任何部位，如果琴能稳定支撑在身体上，你的持琴姿势就ok了。

关于吉他打品的解决办法 什么是吉他打品？吉他的弦距要合适，不能太高或太低。当琴的弦距太低时，我们拨动琴弦的时候就会很容易导致琴弦震动而碰到品位，这样就产生了杂音，这就是为什么要防止打品的原因。不光琴弦的高低会引起打品，琴弦的质量也会有影响。如果琴弦的的震动不均匀，或者弦的硬度不够，即使有适合的琴弦距，还是不免会造成打品；其次如果琴的颈不是笔直的，时间长了便会干燥凸起，这样导致指板的凹凸不平也会造成打品。所以选购吉他的时候千万要注意。在吉他店的时候务必要仔细看清，如果是网购，一定要挑人气旺、好评多的吉他品牌。吉他打品有什么解决方法？第一种情况由于指板向上凸造成的打品。由于指板向上凸的部分肯定是局部的，我们只要用顺着高的品丝用美工刀切除一部分就可以了，记住要小心的铲，万一用力过度造成品丝下凹就无法补救了（如上图所示）。

吉他学习的方法建议分享 如果你是吉他初学者，如果你还是吉他入门边缘的新手，相信这篇文章一定不能错过，许多初学者在学习吉他的时候对于什么事该做，什么事不该做没有一个观念，下面就是小编为大家整理的学习吉他的建议，希望对大家有所帮助!应该做的事1、感悟演奏和练习之间的区别：两者都重要，但不要将两者混淆，它们是有区别的。2、在练习时使用节拍器：如果你在开始没有养成很好的节拍感，那可能你以后也不会再有了。记住，你现在所养成的习惯会决定你成为一个什么样的吉他手。这些习惯有的是好的，也有的是坏的。如何引导你的习惯来有助于弹奏技巧的形成，完全取决于你自己。3、听各种风格的音乐：听音乐要多样化。那些伟大的吉他手几乎都是有着广泛音乐品味的人。没有任何一种风格的音乐是废物。也许有的人恨某种音乐风格，但那并不表示音乐本身是令人讨厌的。比别人多听一些音乐没有坏处。4、去偷：从任何地方都可以偷来solo乐句和licks，而且你要一直这么干。如果你喜欢一个乐句，就学会弹奏它，但你要把它变为自己的。改变一些音的顺序，改变一些节奏，换一个调来弹，或者在另一个八度里弹奏。自己去实验，留下自己觉得好的。当你这样做一段时间之后，你会发现自己已经上路了，这条路的目的地就是形成自己的风格。不应该做的事情1、在练习中不精益求精：练习的态度也就是你以后要演奏时的态度。在练习中一定要做到每个音都准确，虽然你现在还弹的不好，但一定要养成这个习惯，慢慢练习，不要着急，每个音都准确。如果现在没有养成这个好习惯，当你成为了一个吉他手的时候，你会为此付出很大的代价的。2、在学走之前就学跑：弹奏速度很快的秘诀是先要用很慢速度来弹好。如果你不能将一条licks在60bpm的速度下弹得很准确，你就没有资格在200bpm上来弹它。3、在技术上浪费更多的情绪：快速和华丽的licks是很好，在音乐中也会有用处，但如果你想成为只会弹奏这样licks的吉他手的话，我虽然不阻止你，但我要说，一个音序器可能会比你干的更好。4、不重视技术：情感与技术的争论已经持续了很久的时间了。拥有技术和研究音乐理论并不会影响你演奏时的情感--除非你有意去这样做。不要总用技术会影响情感来作为可以不苦练吉他的借口。面对它吧，事实是：你太懒了。

怎样调节吉他的手感至最佳状态 一把吉他，是音色重要还是手感重要？我觉得是手感重要。因为对于吉他爱好者来说，音色是一个很主观的东西。对于初学者而言，琴本身就很重要了，一把手感差的琴，你要废很大的力气去按弦才能弹响，而手感好的琴，手指轻轻触弦便能够轻易出来声音，让我选择，我肯定选择手感好，这是首要，其次才是琴的音质。其实再好的吉他在购买到手时都需要对琴颈进行细致的调校以后才可以达到演奏的最佳状态，但初学者和大多数吉他爱好者甚至有的吉他老师对这点都不了解，包括多数琴行一般都是很马虎的把音调准卖给你就完了，所以请大家在购买的时候一定要求商家把琴颈的角度调校好，（新琴都会有配套的调琴颈的扳手）这样一是方便于演奏，二是过度弯曲的琴颈时间长了会成隐患导致木头变形。通常一把吉他每变一次季都要调一次，热胀冷缩的缘故。下面我们就具体讲讲如何调节你的琴，事实上，大多数人所认为的手感不好，还是由弦决定的，调节琴，主要还是调节弦。首先，拿到吉他后，从琴身往琴头方向看确切来说这个动作叫“瞄”。确认琴颈是平直的或是向上略带一些弧度。然后，我们来看看准备的工具~~起弦器，弦距卡，调音扳手，砂纸（可准备稍微细些如600号，胆大的上100也行）然后，开工，先用弦距卡量下原来6弦和1弦的12品弦距，一般出厂时6弦都会是3毫米，1弦稍微低些。确认好后把弦松掉……用起弦器把弦钉去开，去掉弦，把琴枕取出。用调音扳手调整琴颈，把琴颈调整到略往上弧~~~可以开始用砂纸磨琴枕……1mm……2mm搞定……J961.COm把弦装上，在次请出弦距卡……量1弦，6弦12品的距离，然后，按住1弦（6弦）的第一品和最后一品，观察弦和品丝之间的距离，一般以05mm为佳。下面是图文教程：如果是品丝的问题，请参考下面经验：

弹吉他总是断断续续怎么办_怎么提高弹琴时的连贯性 在听到那些顶级的吉他演奏家为我们呈现的音乐时，我们总是沉醉其中，思绪随着演奏者的音符摆动。所以为什么这些演奏者弹起吉他来如此优美？这其中就有一个重要原因：他们的音乐语句时连贯的，连贯的音乐我们的思绪才不容易在刹那间地停顿与错音中突然急刹车，而是一直跟随者吉他演奏者的音乐，所以下面小编就为大家带来了一些关于吉他连贯性的小知识，快跟着小编一起来看看吧！ 首先，我们必须清楚：为了确保连续性，我们必须使每个音符的持续时间尽可能完整。接下来，我们看看需要做什么。关于左手，您可以“行走”，但不能“跳跃”。那是什么意思？我们认为用左手按弦是两条腿走路，弦是地面。想象一下当我们走路时脚与地面之间的关系。走路时，两只脚中的一只总是触地吗？答案是肯定的！好的，所以当我们演奏时，用左手按下琴弦与用腿走路相同。切换按下的音符时，我们必须确保一根或多根手指放在琴弦上。保持同时用两根手指按弦，在除空弦音外保持尽可能的连贯性。把位移动有诀窍，把位移动只有“跳”了？No！不一定，我们要找到“纽带”。如下图，在这两个和弦转换中，2指就是“纽带”。这两个和弦按法是一样的，只是把位移动的距离较远，在转换时，我们要做的是：2指轻轻贴着琴弦滑动（不要出现滑音），其他手指悬空（尽量贴近琴弦但不接触琴弦），保持指型，悬空移至目的地，这样可以较好的避免手指与琴弦摩擦产生的杂音，尤其是低音弦的杂音。如果没有“纽带”怎么办？在回答这个问题之前，让我们先考虑一下平时中的“说话”。当我们说话时，不仅句子彼此断开，实际上每个句子中的每个单词也断开，但时间很短。听起来很连贯。然后，当我们演奏时，我们尝试尽可能缩短两个音符断开连接的时间，以便可以更好地反映连续性。在这种情况下，我们需要多做一些练习，当然，我们必须明确一点：移动手指时，指尖必须尽可能靠近琴弦，即，手指不应举得过高，以使其更好。确保转换速度。实际上，需要注意的只是一句话！用左手配合并掌握触摸和拔弦的时机。具体来说，是要用左手“同步”，不要过早用右手触摸琴弦，也不要“停留”在琴弦上，否则会破坏连贯性。总之，连续性是基于节奏和语调的，而双手需要具有一定程度的控制力。要达到以上的效果需要小伙伴持之以恒的练习，在不断重复的枯燥练习中，只有坚持下去地人才能收获最大的效果。好啦以上就是小编带来的关于如何提升弹琴是连贯性的一些小技巧啦，当然以上的小技巧只是一些指导，更重要的是小伙伴不断地练习，希望小伙伴们都能坚持下去呀，那么我们下一期再见吧，拜拜！

吉他技巧——轮指 吉他技巧轮指?轮指是吉他的高级技巧，是因为我认为初学者也可以在进行到一定的时候接触一下。轮指分大概四指轮、三指轮、二指轮、扫轮等。四指轮是用右手四个手指(除小指)连续弹奏某一固定的弦。轮指是吉他的高级技巧，是因为我认为初学者也可以在进行到一定的时候接触一下。轮指分大概四指轮、三指轮、二指轮、扫轮等。四指轮是用右 手四个手指(除小指)连续弹奏某一固定的弦。三指轮是除拇指和小指;二指轮比较少见，一半是中指和无名指;扫轮是在三、四指轮的基础上，同时连续弹二根以 上的弦，通常是1、2、3弦。首先，指甲就有多种讲究。有0.5-1mm、1-1.5mm、1.5-2mm、2-3mm甚至更 长的。所谓长的测量是：平视，指甲尖超出肉线的长度。每一种长度读可以演奏，但是针对不同的人却不一样。例如我喜欢留1毫米。这样力度够，动作幅度 小、好掌握。但是熟练不够碰弦几率大。每种都有优点缺点。吉他技巧轮指?光选择完长度是不够的，指甲形状也很讲究。有方型、椭圆、平边、尖边等，方型指右手四个手指的指甲两个侧缘饱满;椭圆指两侧缘苗条;平边指指甲弹弦一侧修成小平边;尖边指指甲弹弦一侧修成尖边。因为不同的人轮指的时候，手指距离弦的距离是不一样的，甚至右手触弦的角度也不一样，因此导致不同的指甲外型有很多区别。初学者千万别小看这些区别。轮指不象左手，一旦你练上几年，到后来想改也几乎改不了你的手指走性了。J961.com另外，开始学轮指的时候，不要快，一定要慢，因为你必须使得各手指的间隔幅度一样，宁可答、答、答、答地清晰地练习，没有必要用眼睛，用你的耳来纠正。一旦你的右手指养成间隔幅度一致的习惯走性的时候，你再怎么放誓地弹都OK!右手拇指指甲要求不高，就是在练习的时候要把握好度就可以了。吉他技巧轮指?要注意轮指的时候幅度要尽量小。还有，轮指不是靠快来证明水平的高低，而是看弹得味道。

吉他弹唱的一些弹唱技巧 吉他弹唱的一些弹唱技巧(一)歌唱的姿势歌唱的姿势分站立式和坐式。一. 站立式：练习歌唱，首先要有正确的站立姿势。正确的站立式是正确呼吸与正确发声的基础。但它又很容易被初学者忽视。比如：有人在呼气发声前为了放松，而全身向下坠着，造成胸部塌陷，腹部凸出;另外，有的人在歌唱时站姿为稍息式。这些其实并不是唱歌时需要的放松，它并不是一种自然、积极、精神饱满的歌唱状态，反而使歌唱者处于一种松垮、拖拉的状态，试问又怎么能热情地去歌唱呢?再比如：有的人歌唱时低头看谱，这样不仅压迫了胸部，而且使颈椎不能伸展。要知道，歌唱时诸如夹肩、凹胸、挺肚、伸脖、歪头、眼望天等的形态和习惯，都会直接影响发声各器官的功能及各器官间的协调，从而导致错误的发声。正确的站立姿势应是： 身体自然站立，精神饱满，情绪积极，胸部自然挺起，小腹收缩;双足稍分开呈八字形或一前一后，距离约与肩同宽;重心略向前，颈椎与腰椎伸展; 额头稍向前倾，下巴放松并略向后收，两眼平视;双肩放下并微向后张，脸部肌肉不要紧张;要感觉小腹与眉心仿佛成一直线，尽量解除一切不必要的紧张状态。如果你重视歌唱时正确的站立姿势，并认真去做，定会受益匪浅。二. 坐 式：坐着歌唱时，上身的姿势与站立时的要求一样，但注意腰部要挺直，不要靠在椅背上，两腿自然弯曲、分开，两脚落地。两腿不要交叉叠起，否则会影响气息的通畅。看谱歌唱时，要求两手拿着乐谱视唱。划拍时，左手持谱，右手轻轻划拍。总之，歌唱时姿势要正确、自然、美观，以不妨碍整个发声器官的正常活动及有利于歌唱为标准。(二) 歌唱的呼吸呼吸是歌唱的原动力。人在平静时，吸气与呼气的时间大体上相等，吸气量小。在说话时也是随时将气息消耗掉。但在歌唱时，呼气的时间要比吸气的时间长得多，所以吸气一定要饱满。在歌唱时，呼气要尽可能地保持长一些时间，气息均匀、平稳地流出，使气息化为声音，并能达到自如地控制声音的强、弱、长、短的目的。古人云善歌者必先调其气，当今中外歌唱表演艺术家也都非常重视歌唱的呼吸。有人称歌唱艺术就是呼吸的艺术，此提法虽有些片面，但却说明呼吸在歌唱中的重要性。歌唱时的呼吸与平时的呼吸有很大的区别，它是一种特殊的呼吸方式。一、怎样吸气：歌唱吸气时，要求用口、鼻同时吸气，到肺叶底部。以心窝下的腹壁为中心，胸腔下部四周向外扩张(两肋感觉明显)，横膈下降，胸腔底部向下伸展，整个胸腔扩大，小腹收缩。歌唱时的吸气比平日下意识的吸气其程度加深了，横膈膜下降和胸腔的扩张，造成吸气量增大。这样，就使横膈膜掌握了呼吸的主动权，并和腹肌共同完成控制气息的任务。这是一种有意识的、积极主动的吸气。二、怎样呼气：呼气发声时，必须保持吸气时的状态。由于呼气开始时，肋骨本身的重量和横膈膜回升的弹力，都在帮助呼气肌肉群作压缩运动，如果发声时，吸气肌肉群突然放松，那么气立即就泄掉了，发出的声音就失去气息的支持了。学员经常感觉唱歌时气息不够用，主要就是由于这个原因。因此，歌唱发声时，要保持住吸气时的状态，即保持胸腔四周与横膈膜的扩张状态，以后腰为基点，支持歌唱发声，感到声音好象落在气上，由气托着，或者说声音唱在气上。同时，要保持微微挺胸(平时呼气时是塌下的)，小腹为了保持肋骨的扩张和胸部的微挺状态而收紧。在呼气肌肉群毫不放松的情况下，让气息缓慢、均匀而又有节制地呼出。由于呼气肌肉群和吸气肌肉群始终在同时工作，即产生对抗，形成一种歌唱的气势，造成胸内有压力的气柱，使呼出的气息具有一定的力度，亦使发出的声音具有力的素质，这就是常说的有控制的发声，我们把歌唱时的呼吸法为胸腹联合呼吸法三、要注意的问题：如果吸气时肩部耸起，即锁骨明显上移，则只能利用较少的肌肉上提肋骨来扩展胸廓，吸气量很小，得不到横膈膜的强有力的支持，只能借助于颈部的肌肉等来帮忙，极大地影响了音质，造成气流不畅、声音发抖、不能聚拢，常造成脸红脖子粗的现象。长期这样唱歌，会过渡疲劳，引起上胸的疾病，这种呼吸法因而不能为歌唱所用，我们称它为浅呼吸法。当我们在运用胸腹联合呼吸法时，不可将气吸得过于饱满，以免造成肌肉过份紧张和使声音失去弹性，从而干扰发声，呼气发声时，应注意避免控制得过死，而把气闷住，因此，应该在不断的呼吸与发声的训练中去体会吸气与控制气息的适度感，使发出的声音均匀、平稳、流畅和持久。

楚门​吉他​，每一把都有成为经典的理由 中文名：楚门吉他外文名：Trumonguitar楚门｜品牌理念[每一把吉他都有成为经典的理由]让“楚门的每一把吉他都有成为经典的理由”是楚门一直以来谨以执行的理念与标准，专注于吉他本身，完美主义的细节优化，近乎偏执的忍受与坚持是楚门吉他近几年迅速在国内声名鹊起的最大理由。在走访、研究了众多国外手工琴的工艺和制琴经验之后，楚门引进和借鉴了国外名琴的精髓，德国的琴颈五拼工艺，澳大利亚的琴颈调节技术，参考了大量名琴V补强的设计...在这个过程中，楚门做出了自己大量的创新与改进，内镶式的手工口轮、超低柄尾设计、台湾定制的高精度防伪弦钮，也带动了桑托斯玫瑰木在高端制琴上的广泛普及...这数不胜数的用心制作无不直接证明着楚门吉他的大量心血。一直以来，对于楚门来说，创新不是追求最新，而是回到吉他本身，去思考，对于吉他而言，究竟什么才是最重要的。楚门吉他希望自己的每一款产品都有其特有的价值与存在的意义，正是因为这种细节处的反复思考与精雕细琢，才得到了今天的楚门，使之每一把楚门吉他都有了成为经典的可能。时间，是一个吉他品牌最奢侈的成本，而研发出优秀的吉他恰恰需要大量的时间与精力，而这一点楚门众多的爱好者深有体会，因为楚门一直在优化，从未停止过，面对时间与成本的煎熬，楚门对吉他的要求仍然一如既往的坚定，只要体验过楚门吉他，你就会感慨楚门吉他众多的用心之处与超高的价值感，而这一切都形成了楚门今天优秀的口碑。所谓工匠之心在于专注于看的见的细节，也专注于看不见的细节，楚门吉他坚信，当人怀着工匠之心做事时，出来的每一把琴都是一个用心的作品，它会融入创作者的人格魅力，让你感受到这把吉他在双手中升华的过程。楚门｜品牌文化[有一种生活叫楚门]一个品牌的塑造离不开时间的打磨和精神文化的建设，不同于其他吉他品牌以产量为王，销量至上，楚门在吉他产品本身质量做工追求极致的同时，也更希望能传达一种生活理念，让楚门成为一种现象，一种轻松愉悦，享受生活，享受音乐的自由状态。我们从一开始就在琢磨如何将音乐和生活完美结合，如何将吉他融入你我的生活，成为生活的好伙伴。因为音乐，永远来源于生活。楚门文化T恤是一个标记，是一种氛围，甚至可以形成一种交流方式，它能迅速地把素未谋面的两人关系变得亲切。试想当你身穿楚门T恤，背着吉他行走在另一座城，迎面而来的相遇不只是跟你一样的穿着，甚至背着一样的吉他，相视而笑，是否很奇妙？又或者一场精心策划的指弹交流会，全国各地的吉他爱好者相聚一堂，也许陌生的环境，但是绝对陌生的脸，却穿着同样的楚门T恤。楚门吉他文化衫到目前为止出了4个版本。以酒红色为主要色调，有白色、灰色，还有黑色。而慢慢地慢慢地，我们只变成了一个织布造衣的，因为当一个感觉已经形成，内容就只是在于其次了。咖啡时光快节奏的都市生活也许打乱了你原有的频率，音乐显然是让你慢下来的重要陪伴。而放空一切，音乐怎么能少了咖啡的香味。肆意抓一把咖啡豆，把弄着咖啡机，慢慢等待醇香的咖啡流出，就是要随心所欲。再往杯里投下一块方糖，幻想着醇香而苦涩的咖啡里能从此多一份香甜，温暖里少一些无法摆脱的苦涩，散去所有的疲惫。沉淀，再沉淀，放弃浮躁的心，渐渐沉静下来。没有期待的醇香与甜美，只有忠于本色的对待。弹奏一曲，唱得是自己，拨的是岁月，褪去张扬与浮华，温和的心与宽广的胸怀容纳它。安静地只闻得到咖啡的香味和吉他声。你可以一个人享受安静的舒适，也可以一群人品味快意的人生。或许若干年后，会慢慢发觉：咖啡般的人生也如此香醇、静好。故事源于经历很多人常问，怎样写出一段感人的故事，抓人心弦，怎样写出一段好听的旋律，感同身受。其实，最好的故事它就在时间里，在你经过的每一段蹉跎岁月，留下的每一块足迹里。自己，就是最好的故事，只是也许你还不知道如何去叙说这一切。当你埋头在桌案上书写，是否想到有一天写出一个属于自己的快意人生。曾经想过这样的问题，为什么踩着晚风走过一趟丽江，写下的字句词曲就满是流浪的味道？为什么背上背包去了一回拉萨，哼出的旋律调调就都是自由辽阔的豪情？是经历，它帮你书写了这些感觉，描绘了这些意味。你阅读着一段又一段的旅途，于是，经历又把它勾勒成了一页又一页的故事。楚门之所以会有故事，是因为真真切切经历过这些坎坷泥泞，确确实实尝过各种酸甜苦辣，事实上，没有不需要埋头苦干就能获取的成功。追求卓越，你需要跟吉他对话，跟时间赛跑，跟自己的过去比较。故事无需捏造，自有经历书写。不渴望填满你对吉他所有美好的憧憬，但希望你对所有好琴的珍惜我从不缺席。音乐来自生活音乐、下午茶，享受午后的阳光也许是最舒适的生活。静静的，坐在窗前，啜饮一口咖啡。打开音乐，或者抱上一把吉他，拨弹自己喜欢的旋律，享受平凡。顿时觉得特别轻松，好像肩上一个沉重的包袱被卸下来了。哪怕什么都不做，闭上眼睛，听，就连呼吸，都是一首歌。楚门一直致力打造的不只是吉他，甚至是吉他之外的音乐平台和空间。让热爱音乐热爱生活的你我能有一个交流。咖啡和吉他，喝点啤酒说些大话，唱一首老歌，侃侃而谈。楚门生活就是诞生于这样的一个念头之下，工作之余，我们唱着自己热爱的音乐，弹着自己热爱的吉他，聊着你我不同的梦想。组一个小小的乐队，两把吉他，一个非洲鼓，也许都能一起去流浪的轻松。音乐自然而然的它就存在，因为它从没离开我们的生活。